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出版者:沪书店

作者:姚华

出品人:

页数:59

译者:

出版时间:2006-4

价格:15.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787806784785

丛书系列:

图书标签:

• 素描
• 基础
• 绘画
• 设计
• 艺术
• 入门
• 速写
• 构图
• 透视
• 线条

《光影之境：探索绘画的肌理与质感》 本书并非一本教授基础线条勾勒或几何造型的入门指南，而是深入探讨如何在二维平面上赋予画面生命力与触感，让观者仿佛能“触摸”到描绘对象。我们聚焦于理解和运用光影的微妙变化，如何通过明暗交界、高光、投影以及环境色的反射，去塑造物体的体积感、厚重感与材质属性。 一、 光影的语言：雕塑体积与空间 我们不直接教你画一个立方体，而是让你理解光线如何“拥抱”立方体，在每一个面向留下不同的印记。本书的核心在于教会你“看到”光，并用笔触“翻译”光。 光线的本质与方向： 探讨不同光源（如点光源、面光源、散射光）对物体的影响，以及它们如何塑造出不同的明暗关系。我们将通过案例分析，例如一盏台灯下的苹果，其受光面、背光面、暗部以及投影如何层层递进，构成真实的体积感。 灰阶的奥秘： 深入解析从纯白到纯黑的灰阶变化，以及不同灰阶在画面中的作用。如何通过精妙的灰阶过渡，表现出光滑的金属、粗糙的石材、柔软的布料或通透的玻璃？我们将着重讲解如何捕捉并还原这些微妙的灰阶差异，让画面更具真实感。 明暗交界线与转折： 重点剖析明暗交界线并非一条生硬的直线，而是随着物体形状和材质的变化而呈现出不同的形态。学习如何表现曲面上的柔和转折，以及棱角分明处的明确界定，从而强化物体的立体感。 环境色的影响： 很多初学者忽视了环境色对物体色彩和明暗的微妙影响。本书将详细讲解，当一个物体放置在有颜色的背景前时，背景色如何在其背光面产生反射，以及同一物体在不同环境光下的色彩变化。通过对这些细节的把握，画面将更显生动和协调。 二、 材质的触感：赋予画面灵魂的肌理 本书致力于引导读者超越形体的模仿，去“感受”不同材质的独特触感，并将其转化为笔下的视觉语言。 金属的冷冽与光泽： 学习如何表现金属的硬朗、光滑以及其对光线的强烈反射。从高亮的点光源到微妙的反射纹理，我们将一步步揭示如何让画面中的金属制品闪耀出冰冷的光芒。 布料的垂坠与褶皱： 探索丝绸的顺滑、棉麻的粗糙、绒毛的蓬松，以及这些材质在光线下形成的独特褶皱和阴影。我们将研究布料的悬垂性，以及如何通过笔触的走向和明暗的对比，表现出织物的质感与生命的律动。 木材的纹理与温度： 学习如何捕捉木材的年轮、节疤、以及其天然的粗糙感。通过对不同纹理和色泽的细腻描绘，让画面中的木制家具或器物散发出温润的质感与岁月的痕迹。 玻璃的通透与折射： 挑战描绘透明物体，理解光线如何在玻璃内部折射、反射，以及其边缘的高光处理。我们将深入探讨如何表现玻璃的晶莹剔透，以及它背后景物的模糊影影绰绰。 皮肤的温润与细腻： 尝试描绘人造肌肤的质感，捕捉皮肤的光泽、毛孔以及微妙的血色。通过对肤色冷暖和明暗的精细处理，赋予人物肖像真实的生命力。 三、 笔触的诗意：让画面“呼吸”的技巧 在掌握了光影和材质的语言之后，笔触的选择与运用将是点亮画面的关键。本书鼓励读者探索属于自己的笔触风格。 不同画材的特性与表现： 尽管本书并非直接教授某种画材的使用，但会穿插讲解铅笔、炭笔、钢笔、色粉等不同工具在表现光影和材质时的独特优势。例如，铅笔的细腻过渡，炭笔的厚重覆盖，色粉的柔和晕染。 笔触的节奏与方向： 学习如何运用笔触的方向来引导观者的视线，以及如何通过笔触的疏密、干湿来表现不同的肌理。例如，顺着物体转折的方向运笔，能更好地塑造体积；用短促有力的笔触描绘粗糙表面，用流畅的笔触表现光滑物体。 “擦”与“叠”的艺术： 深入探讨如何巧妙运用擦拭与叠加的技巧，来制造出柔和的光影过渡、细腻的质感以及丰富的层次。学习如何通过这些技法，让画面中的明暗对比更自然，细节更丰富。 留白的智慧： 并非所有的空白都需要填满。本书将引导读者思考留白在画面中的作用，如何利用留白来营造呼吸感、突出重点，以及暗示未尽的细节。 《光影之境》 旨在为有一定绘画基础的学习者提供一个全新的视角，去重新认识和体验绘画的本质。我们相信，通过对光影和材质的深度探索，以及对笔触的诗意运用，你的作品将不再是简单的形体复刻，而是真正能打动人心的视觉叙事。这本书将引领你进入一个由光影、质感和笔触交织而成的美妙世界，让你在创作中感受到前所未有的自由与创造的乐趣。

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这本书的叙事方式，老实说，有点太跳跃了，缺乏一个平稳的引导过程。它似乎默认读者已经对艺术史和基础造型能力有了一个非常扎实的前置了解，然后直接就开始探讨一些非常前沿或者说非常细分的课题。比如，它在讨论如何用线条来表现时间感的时候，前面铺垫不足，直接就抛出了一个复杂的哲学思考，让人猝不及防。我经常需要停下来，合上书本，在脑子里反复重构作者的逻辑链条，甚至还要去查阅其他资料来补充中间缺失的环节。这种阅读过程，与其说是学习，不如说是像在破译一篇加密文件。如果作者能更耐心地，用更递进的方式，把每一个高级概念拆解成更小的、更容易消化的部分，这本书的价值可能会提升一个档次，但现在这个状态，更像是高手写给其他高手的内部交流文档，对新人极不友好。

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让我印象深刻的是，这本书里对“观察”这个行为的定义，简直是颠覆了我以往的认知，但这份颠覆性也带来了巨大的挑战。它不像传统素描教材那样，教你如何准确地描摹形体结构，而是花了大篇幅去探讨“心眼”与“手”之间的非线性关系。它强调的不是你看到了什么，而是你“相信”你看到了什么，以及这种相信如何被你的笔触所转化。这种对主观能动性的强调，虽然在理论上非常深刻，但它带来的实际操作上的困惑是巨大的——我到底应该相信我的眼睛，还是相信作者试图灌输给我的“设计思维”？书中提供的练习也大多是概念性的，而不是明确的步骤指导。例如，要求读者用“听觉”来塑造一个静物，这已经超越了传统意义上的素描范畴，更像是一种跨学科的实验记录，对于需要稳定训练路径的读者来说，这无疑是一剂猛药。

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这本书的排版和装帧设计，简直是一场视觉的灾难，完全没有体现出任何设计感可言，这点非常令人费解。内页的留白处理得非常局促，字号和行距也设置得过于紧凑，读起来眼睛非常容易疲劳，尤其是在光线稍暗的环境下，体验感直线下降。更别提那些插图了，本来是用来辅助理解抽象概念的视觉材料，结果很多都是低分辨率的黑白复印件，细节模糊不清，线条的粗细变化完全看不出来，这对于一本讨论“素描基础”的书来说，简直是致命伤。我试着对照着书里的某个线条练习去模仿，结果发现根本无法捕捉到原图想要传达的力度和质感，感觉作者在内容上是用心了，但在呈现形式上却显得极其敷衍，好像是赶着截稿日期随便找了个最低标配的印刷厂完成的一样，这种对读者阅读体验的不尊重，真的让人忍不住想给它打低分。

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这本书的案例选择方面，感觉非常偏向于某个特定的时期和地域的艺术思潮，导致其普适性大打折扣。里面展示了大量的二十世纪中叶欧洲某些学院派的素描范例，虽然这些作品无疑是经典的，但它们所体现的美学倾向和技术标准，与我们现在所处的数字时代和多元文化背景下的审美需求，产生了一种微妙的脱节感。我期待看到更多结合当代材料、数字媒介转化，或者至少是更具全球视野的案例分析，来佐证其核心理论。然而，整本书读下来，给我的感觉是，它更像是一部凝固在某个黄金时代的学术专著，虽然其中的基本原理或许是永恒的，但缺乏对这些原理如何应用于当下的具体指导和示范。读者可能会感觉，自己学到的知识，像是博物馆里的珍品，需要小心翼翼地供奉起来，而不是可以随时拿出来，在今天的创作现场应用的实战工具。

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这本书，哎呀，真是让人又爱又恨。刚拿到手的时候，还以为它会是那种手把手教你从零开始的入门宝典，结果翻开目录，发现里面充斥着大量的理论分析和案例拆解，感觉自己像是直接被扔进了一个设计学院的高阶课程里。讲真，对于初学者来说，可能光是理解那些术语就要花不少时间。比如，它对“视觉重量”和“空间负形”的阐述，简直是把教科书级别的概念原封不动地搬了过来，深入是够深入了，但流畅性实在不敢恭维。我花了将近一周的时间才勉强啃完前三章，里面引用了好多早期现代主义大师的作品作为例证，虽然能感受到作者深厚的学术背景，但阅读体验上，确实少了一点点亲切感。它更像是一本给已经有一定基础，想要进行理论升华的读者的工具书，而不是那种可以轻松翻阅、即学即用的速成手册。如果你期待的是那种“十分钟掌握透视”的快感，那这本书可能要让你失望了，它更像是带你进行一场漫长而艰涩的智力攀登。

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