中国道情艺术概论

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出版时间:1900-01-01
价格:37.50元
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isbn号码:9787805982199
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具体描述

好的,这里有一份关于一本不包含《中国道情艺术概论》内容的图书简介,旨在提供一个详尽、自然且信息丰富的描述: --- 《丝竹管弦与南腔北调:中国传统戏曲声腔体系的流变与地域特色》 本书导读: 本书深入剖析了中国传统戏曲声腔艺术的宏大图景,聚焦于其复杂多变的音乐语汇、独特的板式结构以及深刻的地域文化烙印。我们不追求对单一剧种进行面面俱到的梳理,而是试图构建一个横向比较的框架,探讨不同声腔体系在历史长河中的相互影响、独立发展以及审美取向的差异。全书以“乐”为核心,辅以“腔”的演变轨迹,力图揭示中国戏曲音乐如何从民间曲艺的土壤中汲取营养,最终升华为具有高度艺术自觉性的舞台表演形式。 第一部分:声腔的源流:从宫廷雅乐到民间俚曲 本部分追溯了中国戏曲音乐的早期形态,着重考察了唐宋时期“参乐”“百戏”的遗存与影响。重点分析了南宋宫廷燕乐中成熟的曲调范式,如何通过文人和乐工的传播,渗透到民间说唱艺术之中。 一、雅乐的遗韵与曲牌的定型: 详细考察了隋唐燕乐“大曲”向宋代“诸宫调”的转化过程,特别关注了“板眼”概念的初步形成。阐述了早期曲牌联套体如何确立了戏曲音乐的基本骨架。 二、说唱母体的多元汇流: 本章对比了以词话、弹词为代表的北方和南方说唱形式。着重探讨了北方说唱中“说、白、唱”的交替模式,以及南方弹词中对七声、五声调式灵活运用的特点。我们通过对宋元话本中描绘音乐场景的文本分析,重建早期表演的听觉环境。 三、元代“杂剧”的音乐革新: 重点分析了关汉卿、王实甫等大家在音乐结构上的突破。不同于早期的歌舞剧,《西厢记》等作品如何首次将主题情绪的表达与严格的板式变化紧密结合,确立了“一折一宫调”的规范,为后世声腔发展奠定了基础。 第二部分:声腔体系的地理分化与审美分野 进入明清,随着人口流动与地域文化的固化,戏曲声腔呈现出“南高北低,东热西寒”的复杂格局。本书细致梳理了三大主流声腔群体的形成机制。 一、昆腔的“雅”与“正”: 昆山腔被誉为“水磨腔”,以其婉转细腻、旋律复杂著称。本部分深度剖析了其音乐特点:高度依赖吹腔(箫、笛)的伴奏,对演唱者的气息控制和嗓音技巧要求极高。通过对比《牡丹亭》与地方小令在腔调上的差异,展现昆腔在不同演出场合的适应性。我们特别关注了昆腔在清代宫廷的盛行,及其如何影响了徽班的早期音乐取向。 二、滩簧的“活”与“变”: 滩簧,特别是以弋阳腔、青阳腔为代表的声腔,是明代中后期对昆腔过度雕琢的有力反拨。本章聚焦于其音乐的“直白性”和“叙事性”。探讨了滩簧如何简化曲牌,大量使用“帮腔”(合唱)来烘托气氛,以及其对白语气的强调,使其更贴近市民生活。 三、地方声腔的勃兴与融合: 重点考察了徽班进京前后,以乱弹、高腔为代表的地方声腔在不同地域的适应性。乱弹的“重唱不重腔”的特点,以及高腔基于“曲牌+曲牌联套”的自由组合方式,展示了地方艺术在生命力上的强大韧性。 第三部分:南北二流的对峙与“京韵”的整合 清代中后期,中国戏曲音乐进入了成熟与整合的阶段。徽班的进入,引发了中国戏曲史上最大规模的一次声腔重塑。 一、徽班的“皮黄革命”: 本书详细论述了“皮黄”(西皮、二黄)的诞生过程,并非凭空出现,而是吸收了徽州锣鼓、湖北弹腔等多种民间音乐的精华。重点分析了皮黄腔体中,西皮的开阔激昂与二黄的沉郁婉转如何形成完美的互补。尤其关注了皮黄在板式设计上对“紧慢板”的灵活运用,极大地增强了戏曲的戏剧冲突表现力。 二、南北腔调的审美辩证: 我们将南北两大声腔体系置于同一分析框架下,比较它们在“衬字”处理、“滑音”运用以及“腔圆”与“腔亮”之间的取舍。通过对不同剧目(如昆曲《牡丹亭》与京剧《玉簪记》)的唱段比对,直观呈现出审美取向的时代差异。 三、程式化的建立与音乐的规范化: 阐述了在成熟的戏曲体系中,“板式”如何成为规范演唱行为的准绳,同时也成为演员进行二度创作的基础。探讨了诸如“哭腔”、“笑腔”、“思腔”等程式化唱法,如何通过音乐符号固化角色情感,实现高度凝练的舞台表达。 第四部分:现代转型与非物质文化遗产的保护 在近代的冲击下,传统声腔艺术面临生存危机。本书最后一部分关注了20世纪以来的保护与创新实践。 一、“新声”的探索与争议: 考察了民国时期试图以西洋乐理改造传统戏曲的尝试,例如对和声、配器法的引入。分析了这些创新在保持传统韵味和适应现代审美之间的张力。 二、口传心授的困境: 探讨了在当代社会,戏曲教育体系的变迁对声腔艺术“活态传承”造成的挑战。特别关注了如何利用现代音像技术,对濒危声腔的细节进行科学记录与分析。 结语: 本书认为,中国戏曲声腔艺术的生命力,在于其开放性、适应性与严谨的音乐逻辑。声腔的流变,实则是中华民族审美情趣不断迭代的听觉记录。 --- 本书特色: 宏观视角: 避免陷入对某一剧种的细节描述,专注于声腔体系间的互动与演化路径。 音乐学基础: 引入了音高、音色、节奏等音乐分析手段,提升了专业性。 文献考据: 广泛引证了历代乐谱、戏曲理论著作以及相关地方志中的记载。 侧重“听觉史”: 力图还原不同历史时期听众所接触到的声音图景。

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从一个纯粹的艺术爱好者角度来看,这本书的图版质量令人惊喜。很多罕见的戏服、道具以及老乐器的照片,清晰度远超预期,这对于理解道情艺术的“舞台实践”层面至关重要。翻阅那些泛黄的剧照,仿佛能听到昔日锣鼓喧天的盛况。作者在文字描述中穿插了大量对艺人表演技巧的精炼概括,比如关于“手势语汇”的梳理,非常直观。但我发现,书中对道情艺术在近几十年来的“现代化转型”——特别是如何应对大众传媒冲击后的自我调适,讨论得不够深入。似乎作者的笔墨更多地聚焦于“追溯本源”和“经典构建”,而对当代艺术生态下的存续与创新,着墨不多。这使得整本书的落脚点略显保守,如果能加入对新一代道情传承人,或者跨界融合案例的探讨,相信会让这部作品更具时代感和前瞻性,避免给人留下“博物馆陈列”的印象。

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读罢此书,我最大的感受是它提供了一个极其宏大而又精微的观察框架。作者显然对民间说唱艺术有着长期的关注和深厚的学养,他不仅仅停留在了对“道情”这个名词的界定上,而是深入挖掘了其背后的文化肌理与社会功能。书中对道情在历史长河中充当“教化”与“娱乐”双重角色的分析,角度新颖独到。例如,书中提到某一特定时期道情段目内容如何巧妙地规避了官方审查,同时又有效地在民间传播了核心价值观念,这部分内容读来令人拍案叫绝,深感民间智慧的博大精深。然而,在对具体剧目的文本解析上,篇幅分配显得有些失衡,一些被誉为“经典”的唱段,其文本细读部分略显仓促,留给读者的想象空间过大,未免让人意犹未尽。总体来说,它成功地架设起了一座通往道情艺术精神世界的桥梁,尽管桥面部分偶尔需要读者自行填补一些细节,但其坚实的基础结构绝对令人信赖。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮,封面那淡雅的黛青色底,配上鎏金的隶书标题,一股古朴典雅的气息扑面而来。初翻阅时,我原以为这会是一本晦涩难懂的学术专著,没想到它在保持严谨性的同时,文笔却出人意料地流畅、富有画面感。尤其是在描述早期道情艺人的生活场景时,作者的笔触细腻入微,仿佛能让人闻到旧时戏台上那股特有的陈旧木料和香灰混合的味道。书中对道情音乐的声腔流变进行了翔实的考证,引用的诸多田野调查资料,让我这个圈外人也能清晰地感受到不同地域、不同历史阶段下,道情艺术那种独特的韵味是如何孕育和演变的。不过,美中不足的是,个别章节在涉及理论建构时,似乎略显单薄,如果能加入更多当代艺术理论的视角进行交叉印证,或许能让这部“概论”的理论高度更上一层楼。总体而言,这是一本对道情艺术抱有深厚敬意的匠心之作,阅读体验极佳,值得细细品味。

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这本书的行文逻辑清晰得像一张精密的地图,将原本散落在民间记忆和零散文稿中的道情脉络,梳理得井井有条。对于一个初学者,最友好的莫过于它循序渐进的引导方式。从对“道”与“情”的哲学探讨开始,逐步过渡到对唱腔板式、角色行当的分类,再到地域流派的区分,每一步都走得稳健扎实。然而,这种严谨的结构也带来了一点小小的遗憾,那就是整体的情感温度似乎被学术的严谨性压抑了许多。作者的叙述如同冷静的考古学家在整理文物,准确无误,但缺少了一丝“讲述者”对所研究对象的深情凝视。我期待在阅读过程中,能更多地捕捉到那些关于传承人坚守、关于观众热泪盈眶的瞬间,那些鲜活的、有温度的故事,它们往往比冰冷的理论更能打动人心,也更能体现出民间艺术的生命力所在。

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坦白说,阅读过程中,我发现作者在对“道情”与“其他民间说唱形式”的边界区分上,处理得相当审慎和到位。他没有采用简单粗暴的“非此即彼”的二元对立,而是通过对核心仪式性元素和叙事模式的对比分析,巧妙地勾勒出了道情的独特身份。特别是关于其宗教性色彩与世俗娱乐性的辩证关系,书中论述得鞭辟入里。不过,我注意到书中似乎对于“女性”在道情艺术中的角色变迁,着墨不多。在许多民间艺术中,女性的参与往往是推动其审美趣味变化的关键力量,如果能从性别研究的角度,挖掘一下道情中女性形象的塑造、以及女艺人(如果存在)的生存状态,无疑会极大地丰富这部作品的社会学维度,让它从一份优秀的“艺术史”升华为一部更具包容性的“文化人类学”报告。

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