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出版者:Centre Georges Pompidou Service Commercial

作者:Nicole Brenez

出品人:

页数:460

译者:

出版时间:2006-3

价格:EUR 44.90

装帧:Broché

isbn号码:9782844262998

丛书系列:

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探寻电影的边界：一部关于叙事革新与时代精神的编年史 书名：《时间的褶皱与光影的重构：20世纪后半叶电影的先锋探索》 内容简介： 本书并非聚焦于任何单一的电影大师或特定的电影流派，而是致力于勾勒出20世纪后半叶，尤其是在1960年代至1980年代间，全球电影领域所经历的一场深刻的、结构性的变革。我们深入剖析了那些挑战传统好莱坞叙事范式、反思媒介本质、并试图将电影语言提升至哲学高度的创作实践。 这部作品的视角是宏观且跨文化的，它将焦点投向了那些致力于“打破第四面墙”的导演们，那些热衷于在影像中嵌入自我指涉的文本，以及那些拒绝提供传统因果链条的叙事者。我们探讨的不仅仅是美学上的选择，更是这些选择背后所反映的时代精神——一个对既有权威、僵化结构和线性历史观产生普遍质疑的时代。 第一部分：对“电影语法”的解构与重塑 本部分首先回顾了战后欧洲电影的理论基础，特别是对现实主义与形式主义两大阵营的审视。然而，我们的核心在于探讨如何有人开始系统性地“拆解”传统的蒙太奇理论。我们分析了那些拒绝使用连续性剪辑（Continuity Editing）的尝试，转而采用跳跃式剪辑（Jump Cuts）、长时间定格（Long Takes）以及画面内的时间停滞（Temporal Stasis）。这些技术不再仅仅是风格化的点缀，而是成为表达主体内在焦虑和外部世界碎片化的核心工具。 我们详细考察了非职业演员的使用对“真实感”的颠覆性影响，以及如何通过模糊虚构与纪录的界限，迫使观众重新审视他们所观看内容的“真实性”基础。这种对电影语言本身的“元叙事”（Meta-narrative）关注，是那个时代许多先锋创作者共同的追求。他们不再满足于讲述一个引人入胜的故事，而是热衷于揭示“讲述”这一行为本身是如何被建构和操纵的。 第二部分：政治的缺席与在场：主体性的危机 1960年代是社会运动风起云涌的年代，电影不可避免地被卷入对权力、阶级和异化的探讨。然而，本书关注的并非那些直接的政治宣传片，而是那些以更微妙、更具穿透力的方式介入政治空间的艺术实践。我们分析了如何通过刻意的叙事中断、主角的被动性、以及对传统英雄形象的彻底颠覆，来表达对既有政治框架的疏离感和不信任。 关键在于对“主体性”（Subjectivity）的处理。许多影片的主角不再是清晰、有明确动机的行动者，而更像是被社会、历史或潜意识的巨大力量所裹挟的观察者。我们探讨了这种“无力感”如何通过慢节奏、环境的压迫感以及对话的失真感被视觉化。影片的“意义”不再被清晰地授予观众，而是要求观众主动在文本的裂隙中去构建，这本身就是一种反权威的政治姿态。 第三部分：空间、时间与记忆的非线性构造 本书的另一重点在于对电影时空观念的彻底解放。我们考察了那些试图在银幕上重现梦境逻辑、内心独白流动性以及记忆的不可靠性的作品。这涉及对传统三幕剧结构的彻底抛弃，转而采用循环结构、平行的多个叙事线索，以及故意混淆过去、现在与未来的时间标记。 在空间处理上，我们分析了如何利用抽象的布景、极简主义的场景设计，或是对都市景观的疏离式拍摄，来营造一种“迷失感”。这种对具体地理位置的剥离，使得空间成为了心理状态的投射，而不是故事发生的背景板。通过对长焦距镜头的偏爱和对景深的模糊处理，这些电影制造了一种“疏离感”（Estrangement Effect），使得观众无法完全沉浸于虚构的世界，从而得以跳脱出来进行批判性思考。 第四部分：媒介的自我反思与未来的可能性 最后，本书展望了这些先锋尝试如何影响了后来的电影语言，以及它们如何预示了数字时代的某些叙事趋势。我们探讨了声音设计在这些非传统叙事中的革命性作用——如何使用噪音、不和谐的音乐，或对白与画面的不同步，来增强观看体验的认知负荷。 这些电影的共同遗产在于它们坚持认为：电影不仅仅是现实的镜子，更是一种能够主动建构感知和思考方式的工具。它们挑战了观众的耐心，要求观众成为一个积极的、充满疑问的参与者，而非被动的接收者。本书旨在为读者提供一个清晰的地图，以理解那些在光影世界中，致力于拓展媒介极限、重塑我们理解叙事和现实方式的、至关重要的探索者群体及其留下的深刻印记。 本书的价值在于，它提供了一个框架，让读者能够理解，在那些看似“晦涩难懂”的影像背后，隐藏着对电影本质的严肃追问，以及对时代困境的深刻回应。 这是一部献给所有对电影作为一种艺术形式的可能性抱有无限好奇心的读者的指南。

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拿到这本书时，我本以为会是一本标准的导演传记或作品年鉴，毕竟标题如此直白。然而，一旦沉浸其中，便发现这完全是一次关于“缺席”的探讨，关于一个世纪以来影像美学是如何被不断地“打破”和“重构”的哲学思辨集。作者的笔触极其飘逸，仿佛他本人就在放映厅里，边看边即兴发挥出他对光影、声音和时间的理解。章节之间的过渡是跳跃的，甚至可以说是混乱的，但这恰恰模拟了那种被戈达尔式叙事打乱的时间感和因果链。我特别喜欢其中对“画外音的诗意”那一部分的描述，它没有过多地纠缠于具体的对白内容，而是将其视为一种声音的雕塑，一种与画面互相拉扯、制造间隙的听觉艺术。这本书的排版也很有意思，时不时会出现大段的留白，或者突然插入一些无关紧要的脚注，这种非线性阅读体验，本身就是对传统书籍装帧的一种无声的反抗，与书中所探讨的主题形成了绝妙的呼应。对于初次接触严肃电影理论的人来说，这可能略显劝退，但对于那些习惯了在碎片信息中寻找意义的现代读者而言，它提供了一种近乎冥想式的阅读体验——你必须主动去填补那些作者故意留下的空白。

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这本书读下来，感觉就像是参与了一场长达数百页的、永不休止的辩论赛，而对手是你自己脑海中根深蒂固的“电影是什么”的预设观念。作者的论证风格非常具有侵略性，他毫不留情地将那些被奉为圭臬的叙事技巧贬低为“视觉的糖衣”或“思想的鸦片”。我发现自己不得不时常停下来，合上书本，陷入沉思，回想自己过去看过的那些“好电影”究竟是如何在不知不觉中操纵了我的情感。这本书更像是一本方法论的指南，它教你如何“拆解”而非“欣赏”一部电影。其中对于“场面调度”的阐述尤为精妙，作者并未满足于描述演员的走位，而是深入剖析了空间本身如何成为一种权力的符号，以及如何在固定机位中凝固或释放出被压抑的社会张力。语言上，它充满了法语知识分子特有的那种略带嘲讽的优越感，用词精准而尖锐，几乎每一个句子都像是一枚精确投掷的小石子，精准地击碎了银幕上构建的美好假象。虽然阅读过程是艰辛的，但收获是巨大的，它彻底改变了我看待镜头语言的方式，让我对影像的“纯粹性”产生了新的敬畏。

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这是一本挑战阅读习惯的奇书。它完全没有按照传统的学术论著结构来组织内容，更像是一位极富天赋的艺术家，在自己的工作室里留下的、充满即兴涂鸦和哲学草稿的笔记的集合。内容上，它极少提及导演的私人生活或拍摄幕后轶事，而是专注于对“时间性”在媒介中的表达进行近乎偏执的探究。作者似乎对“线性叙事”的病态迷恋到了无法忍受的地步，不断地在文本中制造断裂和回环，迫使读者体验一种碎片化的、非线性的认知过程。我个人非常欣赏其中关于“沉默的重量”的章节，作者用极其文学化的语言描述了当声音突然从画面中抽离时，观众的感官是如何被强制拉回现实，这种纯粹的视觉冲击力是如何超越任何语言描述的。这本书的行文充满了比喻和反讽，情绪的起伏很大，有时候极其高亢激昂，充满了对电影未来的狂热想象；有时候又戛然而止，留下令人不安的空白。它要求读者具备极高的主动性和耐性，因为它不会为你铺设任何红毯，你必须自己去寻找那些隐藏在字里行间的智慧火花。

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这本“让-吕克·戈达尔”的厚重之作，与其说是一本书，不如说是一次对电影语言的彻底解构与重塑的宣言。初翻开时，我被那种近乎冷酷的、不留情面的分析直击心灵。它没有试图去歌颂那些耳熟能详的经典镜头，反而像一个解剖学家，冷静地剖开每一帧画面背后的权力结构和意识形态暗流。作者似乎对传统的叙事方式抱有一种近乎病态的排斥，每一个章节的推进都充满了跳跃性，仿佛强迫读者脱离舒适区，去直面电影工业如何制造幻觉的真相。我尤其欣赏其中关于“蒙太奇的暴力性”的论述，那段文字深入浅出地揭示了剪辑点如何成为控制观众情绪和认知最直接的工具，读完后，我再去看任何一部商业大片时，都会下意识地寻找那些被隐藏的、强加于我的节奏点。这本书的论证逻辑极其严密，引用的案例驳杂而精准，横跨了从默片时代到后现代主义的各个流派，显示出作者深厚的学术功底，但同时，它的表达方式又充满了知识分子的傲慢与犀利，读起来酣畅淋漓，却又时常需要停下来，反复咀嚼那些晦涩难懂的哲学词汇。总而言之，它不是一本轻松的读物，而是一场智力上的马拉松，适合那些渴望真正理解镜头背后的“为什么”而非仅仅满足于“是什么”的深度影迷。

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阅读这本书的体验是多层次的，它像一个迷宫，你每走进一步，都会发现自己可能只是回到了起点，但每一次的循环都带来了新的理解维度。它对于“图像的政治性”的剖析达到了令人发指的细致程度，作者似乎认为，任何没有经过主动介入和批判性重构的图像，都必然是某种形式的政治工具。这本书的句子结构极其复杂，充满了长句、从句的嵌套和意想不到的转折，读起来需要极强的注意力，稍有走神，可能就会错过一个关键的论证环节。我印象最深的是对“特写镜头”的颠覆性解读，作者将其描述为一种极端的“情感绑架”，镜头强行聚焦于面部细节，剥夺了主体与环境的联系，从而将观众推入一种被动接受的、高度个人化的窥视体验中。这本书的批判锋芒指向性极强，它仿佛在对每一个电影制作者耳语：“你以为你在创作艺术，其实你只是在制造幻觉的帮凶。”尽管它的学术色彩浓重，但其强烈的批判精神和对影像本源的追问，让它读起来丝毫没有枯燥感，反而像是一剂猛烈的清醒剂，让人对所有影像媒介都保持警惕与审视。

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