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出版者:Cassell

作者:Stuart Klawans

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-03

价格:USD 29.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780304700547

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 喜剧
• 经典
• 怀旧
• 影评
• 文化
• 娱乐
• 电影史
• 好莱坞
• 幽默

《镜头奇趣：电影世界的万花筒》 引言： 在这光影流转的戏剧舞台上，电影以其独特的魅力，捕获了人类的情感、梦想与思考。从黑白默片时代的无声呐喊，到数字浪潮席卷下的视觉盛宴，电影始终是映照现实、连接心灵的一面镜子。然而，在那些光鲜亮丽的银幕故事背后，隐藏着无数不为人知的角落，充满了奇思妙想、大胆尝试，以及那些在历史长河中闪耀的、鲜为人知的幕后故事。《镜头奇趣：电影世界的万花筒》正是这样一部旨在揭示电影艺术更加广阔、也更富趣味维度的作品。它并非聚焦于某一部具体的电影，也不是对电影史的枯燥梳理，而是将镜头对准电影工业的各个层面，从创作的源头，到拍摄的细节，再到上映后的种种涟漪，呈现出一个充满惊喜与洞察的电影世界。 第一章：灵感的诞生——从碎片到故事 电影的起点，往往是那一点点火花，一个模糊的念头，一段破碎的记忆，或是一个社会现象的缩影。本章将深入探讨电影创作过程中，灵感是如何被捕捉、被孕育，最终转化为一部部引人入胜的剧本。我们将看到，那些我们熟知的经典故事，其最初的构思可能源于多么不起眼的瞬间。 未曾谋面的故事原型： 探索那些启发了著名电影的真实事件、民间传说、书籍片段，甚至是新闻报道。例如，一部描绘战争史诗的电影，其故事原型可能是一段鲜为人知的士兵日记；一部浪漫喜剧的灵感，或许来自于一段街头偶遇的有趣对话。本章会追溯这些故事的源头，展现灵感从现实土壤中生根发芽的过程。 脑洞大开的创作实验： 电影的创新，离不开那些敢于打破常规的创作者。我们将考察那些在剧本创作阶段就充满了实验性思维的例子。例如，一些剧本为了追求极致的戏剧张力，会尝试非线性的叙事结构，或者引入超现实的元素，这些在早期阶段的设计，往往是后来影片风格形成的关键。 跨界合作的奇妙化学反应： 电影并非孤立的艺术，它常常与其他艺术形式发生碰撞，激发出新的火花。本章将探讨小说、戏剧、音乐、绘画等如何渗透进电影剧本的创作，以及不同领域的艺术家跨界合作时所产生的意想不到的化学反应。我们会看到，一位著名作家如何将自己的诗歌意境融入电影情节，或者一位音乐家如何影响了剧本的节奏感。 “如果……会怎样？”的无限可能： 许多伟大的电影，都是基于一个简单的“如果”命题。本章将剖析这种设问式创作法的魅力，以及它如何带领创作者进入一个充满无限可能的故事宇宙。从“如果一个人拥有了读心术会发生什么？”到“如果未来的人类回溯到过去会改变什么？”，这些看似简单的设问，往往能催生出宏大的世界观和深刻的人性探讨。 第二章：光影的魔术师——镜头之外的技艺 电影的视觉呈现，是其最直观的魅力所在。然而，银幕上呈现的每一个画面，都凝聚着无数技术人员的辛勤付出和精湛技艺。本章将揭示那些隐藏在镜头背后的魔术，它们是如何将导演的构想变为现实，并赋予影片独特的视觉风格。 不为人知的特技革命： 在计算机特效尚未普及的年代，电影人是如何用巧妙的物理方法和光学技巧来创造令人惊叹的视觉奇观的？本章将回顾那些经典的“老派”特技，如模型制作、翻拍叠印、绿幕技术的早期运用，以及它们在塑造电影想象力方面所起到的关键作用。例如，我们或许会了解，在《星球大战》早期，那些遥远的星系是如何通过精密的模型和手绘背景实现的。 色彩的语言与情绪的调色板： 颜色并非只是视觉的装饰，它们是电影叙事的重要组成部分，能够直接影响观众的情绪和感知。本章将深入探讨电影色彩的运用，从早期的黑白影像的对比度之美，到彩色电影中色彩的象征意义和情感传递。我们会分析不同色彩搭配所营造出的特定氛围，以及色彩在角色塑造和主题表达中的潜藏力量。 构图的艺术与画面的诗意： 电影的构图，如同绘画的构图一样，蕴含着深刻的意义。本章将解析电影画面中的构图原则，如黄金分割、对称与失衡、前景与背景的运用，以及它们如何引导观众的视线，传达情感，甚至暗示情节走向。我们将看到，一个看似普通的场景，通过精妙的构图，可以瞬间充满戏剧张力。 声音的潜能：超越听觉的维度： 声音是电影不可或缺的一部分，它不仅是背景音乐和对话，更是一种能够塑造空间感、烘托气氛、甚至暗示角色内心世界的强大工具。本章将探讨电影声音设计的艺术，包括环境音效的真实性营造，声音的象征性运用，以及声音如何与画面形成共鸣，共同构建出完整的观影体验。我们会理解，为何一段恰到好处的沉默，或者一个细微的环境音，能够比任何台词都更能打动人心。 第三章：演员的炼金术——角色塑造的深度探索 演员是电影的灵魂，他们的表演将剧本中的文字赋予生命。本章将超越对明星光环的聚焦，而是深入挖掘演员是如何通过自身的理解、体验和技巧，将一个二维的角色转化为立体、鲜活的存在。 “体验派”的内心挖掘： 探讨那些以深入体验角色内心为追求的表演方法。我们会了解演员如何通过对角色的背景、动机、情感的极致探究，试图“成为”那个角色，从而展现出令人信服的表演。例如，一位演员为了扮演一位饱经沧桑的人物，会主动去体验类似的经历，或者深入研究相关社会群体的生活状态。 “技术派”的形体与声音雕琢： 不同于“体验派”，一些演员则更侧重于通过精湛的形体、声音和表情控制来塑造角色。本章将解析这种“技术派”表演的魅力，以及演员如何通过细微的肢体语言、语调变化来传达人物的性格和情绪。我们会看到，一个眼神，一个微小的动作，如何在银幕上诉说着一个角色的故事。 角色背后的“意外”碰撞： 有时候，演员与角色的契合并非一蹴而就，而是在创作过程中不断碰撞、磨合的结果。本章将揭示一些演员是如何在拍摄过程中，通过与导演、对手演员的互动，甚至是对剧本的重新理解，而为角色注入新的生命力的。我们会发现，一些最经典的表演，其背后可能都经历过不少“意外”的灵感迸发。 反派角色的魅力与人性共鸣： 银幕上的反派角色，常常是复杂而迷人的。本章将探讨为何一些反派角色能够超越简单的“坏人”形象，而获得观众的喜爱和理解。我们会分析演员如何通过对反派动机的深入挖掘，展现其人性的复杂性，甚至引发观众对自身道德边界的思考。 第四章：电影的脉搏——行业生态的微观透视 电影产业是一个庞大而复杂的生态系统，其中充满了各种职业、规则与人际关系。本章将带领读者走进这个生态系统的内部，观察那些不常被公众注意到的角落，了解电影是如何在商业与艺术之间寻找平衡，又是如何通过各种力量共同推动向前。 制片人的“点石成金”术： 制片人是电影诞生的幕后推手，他们需要具备敏锐的市场嗅觉、卓越的资源整合能力，以及将创意变为现实的坚定信念。本章将深入探究制片人的工作，了解他们如何寻找剧本、组建团队、控制预算，以及在复杂的商业环境中为影片保驾护航。 剪辑师的“二次创作”： 剪辑师在影片的最终呈现中扮演着至关重要的角色，他们通过对素材的重新组合，可以彻底改变影片的节奏、叙事和情感走向。本章将解析剪辑的艺术，以及剪辑师如何用他们的巧手，将零散的镜头转化为流畅、有力的叙事。我们会看到，同一场戏，不同的剪辑方式，会带来截然不同的观影感受。 影评的演变与电影文化的塑造： 影评并非仅仅是对影片的评价，更是连接观众与电影、推动电影文化发展的重要力量。本章将回顾影评的历史演变，以及不同时代、不同风格的影评人是如何影响观众的观影选择，乃至电影产业的发展方向的。 电影节的生态与行业交流的平台： 电影节是电影产业的重要集会，它们不仅是展示新片、发掘新人的舞台，更是电影人交流思想、洽谈合作的关键平台。本章将剖析电影节的运作机制，以及它们在推动电影艺术多样性和全球化进程中所扮演的角色。 第五章：观影的超越——技术、艺术与观众的连接 电影的最终目的是与观众连接，激发共鸣，引发思考。本章将从观众的角度出发，探讨电影的观看体验是如何被技术、艺术和文化背景所塑造的，以及电影如何超越时空，成为连接过去、现在与未来的桥梁。 从“大银幕”到“小屏幕”的观影变革： 随着科技的发展，观众的观影方式发生了翻天覆地的变化。本章将探讨从电影院到家庭影院，再到移动设备的观影体验的演变，以及这些变化对电影艺术本身可能产生的影响。 电影作为历史的见证者与记录者： 许多电影不仅是艺术作品，更是特定历史时期的见证者。本章将探讨电影如何通过其影像和叙事，记录下时代的变迁、社会的风貌、以及人们的生活状态，从而成为研究历史的重要资料。 电影的文化符号与集体记忆的构建： 一些电影之所以能够流传百世，往往是因为它们成功地捕捉并强化了某种文化符号，或在观众心中留下了深刻的集体记忆。本章将分析电影如何成为文化符号的载体，以及它们如何在潜移默化中影响着我们的价值观和世界观。 未被探索的电影疆域： 电影艺术仍在不断发展，新的技术、新的叙事方式、新的主题不断涌现。本章将展望电影未来的发展方向，探讨那些尚未被充分发掘的艺术潜能，以及电影艺术将如何继续以其独特的方式，触动我们的心灵，启迪我们的思想。 结语： 《镜头奇趣：电影世界的万花筒》旨在通过对电影艺术各个层面的深入探索，带领读者跳出对具体影片的简单评判，而进入一个更加广阔、更加迷人的电影领域。它相信，每一个镜头都隐藏着一段故事，每一次剪辑都蕴含着一种匠心，每一次放映都连接着一种情感。通过了解这些不为人知的细节，我们不仅能更深刻地理解电影的魅力，更能从中发现属于我们自己的、与光影相遇的独特奇趣。

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我是在出差的漫长旅途中开始阅读这本书的，它成了我那段灰暗时光里最好的陪伴。这本书的文字有一种独特的节奏感，读起来不像是在“阅读”，更像是在听一位老派的电影评论家，坐在壁炉旁，手里摇晃着一杯威士忌，跟你娓娓道来他一生的“奇遇记”。我尤其喜欢作者那种毫不掩饰的个人立场和强烈的个人偏好，他敢于旗帜鲜明地表达对某些被过度吹捧的作品的不屑，同时也对那些默默无闻的幕后工作者的贡献给予高度赞扬。书中的语言充满了画面感，你仿佛能看到那个穿着考究但略显邋遢的制片人，在片场上对着拿着牛排刀的演员大喊大叫的场景。对我来说，这本书的价值不在于它提供了多少“正确答案”，而在于它激发了我去重新观看和思考那些我自以为“已经看透”的经典影片。它像一把钥匙，打开了我对电影工业人性侧面的好奇心，让我意识到，在那些光鲜亮丽的镜头背后，隐藏着多少关于野心、妥协与梦想的复杂博弈。

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我通常是那种只看新片、对老电影不怎么感兴趣的观众，但朋友坚持让我试试这本书，说它能改变我对“经典”的看法。起初我还有点将信将疑，但读进去后，那种感觉就像是突然获得了一副高清的3D眼镜，重新审视了整个电影世界。这本书最引人入胜的地方在于，它毫不留情地揭露了电影制作中的“荒谬剧”部分。它不是那种歌颂艺术的赞美诗，而是更像一部揭秘录，充满了对行业潜规则、片场斗争以及那些天才与疯子之间模糊界限的辛辣讽刺。作者的幽默感把握得恰到好处，他既是这个行业的虔诚信徒，也是最尖锐的批评家。我尤其喜欢其中对配乐和剪辑“非主流大师”的推崇，这些往往是评论界容易忽略的领域，但在作者笔下，他们的贡献被提升到了与导演同等重要的地位。读完之后，我迫不及待地去重温了几部以前完全不屑一顾的老片，果然，带着这本书中揭示的“内幕视角”去看，每一部影片都焕发出了全新的光彩和层次感。

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这是一本挑战传统观影习惯的绝佳读物。我发现，许多同类型的书籍都过于侧重于叙事的宏大叙事，总是试图将所有影片纳入一个巨大的历史框架中，读起来难免有些沉闷和公式化。但《Film Follies》却反其道而行之，它专注于“瞬间”——那些一帧定格、一句台词、一个微妙的眼神交流，如何在短短几秒钟内，彻底改变一部影片的命运，甚至影响一代人的审美。作者的分析视角非常微观且精准，他能够从极小的细节中提炼出巨大的文化意义。例如，他用近乎侦探小说的笔法，解构了某部经典恐怖片中一个长镜头的设计，不仅分析了其对观众心理的操控，还追溯了这种拍摄手法在早期默片时代的渊源。这种深挖的能力，让人感到惊喜。这本书的行文流畅得不可思议，即使是探讨技术性很强的问题，作者也能用一种近乎诗意的语言将其包装起来，让非专业人士也能轻松领会其中的精妙之处。

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说实话，我通常对这种“影史回顾”类的书籍不太感冒，感觉大多是些陈词滥调，无非就是表扬A片、批判B片，然后用一些高深的理论把简单的东西复杂化。但《Film Follies》完全颠覆了我的预期。它的结构非常松散，更像是一系列精彩的“片段剪辑”，而不是一个严丝合缝的线性叙事。我最欣赏的是它对那些“失败的杰作”或者“被遗忘的宝藏”的关注。作者仿佛一个考古学家，从历史的尘埃中挖掘出那些不该被埋没的胶片，并用他那犀利又幽默的笔触，重新赋予它们生命。有一章专门分析了某部七十年代的邪典电影，作者没有落入对其故事情节的简单复述，而是深入剖析了它如何精准地捕捉了那个时代社会精神的断裂感，那种荒诞和反叛精神，直到今天依然具有强大的穿透力。阅读过程非常享受，因为它不要求你具备任何专业知识，即使你对电影史一窍不通，也能被作者那种近乎狂热的激情所感染。它教会了我如何带着一种全新的、更具批判性但也更富同情心的眼光去看待那些银幕上的光影。

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这部电影主题的合集，我是在一个朋友的强烈推荐下去买的，说实话，刚翻开的时候，我还有点犹豫，封面设计得那种老派的、有点泛黄的胶片质感，让我想起家里阁楼里那些落满灰尘的VHS录像带。但一旦我沉浸进去，那种感觉就像是掉进了一个巨大的、充满惊喜的电影宝库。作者的叙事手法极其灵动，他不仅仅是在罗列那些经典的银幕瞬间，更像是在用一种非常个人化、近乎八卦的口吻，带你走过好莱坞黄金时代的幕后迷宫。比如，其中一篇关于某位著名导演和他那部“永远无法完成”的史诗巨制的探讨，分析得入木三分，那种对艺术追求的偏执和现实的无奈，被描绘得淋漓尽致，让人在捧腹大笑之余，又隐隐感到一丝心酸。我特别欣赏他对于“完美主义的代价”这一主题的挖掘，他没有用枯燥的理论去包装，而是通过一个个鲜活的轶事，让你自己去体会那种艺术创作的挣扎与荣耀。这本书的排版也很有意思，时不时穿插一些老电影的海报碎片和剧照扫描件，仿佛随时能闻到那种老影院里爆米花和尘土混合的味道。整体来说，它不是一本教科书，更像是一本老电影迷的私密日记，充满了真挚的热爱和深刻的洞察力。

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