中国人物画（上） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:565

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出版时间:2000-4

价格:55.00元

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isbn号码:9787806257432

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鉴古知今：中国古代艺术的恢宏画卷 一册跨越千年的艺术探索之旅 本书旨在为读者呈现一幅波澜壮阔的中国古代艺术全景图，重点聚焦于雕塑、建筑、青铜器、玉器以及陶瓷等多个领域，力求通过深入的文本分析和精美的图版展示，揭示中国古代文明的审美精髓与技术成就。我们避开对具体人物肖像的直接描摹，转而深入探究那些沉默而有力的物证，如何诉说一个伟大文明的兴衰与变迁。 第一部分：凝固的历史——中国古代雕塑艺术的演进 中国雕塑艺术，是物质载体上思想与信仰的具象化体现。本书将从史前时期的陶塑萌芽讲起，直至魏晋南北朝时期的宗教雕塑高峰，系统梳理其发展脉络。 史前与夏商周：从实用到礼仪的蜕变 早期雕塑多与原始巫术和生活需求相关，如红山文化的玉龙、仰韶文化的陶俑。进入夏商周，青铜铸造技术的发展直接催生了礼器雕塑的繁荣。我们详细考察了兽面纹（饕餮纹）的象征意义和复杂的铸造工艺，分析这些狞厉的纹饰如何成为统治阶级权力的象征符号。这些作品并非描绘人物的生动瞬间，而是通过抽象的、程式化的动物形象来构建一个神圣的秩序。 秦汉雄风：写实主义的初步觉醒 秦始皇陵兵马俑群，是古代雕塑艺术史上难以逾越的里程碑。本书将重点分析其群体构图的宏大叙事性、个体面部特征的细微差异，以及写实主义的初步尝试。这些陶俑的价值，在于其对汉代军阵、服饰、装备的详尽记录，而非传统意义上的人物画的笔墨技巧。我们探讨了“写实”在秦汉雕塑中是如何被运用，以服务于帝王的功业。 魏晋南北朝：佛教艺术的洗礼与融合 佛教的传入为中国雕塑注入了新的生命力与主题。石窟寺院，如云冈、龙门，成为了巨型雕塑艺术的殿堂。我们将重点剖析佛像的“褒衣博带”风格如何体现了汉魏交替时期的审美取向，以及犍陀罗艺术与本土文化的碰撞与融合。这些雕塑，在表现佛陀的“神性”和“超越性”时，采用了程式化的体态和面容，其艺术表现手法与中国传统人物画的“传神写照”有着本质的区别。我们关注的是形体结构、衣纹处理和空间布局。 隋唐盛世：人体美学的极致表达 隋唐时期的雕塑达到了成熟与辉煌。此时期的作品，无论是石雕还是木雕，都呈现出丰腴、健美、充满生命力的特征。本书细致考察了唐代佛像面容的“慈祥化”趋势，以及在吸收印度笈多王朝艺术影响后，如何将人体结构表现得更为圆润、更具空间深度。我们分析了唐代雕塑家如何通过体量的处理和光影的运用来营造庄严感和亲和力。 第二部分：空间与秩序——中国古代建筑的结构美学 建筑是凝固的史诗，是中国古代社会组织结构和宇宙观的物质载体。本书将从木构架体系入手，层层深入，解析中国古代建筑的哲学基础与工程智慧。 木构架体系的逻辑：斗拱、榫卯与模数制 中国古代建筑的核心在于其独特的木构架结构。我们详细阐述了榫卯连接的精妙，它使得建筑具备了惊人的抗震能力。斗拱，作为力的传导枢纽，其复杂程度和装饰性并重，我们将其视为一种“结构雕塑”。本书还探讨了中国古代建筑如何运用模数制（如“材份制”）来实现标准化和整体的韵律感，这是一种侧重于平面布局和立体结构的科学体系。 宫殿、坛庙与园林：功能与象征的统一 从气势恢宏的紫禁城，到庄严肃穆的天坛，再到写意自然的苏州园林，每一种建筑类型都承载着特定的社会功能和哲学思想。 宫殿与礼制： 强调中轴对称、层层进深的布局，体现了皇权至上和儒家等级观念。我们分析了屋顶形式（如庑殿顶、歇山顶）所代表的等级差异，以及色彩运用（如琉璃瓦的颜色）对建筑象征意义的强化。 坛庙祭祀： 考察圜丘、祈年殿等建筑如何通过圆形、方形等基本几何形体来象征“天圆地方”的宇宙观，其设计完全服务于祭祀的仪式需求。 园林艺术： 从江南私家园林到皇家苑囿，我们探讨了中国园林如何通过叠山理水、移步换景的手法，在有限空间内创造无限意境。这种艺术追求的是“师法自然”的意境营造，与人物绘画中的“写形”和“传神”路径迥异。 第三部分：物质的语言——青铜器、玉器与陶瓷的工艺密码 这些古代器物，是技术、审美与社会功能交织的产物，它们以非图像化的方式，讲述着时代的秘密。 青铜礼器：权力的铸造 商周青铜器，以其厚重的器壁、繁复的纹饰和精湛的铸造工艺著称。本书集中分析了范铸法的运用，以及几何化、神秘化的纹饰图案（如夔龙纹、凤鸟纹）如何取代早期具象的动物形象，成为沟通天地、维系宗法社会的媒介。我们关注的是器物的造型学和铭文的文字学价值，而非对人物动态的描绘。 玉器：温润的永恒追求 在中国，“玉”是“德”的象征。从新石器时代的玉琮、玉璧，到汉代的玉衣、玉塞，玉器的制作技术是古代“减材”工艺的极致体现。我们研究了玉器形制的演变，分析了玉器上几何线条和象征性符号（如“谷纹”）所承载的文化内涵。玉器工艺的难度在于其硬度，这要求工匠掌握的是雕刻与打磨的技法，而非笔墨的晕染。 陶瓷艺术：从实用到审美的飞跃 陶瓷的发展，反映了中国社会对物质生活精细化的追求。本书将陶瓷艺术的脉络划分为陶器、原始瓷、成熟青瓷和釉下彩的探索。 早期审美： 侧重于几何纹饰和刻划纹，体现朴素的装饰美。 唐三彩与宋代五大名窑： 重点分析釉料的化学变化、烧制温度对颜色的控制，以及不同窑口（如汝窑的“天青色”、钧窑的“入窑一色”）的独特工艺美学。宋代瓷器尤其注重器物本身的线条流畅度和釉面的质感，达到了极高的极简主义审美高度。这些艺术成就，建立在对矿物和火候的精确控制之上。 通过对这些宏大领域的深入探讨，本书勾勒出了中国古代艺术的物质基础与精神内核，展现了其技术深度、结构智慧和哲学意境，为读者提供了一个广阔而坚实的文化视域。

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这本《中国人物画（上）》的装帧设计真是一绝，光是拿到手里就能感受到那份沉甸甸的艺术气息。封面采用了一种带着淡淡岁月感的宣纸纹理，而不是那种光滑的铜版纸，这一下子就拉近了与传统绘画的距离。插图的选择也十分精妙，并非只是堆砌名家名作，而是很有章法地挑选了一些具有代表性、且风格迥异的作品作为引子。我尤其喜欢它在材料运用上的探讨，比如对于不同时期矿物颜料和植物染料的介绍，那些细腻的色彩变化，即便是通过印刷品展现出来，也能让人感受到画家笔触下的温度和时间的流淌。作者在引言部分对“形神兼备”这一核心理念的阐述，非常具有启发性，它不是空泛的理论说教，而是结合了具体的实例来剖析，比如如何通过眼神捕捉人物的内在气质，如何通过衣纹的转折暗示人物的性格。这种由表及里，由技术到哲学的引导方式，对于初学者来说既不会感到枯燥，又能打下一个坚实的基础。整个排版设计松紧有度，留白的处理极其到位，让人在阅读时能有足够的空间去沉思和品味那些画作的意境，而不是被密集的文字和图像压得喘不过气来。这套书显然是倾注了大量心血的，从纸张的选择到文字的编排，都透露出对中国人物画艺术深深的敬意和理解。

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这本书在构建中国人物画的“思想体系”方面，起到了至关重要的作用。它没有将人物画简单地视为一种技巧的展现，而是将其置于整个中国哲学和文学的宏大背景之下进行审视。例如，它在阐述宋代以后“文人画”概念时，深入探讨了“士人”阶层对绘画主旨的影响——从追求外在的“写实”转向内在的“抒情”，这一点在人物画的造型上体现得尤为明显，即人物形象开始服务于画家的主观心境表达，而非单纯的记录。我非常欣赏它对“意境”这一抽象概念的具象化解读，它通过分析古代诗歌、笔记中对画作的描述，反向推导出当时人们如何感知和欣赏人物画中的情感张力。这种跨学科的论述方式，使得人物画不再孤立存在，而是与当时的文学、历史紧密相连，形成了一个有机的整体。读完这本书，我感觉自己不仅学会了“看”画，更学会了如何“理解”画背后的那个时代的心跳和时代的审美取向，为我后续深入研究人物画的各个流派奠定了非常坚实和开阔的视野。

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我一直觉得，很多艺术类书籍的通病在于它们过于偏重理论的堆砌，或者仅仅停留在对“名家大作”的简单介绍上，缺乏对技法背后“为什么”的深入挖掘。《中国人物画（上）》在这方面做得非常出色。它没有急于展示那些耳熟能详的唐宋大家，而是把篇幅放在了早期人物画的演变脉络上，比如汉代画像石拓片中的人物造型规律，以及魏晋南北朝时期那种带着佛教影响的“秀骨清像”风格的形成。书中对“线描”的讲解，简直可以称得上是一部小型的工具书。它详细分析了“十八描”等不同线条技法的具体运用场合，比如“铁线描”的刚劲和“兰叶描”的温润在表现不同材质（如盔甲与丝绸）时的微妙差异。更难得的是，作者似乎并不满足于告诉我们“怎么画”，而是花了大量篇幅去解释“为什么要这样画”。比如，在探讨顾恺之《洛神赋图》时，它不仅仅是复述了“以形写神”的口号，而是结合当时的审美情趣和社会思潮，去解读那种飘逸、空灵的人物姿态是如何应运而生的。读完这部分内容，我仿佛能触摸到那个时代画家们在笔墨探索中的挣扎与创新，这是一种非常难得的代入感，让学习不再是机械的模仿，而是一种历史和精神的传承。

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不得不提的是，这本书的学术严谨性让人印象深刻，但它的叙述方式却一点也不板正。它像是一位博学的长者，在暖暖的午后，为你娓娓道来中国人物画那曲折而迷人的发展史。不同于那些刻板的教科书，这里的章节过渡非常自然，就像是讲故事一样流畅。比如，从早期的人物造像，过渡到隋唐盛世的“丰肥健美”风格，再到宋代文人画兴起后人物造型的内敛化，这些转变不是生硬地用时间线来切割的，而是通过分析当时的社会结构、审美取向甚至服饰风格的变化，来解释绘画语言的必然更迭。我特别喜欢其中关于“肖像画”的讨论，它不仅展示了如阎立本、吴道子等大师的作品，更深入地剖析了早期“写真”与后世“传神”之间的哲学差异。它甚至引用了一些古代文人的轶事和批评，让那些冰冷的图像立刻鲜活了起来，充满了人情味。这种既有深厚的学院派支撑，又兼具大众可读性的写作风格，实在是非常难得，它成功地在严肃和趣味之间找到了一个完美的平衡点，让读者在轻松阅读中完成了知识的积累。

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对于我们这些常年在线上平台学习绘画的人来说，最大的痛点往往是无法接触到原件的细节和笔触的力度。《中国人物画（上）》在这方面做出了巨大的努力。它收录了大量高清的局部特写，而且这些特写的选择非常具有目的性——它们聚焦于那些最能体现画家功力的关键部位，比如吴道子的衣带飞扬处，或者李公麟的马匹筋骨线条。通过这些特写，即便是隔着纸张，你也能感受到墨色的浓淡干湿变化，以及线条的提按顿挫。书中还包含了一些关于古代绘画材料和工具的介绍，比如如何研墨、如何调和石青石绿，甚至还有一些关于古代装裱方式对画作保存和展示影响的讨论。这些“幕后”的知识，对于理解一幅画的最终呈现效果至关重要。它让我意识到，我们今天看到的成品，背后是画家对材料的深刻理解和驾驭能力。这种对工艺层面的尊重和细致入微的展示，极大地提升了阅读体验，让它超越了一本普通的“赏析图册”，更像是一份珍贵的“技法档案”。

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虽然是一本据宋画述人文图书，然而每张画作之间并没有点评，而且有的信息是错误的..........书中的画印得比较清晰，起码不是那种从网上copy下来的像素图。如果是单纯考据服饰、建筑、风俗的话，还是可以一看的。

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