明清瓷器鉴定三十讲-鉴宝.大众收藏8 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:吉林出版集团

作者:史树青

出品人:

页数:187

译者:

出版时间:2007-1

价格:26.00元

装帧:

isbn号码:9787807206217

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馆藏精品导览：聚焦中国古代书画的千年流变 主题概述： 本书精选了中国艺术史中最为璀璨的两个领域——古代书画的精华，旨在为广大艺术爱好者、收藏家及专业研究人员提供一份详尽而深入的导览图。全书不设单一朝代的限制，而是以时间为轴线，串联起自魏晋风骨至清末民初的笔墨演变、审美趣味及时代精神的深刻烙印。 第一部：翰墨之源——中国古代书法艺术的千年探索 (约500字) 本部分深入剖析了中国书法艺术自甲骨文、金文发轫后，如何在秦汉的规整中奠定规范，并于魏晋时期完成哲学与美学的深刻融合。重点考察了王羲之如何将书法提升至“中和之美”的至高境界，成为后世不可逾越的典范。 章节聚焦： 1. 篆隶的古拙气象与规范： 探究小篆的线条匀称之美与隶书的波磔开张如何为后世楷书的成熟打下坚实基础。重点分析《张迁碑》、《曹全碑》等代表作的用笔特点。 2. 行草的恣肆与性情： 细致阐述了王献之的“父子异轨”，以及唐代颜真卿（雄浑、忠厚）与怀素（狂放、连绵）在风格上的分野。深入解析“法度森严”与“无法而法”之间的辩证关系。 3. 宋代尚意的转向： 聚焦“宋四家”（苏、黄、米、蔡）如何摆脱唐代的法度束缚，将书写行为上升到抒发个人胸臆、探求意趣的高度。米芾的“刷字”及其对后世的影响被单独辟出专章论述。 4. 元明清的流派与复古： 考察赵孟頫“复归晋唐”的努力，明代吴门书派的雅致，以及清代碑学兴起对帖学长期统治地位的挑战。着重分析碑帖融合的时代趋势。 第二部：丹青妙笔——中国古代绘画的风格流派与技法革新 (约600字) 本部分将焦点转向中国绘画领域，从山水、人物、花鸟三大门类入手，梳理其从早期的宗教性与写实性，逐步过渡到宋元以来的文人写意精神的嬗变过程。 章节聚焦： 1. 人物画的演变： 从顾恺之的“以形写神”到陆探微的“秀润”，再到唐代吴道子“吴带当风”的力度与气势。深入探讨宋代院体画对人物细节的精确捕捉与“界画”的发展。 2. 山水画的格局确立： 详细对比分析“南派”（董源、巨然的披麻皲、水墨为主）与“北派”（李思训、李昭道的金碧山水）在唐末五代的风格差异。重点研习“元四家”（黄公望、倪瓒等）如何将山水画彻底文人化，强调“逸笔草草，不求形似”。 3. 花鸟画的写生与写意： 辨析黄筌一派的工笔富贵之气与徐熙的野逸之风。着重分析宋徽宗的院体写生如何达到极致，以及明清时期以八大山人、石涛为代表的“个性化”表达对传统笔墨的颠覆与重构。 4. 设色与用墨的材料科学： 探讨矿物颜料（如石青、石绿）在不同时期的使用变化，以及墨分五色的技法在水墨画发展中的重要性，如焦、浓、重、淡、清的层次感营造。 第三部：鉴藏之道——跨越时代的审美共鸣与鉴赏要点 (约400字) 本部分理论性较强，旨在指导读者如何从书画的“技术层面”进入到“精神层面”进行鉴赏，理解不同历史时期鉴藏活动对艺术品流传的影响。 章节聚焦： 1. 款识、印章与题跋的文献价值： 分析历代藏家印章（如宋之宣和、清之乾隆）在鉴定流传序列中的关键作用，以及重要文人题跋对作品时代背景的佐证意义。 2. 笔墨语言的时代特征分析： 总结晋唐的骨法用笔、宋代的理法兼备、元代的意趣横生，以及清代的碑学入画等，形成一套系统的“时段风格识别系统”。 3. “天人合一”的哲学观在艺术中的体现： 探讨中国书画不同于西方油画的核心差异，即对“气韵生动”这一抽象概念的追求，以及这种追求如何反映了中国传统知识分子对宇宙、自然、人生的理解。 本书特色与价值： 本书并非简单罗列名家名作，而是致力于构建一套连贯的艺术史脉络，强调风格的继承与创新之间的内在逻辑。通过对具体笔触、墨法、章法布局的细致解剖，帮助读者建立起扎实的专业基础，真正领会中国古代书画艺术跨越千年的深厚底蕴与无穷魅力。全书配图精选自各大博物馆及私人重要收藏，力求图文并茂，直观呈现艺术的精髓。

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我之前自己摸索着看了一些关于明清瓷器的资料，说实话，很多书要么过于学术化，堆砌了大量的专业术语，读起来像是在啃硬骨头；要么就是太浅显，只停留在“官窑好”、“民窑次”这种表层认知上，根本解决不了实际操作中的疑惑。这本书的叙事方式，却找到了一个非常巧妙的平衡点。它的讲解深入浅出，没有那种居高临下的说教感，更像是请了一位经验老到的行家，坐在你身边，用讲故事的方式把那些繁复的鉴定要点娓娓道来。比如，当讲到康熙朝的青花“浆胎”特性时，作者没有直接给出定义，而是先描述了当时烧造环境的限制，再自然而然地引出这种胎质的形成，最后才落到如何通过手感和侧光来辨别。这种由表及里、由现象到本质的逻辑推导，让知识点变得立体而易于吸收，对于我们这些非科班出身的爱好者来说，简直是打开了一扇新的大门。它不是简单地告诉你“是什么”，而是教会你“为什么是这样”，这才是真正有价值的传承。

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最让我欣赏的是，作者在叙述中展现出的那种对历史背景的深厚理解，这使得对瓷器的鉴定不再是孤立的技术操作，而是一种跨越时空的文化对话。书中对不同朝代官窑制度的变迁、景德镇窑口人力的流动、甚至是对当时的社会审美倾向的分析，都穿插得恰到好处。例如，分析雍正朝粉彩的画风时，作者会提到当时宫廷画院对色彩运用提出了更精细化的要求，这直接解释了为何雍正粉彩的“五色”过渡会如此细腻柔和，几乎看不到笔触。这种对“人”和“时代”的关照，让冰冷的瓷器焕发出了鲜活的生命力。当我捧着这本书，看着那些精美的图片时，我不再是看一块釉彩斑斓的陶土，而是能想象到当年工匠在窑火边，带着怎样的心境和技艺，完成了这件传世之作。这种文化厚度，极大地提升了我的收藏境界。

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这本书的结构编排堪称教科书级别的典范。它不是简单地按照时间线罗列，而是采用了主题式的模块划分，这对于快速查阅和针对性学习提供了极大的便利。比如，专门辟出一个章节来讨论“款识的演变与陷阱”，这部分内容简直是“避坑指南”。它不仅细致地对比了不同时期官窑和民窑款的写法差异，还特别指出了清代中后期仿款中最常见的破绽，比如笔法的力度、墨色的层次感等。我记得有一次在淘旧货时，对一个道光款的盘子产生了犹豫，就是因为看到了书中关于“道光款笔画过于工整”的论述，回去对比了一下，果然在一些细微的笔锋处理上露出了马脚，最终让我避免了一次不必要的投入。这种实战指导性极强的部分，让我感觉这本书的价值远超出了理论研究的范畴，它直接参与到了我的收藏决策中，这份“实战感”是其他同类书籍难以比拟的。

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这本书的装帧设计真是一绝，封面那种沉稳的色调，加上那种老瓷器特有的那种温润的光泽感，光是摆在书架上就觉得品味不凡。我拿到手的时候，首先就被它的厚重感吸引住了，这感觉就像是捧着一个沉甸甸的瓷器老物件，而不是一本普通的书籍。内页的纸张选用了那种略带米黄色的哑光纸，阅读起来眼睛非常舒服，长时间看也不会觉得累。更难得的是，书里的插图印刷质量高得惊人，那些器物的细节，比如釉面的开片、底款的纹理，甚至是彩绘中那些细如发丝的线条，都清晰可见，色彩还原度极高。要知道，鉴定瓷器，光靠文字描述是远远不够的，没有高品质的图片支撑，一切都是空谈。这本书在视觉呈现上的用心，完全体现了编者对瓷器美学和专业性的双重尊重。每次翻阅，都像是在一个私密的精品展厅里细细品味，那种触手可及的质感，是电子书永远无法替代的体验。这本书的装帧不仅是包装，它本身就是对中国传统工艺的一种致敬。

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坦白说，在收藏这条路上，心态的调整和视野的拓展比掌握多少“绝招”更重要。这本书在后半部分着墨不少的“收藏心态与风险管理”，简直是为我这种初入行不久的爱好者量身定制的良药。作者没有鼓吹一夜暴富的可能，而是强调了“慢”、“学”、“审慎”的重要性。他反复告诫读者，市场上的“新材料”、“新工艺”陷阱层出不穷，真正的老东西往往带着时间的痕迹，那种痕迹是模仿不来的，需要的是定力和耐心去等待。书中提到一个观点，即“鉴定是概率学，而非绝对论”，这让我从过去那种追求百分百肯定的焦虑中解脱出来。它教会了我如何去评估风险，如何接受不确定性，并最终享受“发现的乐趣”，而不是被“买到假货的恐惧”所支配。这种哲学层面的引导，是任何纯技术手册都无法给予的宝贵财富。

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看看那些精美的瓷器总是让人长生去学做陶瓷工人的想法

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大杂烩 很多话都指点不明 但是对于初学者也还是有点帮助 装帧很漂亮

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