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出版者:天津人民美术出版社

作者:郑瑞章

出品人:

页数:104

译者:

出版时间:2006-1

价格:48.00元

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isbn号码:9787530531693

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敦煌壁画中的色彩与意象：唐代佛教艺术研究 内容提要： 本书深入探讨了敦煌莫高窟壁画中唐代中晚期（约公元七世纪至九世纪）佛教艺术的演变脉络、核心美学特征及其背后的社会文化意涵。全书以“色彩的象征性”、“人物的世俗化趋势”与“叙事手法的革新”为三大主线，结合最新的考古发现与艺术史研究成果，系统梳理了唐代盛世下佛教信仰与本土审美的深度融合过程。 本书首先从敦煌壁画的颜料运用与色彩哲学入手。唐代壁画的色彩体系是研究其艺术成就的关键窗口。我们分析了唐代画师如何运用珍贵的矿物颜料（如石青、石绿、朱砂、铅白）来构建一个既符合佛教教义要求，又极具盛唐气象的视觉世界。不同时期的色彩饱和度、冷暖对比以及“晕染法”（如对人物肌肤和衣袂的处理）的变化，清晰地反映了艺术审美的流变。例如，初唐壁画色彩相对朴拙、线条劲健，多沿袭北朝遗风；而盛唐时期，色彩趋于绚烂、层次丰富，特别是对朱红与孔雀蓝的大胆运用，彰显了帝国的富庶与文化的自信。书中详细对比了不同洞窟中“说法图”和“本生故事画”在色彩语言上的差异，揭示了色彩如何服务于叙事目的，或烘托神圣庄严，或渲染人间烟火。 其次，本书聚焦于唐代佛教人物造型的世俗化与人性化研究。在唐代，随着佛教义理的普及和平民化，壁画中的佛、菩萨形象开始摆脱早期那种超凡脱俗的、略显僵硬的程式化面孔，转而呈现出更加圆润、丰腴、充满生命力的“唐人气象”。我们详细剖析了唐代“曹衣带水”、“吴带当风”等著名画派技法的继承与创新，探讨了菩萨面容如何吸收了宫廷仕女画的审美趣味，展现出温柔、慈悲而又不失威仪的复杂情感。对“飞天”形象的研究尤其深入，分析了飞天服饰的飘逸感、体态的舒展性如何体现盛唐“万象更新”的精神风貌，以及这些形象如何从天界使者逐步融入中土的审美想象。 第三部分，本书深入探讨了唐代壁画的叙事结构与构图革命。敦煌壁画承担着重要的宗教教化功能，其叙事图的布局和笔法至关重要。我们系统梳理了唐代壁画中“变相画”（如《弥勒变》、《维摩诘经变》）的成熟过程。在构图上，唐代画师开始尝试更复杂的空间处理，将多个场景有机地整合在一个画面内，借鉴了世俗画的场景设置，使得原本抽象的佛经故事更具可读性和感染力。书中分析了唐代壁画如何运用“散点透视”和“焦点透视”的萌芽手法，在二维平面上营造出近乎三维的景深感，这不仅是技术上的进步，也是对宇宙观的一种图像化表达。对“经变画”中世俗场景（如宫廷、城市、农耕景象）的描绘，也反映了唐代佛教艺术对本土生活元素的积极吸收与转化。 最后，本书还涵盖了“供养人画像”的时代价值。供养人画像是研究唐代社会阶层、服饰制度乃至风俗习惯的第一手资料。通过对不同时期供养人形象的服饰、发型、站位及随从的细致比对，我们可以清晰地看到晚唐藩镇割据前，社会结构在宗教艺术中的投射，以及不同阶层对佛教信仰的虔诚程度与财富体现。 本书配有大量高精度高清壁画图像资料，并辅以清晰的线条摹本对比，旨在为艺术史学者、美术专业学生以及对中国古代宗教艺术感兴趣的读者，提供一份严谨、全面且富有洞察力的唐代敦煌艺术研究指南。它试图揭示，敦煌壁画不仅仅是宗教的载体，更是盛唐气象、中外文明交融的艺术史高峰。 --- 目录结构（非完整目录，仅作内容展示）： 第一章：唐代敦煌艺术的历史坐标与时代精神 1.1 隋唐交替期的艺术过渡 1.2 佛教在唐代社会中的地位与寺院经济 1.3 敦煌壁画的地域性风格与中原主流风格的互动 第二章：盛唐气象：色彩的哲学与物质基础 2.1 颜料的采购、制备与化学分析：唐代色彩的物质性 2.2 初唐至盛唐：色彩饱和度与对比度的演变 2.3 晕染法与凹凸法的精进：论唐代晕染技术的突破 2.4 色彩的象征意义：五方佛与五色体系在壁画中的应用 第三章：人形的革新：从神性到人性 3.1 佛、菩萨面部的“面相学”：从“瘦骨清像”到“丰腴之美” 3.2 曹衣带水与吴带当风：线条的力度与衣纹的处理 3.3 飞天造型的世俗化：乐舞元素与神话想象的融合 3.4 罗汉与弟子像：个性化肖像的初步尝试 第四章：叙事的构建：经变画的成熟与空间尝试 4.1 经变画的功能性：教化与图像学的转化 4.2 构图中的“场域”划分：线性叙事与平行并置 4.3 空间感的营造：散点透视在世俗场景中的应用 4.4 盛唐壁画中的“环境”描绘：山水、建筑与世俗生活 第五章：供养人画像的社会学解读 5.1 供养人画像的形制与功能 5.2 关陇贵族与河西地方豪族画像的对比分析 5.3 服饰、仪仗与等级制度在图像中的定格 结语：唐代敦煌艺术的终结与影响

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在学习过程中，我发现书中对于“设色”的部分讲解得尤为透彻。传统工笔花鸟画的设色，讲究“随类赋彩”，即根据物体的自然色彩来施色，同时又带有艺术家的主观创造。书中不仅介绍了各种颜料的特性和使用方法，还详细讲解了如何调和色彩，如何运用撞水、撞粉等技法来表现色彩的丰富变化，这些都让我受益匪浅。

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拿到这本书，我迫不及待地翻阅起来，首先映入眼帘的是那详尽的目录，从基础的笔法、墨法，到各种花卉、鸟类的写生技法，再到具体的创作步骤，可以说涵盖了工笔花鸟画学习的方方面面。我尤其关注的是其中关于“勾勒”和“渲染”的章节，这两者是工笔画的灵魂所在，也是我一直觉得比较难以掌握的部分。书中对不同线条的粗细、轻重、虚实的运用，以及对色彩的晕染、叠加、提亮的技巧，都有非常细致的讲解和示范。

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让我印象深刻的是，书中并没有回避学习工笔画过程中可能会遇到的困难，反而对这些难点进行了深入的分析和解答。比如，如何避免画面“花”的问题，如何处理墨色和色彩的融合，如何通过细节的刻画来提升画面的整体神韵等等。这些实用的建议，对于像我这样的初学者来说，无疑是雪中送炭。

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这本书不仅仅是一本教学书籍，更像是一位循循善诱的老师。它用最清晰的语言，最直观的图示，引导我一步步走进工笔花鸟画的艺术世界。我常常会一边阅读，一边动手尝试，将书中的技法运用到自己的实践中。每一次小小的进步，都让我充满了成就感，也更加坚定了我继续学习的决心。

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我一直对中国的传统文化有着浓厚的兴趣，而工笔花鸟画，正是这种文化的重要载体。它不仅仅是一种绘画技法，更是一种生活态度，一种对自然的热爱，对美的追求。通过学习这本书，我不仅能掌握绘画技巧，更能从中体会到中国传统文化的深厚底蕴，感受到古人对自然万物的细腻观察和深切情感。

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我特别欣赏书中关于“意境”的探讨。工笔花鸟画，不仅仅是形似，更讲究神似，追求的是画面所传达的意境和情感。书中通过分析历代名作，阐述了如何通过构图、笔墨、色彩的巧妙结合，来营造出独特的艺术氛围，表达画家内心的情感。这让我认识到，学习工笔画，不仅是技法的训练，更是心灵的修行。

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这本书的排版设计也十分用心，大量的精美插图穿插其中，每一幅作品都经过精心挑选，既有古典名家的经典之作，也有当代艺术家的优秀作品。这些作品的展示，不仅仅是为了美观，更是为了让读者能够直观地感受到工笔花鸟画的魅力，并在观摩中学习其精髓。我常常会停下来，仔细揣摩画中的细节，比如一片叶子的脉络如何勾勒，一朵花的层次如何渲染，一只鸟儿的羽毛如何表现得生动逼真。

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总而言之，这本书是我近期读到的最满意的一本艺术类书籍。它内容详实，讲解清晰，配图精美，并且真正做到了从入门到进阶的全面指导。对于任何想要学习工笔花鸟画的朋友来说，这本书都是一个绝佳的选择。它不仅能帮助你掌握精湛的绘画技艺，更能让你领略到中国传统艺术的独特魅力。

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作为一名初学者，我最担心的就是怕自己学不会，但这本书的讲解方式非常循序渐进，从最基础的执笔姿势、运笔方法开始，一步一步地引导读者进入工笔画的世界。书中还提供了一些非常实用的练习方法，比如“点”、“线”、“面”的练习，以及对常见花卉（如梅、兰、竹、菊）的结构分析和画法示范。这些练习不仅能帮助我打下坚实的基础，也能增强我的信心。

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这本书的封面设计就足够吸引我了，淡雅的色彩搭配写实的工笔花卉，瞬间勾起了我对中国传统绘画的兴趣。我一直认为，艺术的魅力在于它的传承与创新，而工笔花鸟画，恰恰是这样一种充满生命力的艺术形式。我曾在画廊里驻足欣赏过不少工笔画作，那些细腻的笔触，层层晕染的色彩，以及栩栩如生的花鸟形象，都让我惊叹不已。然而，我始终觉得，仅仅欣赏是远远不够的，真正的热爱，需要亲手去描绘，去感受。

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