A Day with Picasso

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出版者:The MIT Press
作者:Billy Kluver
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1997-09-19
价格:USD 30.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780262112284
丛书系列:
图书标签:
  • 美术馆
  • Picasso
  • Art
  • Overview
  • Day
  • Life
  • Style
  • Inspiration
  • Creativity
  • History
  • Culture
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具体描述

In 1978, while collecting documentary photographs of the artists' community in Montparnasse from the first decades of the century, Billy Kl&#252;ver discovered that some previously unassociated photographs fell into significant groupings. One group in particular, showing Picasso, Max Jacob, Mo&#239;se Kisling, Modigliani, and others at the Caf&#233; de la Rotonde and on Boulevard du Montparnasse, all seemed to have been taken on the same day. The people were wearing the same clothes in each shot and had the same accessories. Their ties were knotted the same way and their collars had the same wrinkles. A total of twenty-four photographs--four rolls of film with six photographs each--were eventually found. With the challenge of identifying the date, photographer, and circumstances, Kl&#252;ver embarked on an inquiry that would illuminate the minute texture of that time and place.<br /> <br /> Biographical research into the subjects' lives led Kl&#252;ver to focus on the summer of 1916 as the likely time the photos were taken. He then measured buildings and plotted angles and lengths of shadows in the photographs to narrow the time frame to a spread of three weeks. Further investigation eventually allowed Kl&#252;ver to identify the photographer as Jean Cocteau and to determine the day that Cocteau had taken the photographs: August 12, 1916. A computer printout of the sun's positions on that date, obtained from the Bureau des Longitudes, together with the length of the shadows, enabled Klver to calculate the time of day of each photograph, and thus to put them in proper sequence.<br /> <br /> In a tour de force of art historical research, Kl&#252;ver then reconstructed a scenario of the events of the four hours depicted in the photographs. With evocative attention to detail--noting when Picasso is no longer carrying an envelope or Max Jacob has acquired a decoration in his lapel--Kl&#252;ver recreates a single afternoon in the lives of Picasso and friends, a group of remarkable people in early twentieth-century Paris.<br /> <br /> Besides the central "portfolio" of photographs by Cocteau, the book contains additional photographs and drawings, short biographies of all the subjects, and a historical section on the events and activities in the Paris art world at the time.

浮光掠影:一个世纪的艺术变迁与思想脉动 一部跨越时空的宏大叙事,深入剖析二十世纪以来西方艺术思潮的演变、社会背景的冲击,以及个体如何在时代的洪流中塑造自我与世界。 本书并非专注于某一位艺术巨匠的生平轶事,而是以一个更为广阔的视角,编织了一幅由无数思想火花、技术革新和社会动荡共同构筑的二十世纪艺术景观图。我们试图超越对“天才”的膜拜,去探究艺术创作背后的驱动力——那些隐藏在画布、雕塑乃至装置背后的哲学、科学与社会心理学的深刻变革。 第一部分:现代的黎明与断裂(1900-1930年代) 本部分聚焦于现代主义的勃发与混乱。巴黎的咖啡馆不再仅仅是社交场所,它们成为了新美学的孵化器。我们首先审视的是“何为真实”的哲学拷问如何被视觉艺术捕捉。 1. 形式的解放:从立体到多维的视角革命 详细探讨了立体主义的兴起,并非将其视为单纯的几何游戏,而是对笛卡尔以来西方单一视点透视法的彻底颠覆。我们分析了阿尔弗雷德·诺斯·怀特海关于“过程哲学”的观点如何与碎裂的图像结构相呼应,探讨了艺术家如何试图在二维平面上重构四维时空感。书中通过对早期抽象作品的细致考察,揭示了康定斯基与蒙德里安在寻求“精神性纯粹”道路上的分歧与共通之处。这部分尤其强调了技术进步——如摄影术的普及——如何迫使传统绘画寻找新的价值锚点。 2. 原始的召唤与文明的焦虑 本章深入挖掘了原始主义思潮对西方艺术的颠覆性影响。我们对比了欧洲对非洲、大洋洲艺术的“发现”过程,揭示了其背后的殖民主义阴影与文化挪用问题。更重要的是,我们探讨了这些“非理性”的、充满生命力的形式如何成为对抗日益僵化、理性至上的资产阶级文化的武器。弗洛伊德的潜意识理论如何为这种对“本能”的追逐提供了理论支撑,以及这种对原始力量的迷恋如何最终导向了达达主义的荒谬与反逻辑。 3. 梦境的地图绘制:超现实主义的结构 超现实主义被置于一战后欧洲集体创伤的语境中考察。我们不仅仅停留在对梦境意象的罗列,而是深入分析了自动写作、客观偶然性(Objective Chance)等方法论的内在逻辑。书中引入了早期精神分析学派的文本,对比了不同艺术家(如马格利特对符号逻辑的戏仿与达利对偏执批判法的应用)如何利用潜意识的“语法”来解构日常现实的稳固性。 第二部分:冲突、重建与美学的政治性(1930年代-1960年代) 二战的阴影重塑了人类的自我认知,艺术不再是纯粹的审美活动,它被卷入了意识形态的角力场。 1. 极权主义的美学审判 本节细致梳理了法西斯主义和共产主义对艺术的定义与控制。我们对比了纳粹德国的“退化艺术”展览与苏联的社会主义现实主义的官方要求。通过分析这些被国家权力塑造的艺术范式,我们得以理解意识形态如何通过“美”的概念来巩固其统治,以及艺术家在“艺术为谁服务”这一根本问题面前所面临的道德困境。 2. 纽约的崛起与抽象表现主义的自我构建 随着欧洲知识分子流亡美国,艺术的中心开始转移。抽象表现主义被视为美国首次对欧洲现代主义做出原创性贡献的标志。本书着重分析了“行动绘画”中的“在场性”(Presence)概念——画布不再是再现的场域,而是艺术家身体与心灵搏斗的记录。我们引入了存在主义哲学(如萨特关于“选择即创造”的论断),来解释艺术家如何通过巨大的尺度和即兴的姿态,在虚无的背景下宣告个体自由的存在。 3. 媒介的回归与新现实的审视 随着战后经济的复苏,消费主义文化成为新的文化景观。本书探讨了波普艺术的诞生,它并非是对低俗文化的简单模仿,而是一种冷静的、近乎人类学的解构。安迪·沃霍尔的丝网印刷如何挑战了原作的“灵光”与艺术家的“作者性”;罗伊·利希滕斯坦对漫画格的放大如何探讨了大众媒介如何系统性地“格式化”我们的视觉经验。 第三部分:边界的消融与概念的胜利(1960年代至今) 后现代思潮的兴起,标志着对“宏大叙事”和“审美权威”的双重怀疑。艺术开始从物体转向观念,从画廊转向社会空间。 1. 极简主义与艺术的“去物质化” 本章分析了极简主义如何通过消除叙事、减少材料的暗示性,将观众的注意力引向作品的物理存在本身——即作品与它所处的空间之间的关系。我们探讨了唐纳德·贾德等人的“特定物体”(Specific Object)理论,以及这种对形式纯粹性的追求如何最终通向了观念艺术的开端。 2. 艺术的“社会转向”:行为与装置的介入 随着社会运动的兴起,艺术开始积极介入公共领域。本节关注行为艺术(Performance Art)的兴起,它强调时间性、身体性与现场性,挑战了艺术品可被收藏和买卖的传统观念。同时,我们也考察了装置艺术如何将整个环境转化为作品,迫使观众以参与者而非旁观者的身份体验艺术,探讨了诸如环境艺术和大地艺术如何试图重新建立人与自然之间的连接。 3. 符号的重构与身份的政治 进入后现代晚期,艺术对权力结构、性别身份和种族问题的关注达到高潮。本书考察了后殖民理论和女性主义理论如何被应用于艺术创作中。艺术家们开始主动解构历史图像,挑战既有的精英审美标准。通过分析如辛迪·舍曼(Cindy Sherman)对女性形象的自我扮演与解构,我们看到艺术如何成为一种批判性的工具,用以揭示社会建构的本质。 结语:不确定性中的延续 全书最终总结道,二十世纪的艺术史是一部充满矛盾的编年史:它既是不断自我摧毁的过程,也是不断寻求新基础的努力。从对光线的捕捉到对观念的捕捉,艺术的本质或许从未改变——即在不确定的世界中,为人类提供一种独特的、有结构的感知和表达方式。本书旨在为读者提供一个分析框架,使其能够更深入地理解今天我们所面对的图像泛滥与文化碎片化现象的深层根源。

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目录信息

读后感

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用户评价

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坦白说,我是在一个连续失眠的夜晚翻开这本书的,原本只是想找点东西来分散注意力,没想到却得到了意想不到的安宁。书中散发出来的那种宁静的力量,像是一股清泉,缓缓地洗涤着我焦躁的心绪。作者似乎对“时间”这个概念有着独特的理解,他笔下的瞬间被无限拉长,又被巧妙地压缩,形成了一种非线性的时间感知。读起来,完全没有那种催促感,反而让人觉得时间是充裕的,是值得被充分体验和感受的。书中的意境营造非常成功,即便描述的场景可能十分宏大或遥远,作者总能通过捕捉那些极其个人化的感受,将读者牢牢地锚定在当下。它不是一本提供具体解决方案的书,而更像是一剂心灵的镇静剂,提醒我们在追求效率和目标的同时,不要忘记驻足欣赏过程本身的美好。这种对生活慢哲学的深刻探讨,在如今快节奏的社会中,显得尤为珍贵和及时。

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这本书简直是一场视觉的盛宴,作者似乎拥有一种魔力,能将那些看似平凡的日常瞬间,提炼出令人屏息的美感。我完全沉浸在那种细腻的笔触和光影的描绘之中,仿佛能闻到空气中弥漫的颜料和松节油的气味。书中对色彩的运用达到了炉火纯青的地步,那种大胆的、充满张力的对比,总能在不经意间击中人心最柔软的地方。尤其欣赏作者捕捉人物神态的功力,那些眼神的流转,嘴角那一丝难以捉摸的弧度,都蕴含着丰富的故事和复杂的情感,让人忍不住想要一探究竟。阅读的过程更像是一次精神上的远足,每翻过一页,我的思绪都被引导到一个全新的、充满想象力的维度。对于那些热爱艺术、追求生活质感的人来说,这本书提供的不仅仅是阅读体验,更是一种对美的重新校准,让人在喧嚣中找到一处可以沉静下来,与自我对话的角落。它带来的那种持久的、回味无穷的审美愉悦,是近期阅读体验中最为深刻的一次。书中的排版和装帧设计也同样精妙,每一处的留白都恰到好处,使得主体内容更加突出,体现了极高的专业素养和对阅读体验的尊重。

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如果用一个词来形容这本书带给我的冲击,那一定是“唤醒”。它成功地打破了我既有的认知框架,让我看到了艺术和生活可以以如此出人意料的方式交织融合。作者的知识面之广,体现得淋漓尽致,他能够在不显得卖弄的前提下,信手拈来地引用各种领域的知识来佐证自己的观点,这种融会贯通的能力,着实令人钦佩。最让我感到惊喜的是,尽管主题可能较为严肃,但行文风格却始终保持着一种向上的、充满生命力的姿态。它鼓励读者去质疑、去探索、去拥抱不确定性,而不是被既定的规则所束缚。这种积极的引导作用,远超一般的文学作品范畴,更像是一次精神层面的洗礼和重塑。这本书的价值在于,它为你提供了一把钥匙,让你能够开启自己内心深处那些沉睡已久的感官和思考回路。阅读完毕后,我迫不及待地想去重新审视我身边的一切,带着这本书赋予我的新的视角去看待这个世界。

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这本书的结构组织,堪称教科书级别的典范。它不像某些散文集那样松散,也没有小说那般需要紧跟情节,而是在一种松弛有度的节奏中,巧妙地编织着不同的主题线索。作者似乎深谙“留白”的艺术,他不会将所有的信息一股脑地倾泻而出,而是通过反复出现的意象和主题的递进,让读者自己去构建完整的认知图景。这种互动性极强的阅读体验,极大地激发了我的主动思考。我时常会停下来,反复琢磨某一段文字的深层含义,并试图将书中的观点与我自身的经历进行对标和印证。这种深度的自我反思,远超我预期的文学享受。此外,文字的精准度令人惊叹,每一个形容词的选择都像是经过千锤百炼,绝不冗余,却又饱含张力。对于文字工作者而言,这本书无疑是一本值得反复研读的范本,它展示了如何用最经济的文字,达成最丰富的情感表达。这种精炼的功力,着实令人佩服得五体投地。

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老实说,我原本对这种题材的书籍抱持着一种审慎的态度,总觉得过于“高雅”的东西往往会让人产生距离感。然而,这本书出乎意料地平易近人,它的叙事方式非常流畅,像是在听一位经验丰富的老朋友娓娓道来他的所见所感。最让我印象深刻的是作者对于“观察”的解读,他似乎有一双能看透事物本质的眼睛,能够从最细微的生活片段中,挖掘出宏大的哲学思考。比如,他对某一个物件的描述,几句话的功夫,那个物件仿佛就拥有了生命,带着沉甸甸的历史感和情感重量。这种叙事上的轻盈与思想上的厚重形成的张力,让人欲罢不能。我特别喜欢作者在行文间偶尔流露出的那种幽默感,那种带着洞察人生的自嘲,使得整本书的基调保持在一种非常健康、不矫揉造作的状态。它没有故作高深,而是真诚地分享了一种看待世界的方式,一种积极拥抱生活复杂性的态度。读完后,我感觉自己的日常琐事似乎也蒙上了一层新的光泽,开始留意那些过去被我匆匆略过的小细节。

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感觉标题应该叫做“如何根据照片阴影测算拍照时间,以及 Picasso 和 Cocteau 的朋友圈简介”。主要展示了某一日 Cocteau 拍的 24 张毕加索相关的照片。感觉应该比较有历史价值,不过看起来就有点枯燥,并没有什么关于艺术本身的探讨。

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感觉标题应该叫做“如何根据照片阴影测算拍照时间,以及 Picasso 和 Cocteau 的朋友圈简介”。主要展示了某一日 Cocteau 拍的 24 张毕加索相关的照片。感觉应该比较有历史价值,不过看起来就有点枯燥,并没有什么关于艺术本身的探讨。

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感觉标题应该叫做“如何根据照片阴影测算拍照时间,以及 Picasso 和 Cocteau 的朋友圈简介”。主要展示了某一日 Cocteau 拍的 24 张毕加索相关的照片。感觉应该比较有历史价值,不过看起来就有点枯燥,并没有什么关于艺术本身的探讨。

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