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出版者:

作者:水星花园工作室

出品人:

页数:292

译者:

出版时间:2006-1

价格:48.00元

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isbn号码:9787801724779

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《光影描摹：数字人像的艺术语言》 这是一本深入探索数字人像绘画艺术的创作指南，它将带领读者跨越基础工具的界限，进入一个更加自由、富有表现力的创作境界。本书并非简单罗列软件操作技巧，而是着重于如何运用数字媒介，捕捉和传达人物的内在神韵与情感张力。 内容概述： 本书的核心在于“描摹”——不仅仅是形体的精确还原，更是对光影、色彩、质感和情感的细腻捕捉与再创造。我们相信，优秀的数字人像作品，能够如同最精湛的油画或水彩一般，拥有触动人心的力量。因此，本书将从以下几个维度，系统地剖析数字人像绘画的艺术构成： 第一章：灵魂之眼——人物神态的捕捉与塑造 眼神的叙事性： 眼睛是心灵的窗户，更是人物性格和情绪的集结点。本章将详细讲解如何通过瞳孔的微小变化、眼神的聚焦与游离、眼睑的起伏来传递喜怒哀乐、宁静或焦躁。我们会深入分析不同眼神所承载的潜台词，以及如何在笔触中赋予眼神生命。 表情的细微之处： 微笑的弧度、皱眉的深度、嘴角的一丝下拉，这些细微的面部肌肉运动，共同构建了人物丰富的情感表达。本书将引导读者观察和理解不同情绪状态下，面部各部位的联动变化，并教授如何用笔尖去捕捉和放大这些瞬间。 神态的整体烘托： 除了五官，人物的姿态、头部的角度、甚至是呼吸的节奏感，都能影响整体神态。我们将探讨如何通过调整人物的体态与姿势，来暗示其心理状态，使画面更具故事性。 第二章：光影的雕塑——体积感与空间感的构建 理解自然光源： 本章将以解剖学的视角，讲解光线如何作用于人体的表面，形成受光面、背光面、明暗交界线、投影等关键元素。我们将分析不同光源方向（如顶光、侧光、逆光）对人物塑造产生的独特效果。 色彩在光影中的变幻： 光线并非单一颜色，它会与物体表面产生反射和折射。我们将深入探讨如何运用色彩冷暖、饱和度的变化，来表现光线穿透、漫射以及环境色对人物的影响，从而塑造出肌肤的细腻质感。 营造三维空间： 通过精确的光影处理，人物才能脱离二维画面的束缚，展现出饱满的体积感。本书将提供多种表现体积感和空间层次的方法，包括利用色彩的深浅、笔触的厚薄以及背景的虚实来增强画面的立体感。 第三章：色彩的诗意——情绪与氛围的语言 色彩心理学与人物情感： 不同的色彩组合能够唤起不同的情绪反应。我们将探讨暖色调、冷色调、中性色在人像绘画中的情感表达作用，以及如何通过色彩的搭配来呼应人物的内心世界。 皮肤色彩的真实与美化： 真实地描绘肤色是数字人像绘画的基础，但更重要的是如何通过色彩，赋予人物健康、自然的肤质。本书将提供多种肤色调配的思路，并讲解如何处理不同光照下的肤色变化，以及如何进行适度的艺术化处理，提升画面的美感。 氛围的渲染： 色彩不仅仅是人物本身的颜色，更是画面的整体基调。我们将学习如何运用色彩，来营造宁静、热烈、神秘或忧郁等不同画面氛围，使画面整体风格更加统一且富有感染力。 第四章：肌理的触感——质感的细腻描绘 毛发的层次与光泽： 头发是人物重要的组成部分，其光泽、蓬松感、顺滑度都极具表现力。我们将解析不同发质的表现方法，如何通过细致的笔触和色彩过渡，展现发丝的细腻与流动。 衣物的垂坠与褶皱： 衣物的材质、厚薄、以及穿着方式，都会影响其褶皱的形态。本书将指导读者如何观察和表现不同面料（如丝绸、棉麻、皮革）的质感，以及衣物在光照下的明暗变化和体积感。 皮肤的通透与细腻： 细腻光滑的肌肤、粗糙的纹理、甚至是皮肤的微血管，都需要精心的描绘。我们将学习如何通过笔刷的运用、色彩的叠加以及图层混合模式，来表现出皮肤的通透感、光泽感以及微小的纹理细节。 第五章：笔触的灵魂——技法与表现的探索 基础笔刷的精妙运用： 抛开预设的复杂笔刷，我们将回归基础，深入理解不同笔刷的特性，如硬边、软边、纹理笔刷等，以及它们在表现轮廓、色彩过渡、细节刻画时的作用。 从模糊到清晰的过渡： 现实世界中，并非所有物体都清晰锐利。本书将讲解如何运用模糊、锐化、柔化等技巧，来区分画面的主次，引导观者的视线，增强画面的层次感和真实感。 艺术家风格的借鉴与融合： 好的作品往往带有鲜明的个人风格。我们将鼓励读者从经典绘画大师和当代优秀数字艺术家作品中汲取灵感，分析他们的用色、用光、用笔习惯，并尝试将这些元素融入自己的创作，形成独特的艺术语言。 本书特点： 强调“为什么”而非“怎么做”： 我们将深入剖析每一个技法背后的艺术原理，帮助读者理解其逻辑，从而能够灵活运用，而非死记硬背。 以写实为基础，不乏艺术表现： 在尊重解剖学和光学规律的基础上，本书鼓励读者发挥想象力，用色彩和光影赋予人物更深层次的艺术感染力。 拒绝流水线操作： 本书不追求模式化的绘画流程，而是鼓励读者根据观察和感受，自由探索属于自己的创作路径。 语言通俗易懂，案例丰富： 理论知识与实践案例相结合，每个章节都配有详细的图文解析，帮助读者更好地理解和吸收。 适合读者： 对数字人像绘画充满热情，希望提升艺术表现力的爱好者。 已经掌握基础软件操作，但希望在绘画深度和广度上有所突破的创作者。 希望通过数字媒介，创作出更具情感张力和艺术感染力作品的绘画师。 对光影、色彩、构图有深入研究兴趣的学习者。 《光影描摹：数字人像的艺术语言》将是你通往数字人像绘画艺术殿堂的一把钥匙，它将帮助你解锁人物绘画的新维度，让你的作品不仅有形，更有魂。

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这本书的排版和图文编排展现了极高的专业素养。每一页的留白、字体选择，乃至插图的尺寸和位置，都经过了精心考量，确保读者在阅读复杂的技术步骤时，视线能够流畅地跟随作者的思路。我特别留意到，书中很多涉及复杂工具操作的部分，都采用了“放大镜”式的局部特写截图，清晰地标注了菜单栏、快捷键和图层设置，这种细致入微的处理，极大地减少了读者在跟随练习时因找不到对应选项而产生的挫败感。此外，作者在介绍高级滤镜和混合模式的应用时，往往会提供至少两种不同的实现路径，并分析各自的优劣，这体现了一种成熟的、不拘泥于单一路径的教学态度。对于那些习惯了碎片化学习的读者来说，这本书提供了极佳的系统性体验，它强迫你从头到尾、按部就班地建立起自己的技术知识体系。我感觉这不仅仅是一本技术手册，更像是一份为你量身定制的、可反复查阅的“创作圣经”。

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我尝试着按照书中的一个关于“科幻机械皮肤质感”的章节进行了模仿练习，结果非常令人满意。作者在那一章中，巧妙地结合了纹理笔刷、高光塑形和图层混合模式的叠加使用，来模拟出金属在高强度光照下的那种冷峻感。最让我惊叹的是，他对于“细节噪点”的控制达到了出神入化的地步，他教会我们如何通过添加微小的随机噪点来打破数字绘画常见的“塑料感”，让画面立刻增添了胶片般的质感。这本书的难度设置是循序渐进的，前几章侧重于打磨基础笔触和色彩搭配的直觉判断，越往后，涉及到的工具组合和概念就越复杂，但由于前面的基础已经打牢，所以后期的学习压力反而减轻了。对于想要从“会画”提升到“精通”的进阶者来说，这本书提供了足够的深度和广度去探索Photoshop作为绘画媒介的极限。它不是那种读完一遍就束之高阁的书籍，而是会成为我电脑旁常备的、随时可以翻阅的参考工具书，用来激发灵感和解决实际创作中的技术难题。

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这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，封面那张人物插画的色彩运用和光影处理简直是教科书级别的示范，一看就知道里面收录的内容绝非泛泛之辈。我迫不及待地翻开内页，首先吸引我的是它对于基础素描功底的强调，作者并没有直接跳到复杂的上色技巧，而是花了好大篇幅来讲解人体结构和动态捕捉的要领。那些线稿的示范图，每一笔都充满了力量感和精准度，即便是初学者也能从中领悟到“骨架”的重要性。特别是关于头部比例和透视变化的讲解部分，用非常直观的图示和流程分解，把原本抽象的理论变得触手可及。书中还穿插了一些作者早期练习的“黑历史”对比，这真是太鼓舞人心了，让人明白即便是大师也是一步步摸索过来的。我特别欣赏作者对笔刷设置的细致说明，他不仅仅是告诉我们用什么笔刷，更深入剖析了不同笔刷纹理对最终画面氛围的影响，这对于追求个性化风格的画师来说，无疑是宝贵的财富。整体来看，这本教程的铺陈逻辑非常严谨，从宏观的结构到微观的细节处理，层层递进，让人感觉像是在一位经验丰富的大师身边进行一对一的私教。

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坦白说，我原本对市面上很多“速成”绘画书抱有怀疑态度，总觉得它们堆砌了大量炫酷但难以复刻的效果图。然而，这本书完全颠覆了我的印象。它的核心竞争力在于对“光影”这一绘画灵魂元素的深度挖掘。作者对不同光源下的环境光、反射光、阴影过渡的处理，简直是一场视觉盛宴。书中有一章节专门对比了硬光和漫射光对人物皮肤质感的影响，通过细致的图例展示了如何用微妙的色彩变化来表现皮肤的细腻和油润感，这一点比单纯教你怎么涂肤色要高明得多。我尤其喜欢作者在处理金属材质和布料褶皱时的处理手法，那份对材质固有属性的理解，绝不是简单地套用几个图层样式就能达到的。书中对于“氛围感”的营造也有独到的见解，比如如何利用背景的虚化和色彩倾向来烘托主体人物的情绪，这些都是非常高阶的技巧，但作者用简洁明了的语言和高清晰度的对比图例，让这些复杂的概念变得易于消化。读完这部分内容，我感觉自己对Photoshop的“画笔工具”的理解，从一个简单的涂色工具，上升到了一个可以精确控制视觉信息的雕刻刀。

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阅读这本书的过程，更像是一次深入的艺术理论和实践结合的探讨。我发现作者的教学理念非常注重“为什么这么画”，而不是简单的“怎么画”。例如，在讲解人物表情绘制时，他并没有直接给出“微笑”的模板，而是先从面部肌肉的解剖结构出发，分析了哪些肌肉群的收缩会引发特定的表情变化，然后才落到如何用线条和色彩去模拟这些变化。这种建立在科学基础上的艺术表达，使得最终呈现的作品不仅美观，而且充满了生命力。书中关于动态姿势的分析尤为精彩，作者似乎对人体运动的物理规律有着深刻的洞察力，他通过对重心、受力点和形体扭转的剖析，教会我们如何画出“有重量感”的人物，而不是漂浮在空中的卡通形象。对于那些沉迷于赛璐璐风格的画友来说，这本书提供了一种完全不同的、更偏向写实和厚重感的创作思路。它拓宽了我对数码绘画表现力的认知边界，让我意识到，掌握了基础的“真理”，才能更好地去“打破规则”。

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