Contemporary Composers on Contemporary Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026
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具体描述
This anthology of essays, interviews, and autobiographical pieces provides an invaluable overview of the evolution of contemporary music—from chromaticism, serialism, and indeterminacy to jazz, vernacular, electronic, and non-Western influences. Featuring classic essays by Stravinsky, Stockhausen, and Reich, as well as writings by lesser-known but equally innovative composers such as Jack Beeson, Richard Maxfield, and T. J. Anderson, this collection covers a broad range of styles and approaches. Here you will find Busoni's influential "Sketch of a New Esthetic of Music"; Partch's exploration of a new notation system; Babbitt's defense of advanced composition in his controversial "Who Cares If You Listen?"; and Pauline Oliveros's meditations on sound. Now updated with fifteen new composers including Michael Tippet, György Ligeti, Gunther Schuller, Ben Johnston, Sofia Gubaidulina, and William Bolcom, this important book gathers together forty-nine pieces—many out of print and some newly written for this volume—which serve as a documentary history of twentieth-century music, in theory and practice. Impassioned, provocative, and eloquent, these writings are as exciting and diverse as the music they discuss.
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读后感
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用户评价
这本书的语言风格极其富有画面感，读起来与其说是在阅读学术论述，不如说是在跟随一位极富激情的向导，深入探索一个未知的声学领域。作者擅长使用富有张力的比喻来描绘那些抽象的音乐概念。比如，他将复杂的复调结构描述为“一座不断自我坍塌又重生的玻璃迷宫”。这种文学性的表达，使得即便是涉及复杂的数学序列或十二音体系的讨论，也变得生动可感，而非枯燥的公式堆砌。我尤其欣赏作者在引述作曲家观点时，那种既尊重原意又加以独特诠释的平衡感。它让你感觉自己不是在阅读二手资料的转述，而是在现场聆听一场思想的激荡。这本书的真正价值在于，它成功地搭建了一座桥梁，连接了晦涩的理论世界和我们日常的听觉经验，让“当代音乐”这个听起来遥不可及的标签，变得触手可及，甚至带上了一种探索未知的激动人心的气质。
评分我最近读完的一本书，给我的感受是，它仿佛是一份为音乐鉴赏家准备的“反向指南”。它没有试图去教授基础的和声学知识，而是直接把我们投掷到了二十世纪中叶以来那片充满迷雾的作曲家思想迷宫之中。最吸引我的是其中关于“偶然性”和“不确定性”在创作中的应用章节。作者以一种近乎侦探小说的笔触，层层剥开了布列兹和凯奇等大师在处理乐谱的开放性时所面临的哲学困境。他们如何平衡作曲家的“意图”与演奏者的“即兴自由”？书中引用的那些手稿注释和私人信件，为我们还原了创作现场的紧张气氛。这种对创作过程的透明化展示，远比单纯分析成品要来得震撼人心。我尤其喜欢作者对“演奏的伦理”的探讨——当乐谱本身就是一份邀请函而非一份绝对命令时，演奏者在诠释中承担了多大的本体论责任？这本书的文字密度极高，需要反复咀嚼，但每一次回味都能从中咂摸出新的味道。它不适合消遣，但绝对是那些渴望深入理解当代音乐本体论的人士不可或缺的文本。
评分这本书的叙事结构异常大胆，它几乎摒弃了传统的“介绍作曲家生平—分析代表作”的流水账模式。取而代之的是，它像一个策展人，将一系列看似不相干的音乐事件和理论思潮并置在一起进行对话。例如，它在讨论德彪西后期对音色的迷恋时，瞬间跳跃到了七十年代的电子音乐实验，并从中找到了某种跨越时代的“声学直觉”的共通点。这种跨越媒介和时代的连接，极大地拓宽了我的思维格局。我发现自己开始用一种更具流体性的眼光去看待音乐的发展史——它不是阶梯式的进步，而更像是一个不断自我修正和自我否定的循环系统。书中对“空间性”在音乐中的体现的分析，尤其令人耳目一新。它不再将音乐视为线性的声音河流，而是将其视为一个可以被构建、被雕塑的三维实体。阅读过程中，我常常需要停下来，尝试在脑海中“构建”作者描述的那些声场，这种参与式的阅读体验，是我在其他音乐理论书籍中很少获得的。
评分我必须说，这本书的批判锋芒非常锐利，它毫不留情地挑战了我们对“美”和“可听性”的既有偏见。作者没有粉饰那些挑战听众的音乐，而是直面它们为何诞生、它们试图打破的是什么。书中对后结构主义思潮如何渗透到音乐形式中的分析，深刻揭示了“意义的解构”在听觉层面的具体实践。它探讨了当作曲家刻意瓦解主题、旋律和节奏的中心性时，听众的注意力会转向何处？答案显然是：转向声音本身的物质性——它的频率、它的衰减、它的物理质感。这种对声音“原子”层面的关注，让我意识到自己过去听音乐时是多么依赖于宏大结构叙事。此外，书中对特定乐器演奏技法革新如何反过来驱动作曲理念的论述也极具洞察力，它展示了技术与艺术之间那种密不可分的共生关系。这是一本能让你对那些“刺耳的”音乐产生敬畏感的书。
评分这部作品简直是一场对当代音乐哲学的深刻剖析，它没有固守传统的音乐理论框架，而是大胆地将听觉体验、社会语境乃至于作曲家的个人心路历程熔于一炉。我特别欣赏作者在阐述那些极具实验性的作品时所展现出的那种近乎辩证的思维方式。比如，当谈到极简主义音乐如何与后工业时代的机械节奏产生共鸣时，作者并没有简单地停留在风格的对比上，而是深入挖掘了两者在时间感知上的异同。书中对“噪音”这一概念的处理尤为精彩，它不再是传统意义上的不和谐音，而是一种被精心编排的听觉景观，是作曲家对现有审美体系的一种微妙反叛。读完后，我发现自己对那些曾经让我感到“难以接近”的当代作品，有了一种全新的、更具同理心的理解视角。它迫使你走出舒适区，去倾听那些被主流音乐界长期忽略的声音纹理和结构张力。这种引导是潜移默化的，它不是简单地告诉你“应该如何听”，而是提供了一套复杂的工具箱，让你自己去拆解和重构你对音乐的认知边界。音乐史的叙事常常是线性的，但这本书成功地描绘出了一条充满岔路和回响的复杂路径，让人对未来的声音可能性充满了期待。
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