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出版者:湖南文艺出版社

作者:刘之

出品人:

页数:115 页

译者:

出版时间:1997-4

价格:10.80元

装帧:平装

isbn号码:9787540416843

丛书系列:

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• 钢琴
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好的，这是一本名为《世界音乐史略》的图书简介： --- 《世界音乐史略》 一部跨越时空的恢弘乐章，一次深入灵魂的聆听之旅 书籍简介 音乐，是人类情感的通用语言，是文明进程的忠实记录者。《世界音乐史略》并非仅仅是一本枯燥的编年史，它是一部试图以宏大视角、细腻笔触，勾勒出人类音乐文明发展脉络的深度力作。本书旨在引导读者超越单纯的音符欣赏，进入理解音乐如何作为社会、哲学、技术和艺术思潮的载体，在不同历史阶段和地理空间中演化、冲突与融合的全过程。 本书的叙事结构采取“宏观框架 + 关键节点剖析”的模式，确保知识的系统性和阅读的趣味性。我们不满足于罗列作曲家和作品名，而是深入探究“为什么”——为什么某个时代的和声体系会发生革命性的变化？为什么某种乐器会在特定文化中兴起并占据主导地位？ 第一部分：源起与远古的回声（史前至古典时代初期） 本篇追溯音乐的起源，探讨人类早期如何通过模仿自然、仪式性歌唱和节奏实践，构建出最早的音乐形式。我们将考察美索不达米亚、古埃及、古印度和中国早期音乐的特征，聚焦于音阶的早期构建和乐器学的萌芽。 重点章节将详细分析古希腊音乐理论的奠基性贡献。毕达哥拉斯的音程和谐理论如何从数学推导上升为宇宙秩序的象征？柏拉图和亚里士多德对“乐教”的哲学思辨，如何影响了西方音乐美学的底层逻辑？我们会借助出土文物和文献记载，重构那些在历史长河中几乎失传的古代旋律片段，让读者真切感受到“远古的回声”。 第二部分：中世纪的信仰与世俗的张力（公元500年 – 1400年） 中世纪是西方音乐史上的一个关键转型期。本书详尽梳理了格里高利圣咏的单音音乐体系是如何在教会的统一标准下逐步完善，成为西方“正统”音乐的基石。我们不会忽略对教会音乐的严格约束下，世俗音乐——吟游诗人的歌谣、游吟歌者的作品（Troubadour/Trouvère Music）——所展现出的对爱情、英雄事迹和日常生活的关注，这构成了早期复调音乐发展的隐秘动力。 重点对奥尔加农（Organum）的发展进行细致分析，追溯从平行、自由到有规律的奥尔加农的演变，这标志着人类对垂直音响（和声）控制能力的觉醒。在拜占庭、伊斯兰世界和东正教文化中，音乐在信仰实践中的独特地位也被纳入比较视野。 第三部分：文艺复兴的“人”的回归与技术革新（1400年 – 1600年） 文艺复兴，是音乐从“服务于神”到“为人而作”的深刻转变。本书详细阐述了印刷术对音乐传播的革命性影响，以及这种传播能力如何促进了风格的统一与扩散。 我们聚焦于佛兰德斯画派作曲家（如雅各布·奥布雷赫特、若斯坎·德普雷）如何将人声对位技术推向极致，实现文本与音乐的完美融合。对于世俗音乐，牧歌（Madrigal）的兴盛被视为情感表达解放的标志。通过分析晚期复兴时期（如帕莱斯特里那）对和声清晰度的追求，以及对乐器独立地位的初步肯定，读者可以清晰地看到巴洛克时代即将来临前的技术蓄势。 第四部分：巴洛克：激情、戏剧与结构化的力量（1600年 – 1750年） 巴洛克时代是西方音乐史上最为辉煌和复杂的时期之一。本书深入探讨了“装饰音的时代”其背后的哲学支撑——“情感理论”（Doctrine of Affections）。 歌剧（Opera）的诞生及其在意大利的初步发展，被视为戏剧、诗歌、音乐和舞台美术的综合性艺术实验。我们细致剖析了巴赫和亨德尔的艺术高峰：巴赫如何通过赋格（Fugue）将对位法发展至无可企及的逻辑高度；亨德尔则如何运用宏大的合唱和咏叹调塑造历史叙事。此外，协奏曲（Concerto Grosso）和奏鸣曲（Sonata）等器乐曲式的确立，标志着器乐创作地位的全面超越。对“通奏低音”（Basso Continuo）的解析，是理解巴洛克音乐结构的钥匙。 第五部分：古典主义的秩序与启蒙的光辉（1750年 – 1820年） 古典主义是“清晰、平衡与普世性”的时代。本书考察了启蒙运动思潮（如洛克、卢梭的哲学）如何影响了维也纳学派（海顿、莫扎特、贝多芬早期）的创作取向。 奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟，被视为一种“思想辩证过程”的音乐化体现，是理解海顿和莫扎特作品结构的关键。交响曲（Symphony）和四重奏的地位提升，体现了私人音乐消费的兴起。贝多芬的出现被置于历史的转折点：他如何将古典的框架注入前所未有的个人情感与英雄主义精神，预示着浪漫主义的到来，本书会详细解析其中期作品中结构与情感的动态平衡。 第六部分：浪漫主义的抒情、民族化与超验追求（1820年 – 1900年） 浪漫主义是对古典主义秩序的反叛，是对个体心灵、自然崇拜、超自然现象和民族精神的狂热追逐。本书系统梳理了这一时期的几个主要趋势： 1. 个人英雄主义与体裁拓展： 舒伯特歌曲艺术（Lied）的精微，肖邦对钢琴这一乐器的极致挖掘，以及李斯特对交响诗（Symphonic Poem）的开创性贡献。 2. 民族主义的兴起： 斯美塔那、德沃夏克、肖斯塔科维奇等作曲家如何从民间音乐和本国传说中汲取灵感，构建出具有强烈地域色彩的音乐语言。 3. 晚期浪漫主义的宏大与瓦解： 瓦格纳对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的构想，如何挑战了传统歌剧的形式，并引入了无限旋律和主导动机（Leitmotif）的复杂网络。布鲁克纳、马勒的交响曲则将规模推向极限，预示着调性体系的危机。 第七部分：二十世纪的断裂、实验与多元宇宙（1900年至今） 二十世纪是音乐史上最为剧烈、最具分裂性的一个世纪。本书将这一部分分为几个关键的“主义”群落进行探讨： 1. 印象主义与表现主义的转向： 德彪西对色彩和氛围的捕捉，以及勋伯格从调性晚期到十二音体系（Dodecaphony）的激进转向，标志着传统美学范式的彻底终结。 2. 原始主义与新古典主义的回潮： 斯特拉文斯基的《春之祭》如何以野性的节奏和和声震撼世界，以及巴甫洛夫对回归古典体裁的尝试。 3. 战后实验音乐的先锋： 序列音乐（Serialism）、随机音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇）、电子音乐的兴起，揭示了音乐本体论的深刻反思——“什么才是音乐？”。 4. 全球化的回响： 探讨爵士乐、摇滚乐等非西方古典音乐形式如何反哺主流音乐，以及当代作曲家在跨文化融合中的探索。 结语：历史的延续与未来的未知 《世界音乐史略》最终落脚于对“当下”的审视。通过梳理历史的曲折道路，本书旨在培养读者一种批判性的聆听习惯——不再将现有的音乐视为理所当然的产物，而是将其理解为无数次选择、妥协、革命与传承的结果。对于任何渴望深入理解音乐的内在逻辑、并想在浩瀚的音乐星空中找到自己定位的求知者而言，本书都将是一张不可或缺的向导地图。 目标读者： 音乐学院学生、音乐爱好者、历史学及艺术史研究者，以及所有对人类文明发展抱有浓厚兴趣的读者。 ---

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说实话，我拿到这本书的时候，心里是有些忐忑的。我并非音乐科班出身，对乐理知识的掌握也仅仅停留在基础层面，担心这本书的难度会超出我的理解范围。然而，当我翻开第一页，看到那清晰的排版和循序渐进的讲解时，我的疑虑便烟消云散了。作者的语言非常通俗易懂，就像一位经验丰富的老师在娓娓道来，即使是初学者也能轻松理解。每一个概念都配有详细的图示和例证，让我能够直观地掌握知识点。我尤其欣赏书中对于和声进行的讲解，它没有流于表面的技巧罗列，而是深入剖析了和声背后的逻辑和情感表达，让我明白了为什么某些和弦搭配起来会产生如此动人的效果。读着读着，我仿佛看到了自己双手在琴键上翩翩起舞，用丰富的和声为旋律插上翅膀。这本书不仅仅是关于“如何配弹”，更像是对音乐灵魂的一次深度挖掘，让我从更宏观的角度去理解音乐的构成和魅力。我开始期待着，当我能熟练运用书中的技巧时，我的演奏将会发生怎样的蜕变。

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作为一名业余爱好者，我最大的愿望就是能够独立地为我喜欢的歌曲进行钢琴伴奏，而不是仅仅依赖于现成的伴奏谱。市面上有很多教程，但大多侧重于技巧的训练，往往忽略了音乐的整体性。而这本书，恰恰弥补了这一空白。它不仅仅教我如何找到合适的和弦，更重要的是，它引导我去思考如何通过和声来烘托旋律的情感，如何根据歌曲的风格选择不同的配弹方式。我喜欢书中的案例分析，作者选取了很多耳熟能详的曲目，从简单到复杂，一步步地演示如何进行配弹。看着作者一步步地构建起一首完整的伴奏，我仿佛也置身其中，跟着他一起思考，一起创作。这种实践性的指导，让我觉得学习过程不再枯燥，而是充满了乐趣和成就感。我甚至已经开始尝试着将书中的方法运用到我正在练习的曲目中，虽然还有些生涩，但已经能感受到一些初步的效果，这给了我莫大的鼓舞。

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这本书的出现，简直就是为我量身定做的。我一直有一个梦想，那就是有一天能够创作属于自己的歌曲，或者为朋友的歌声伴奏。但苦于没有系统的指导，我常常感到无从下手。这本书的“钢琴配弹教程”这几个字，仿佛直接戳中了我的痛点。我渴望学习如何将脑海中的旋律，转化为指尖下丰富而动听的和声，让我的音乐创作之路不再孤单。书中关于和声色彩和织体变化的讲解，对我来说尤为重要。我一直觉得，仅仅是简单的三和弦或七和弦，并不能完全表达我想象中的音乐。我希望我的配弹能够更加细腻，能够有更多的层次感和变化，能够根据旋律的起伏和情绪的变化，去调整和声的进行和织体。这本书的出现，让我看到了实现这个梦想的可能性。我期待着，通过学习这本书，我能够掌握更多的高级配弹技巧，为我的音乐创作注入更多的灵感和活力。

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我曾花费不少时间和金钱去报各种钢琴课程，但总感觉自己停留在“弹会一首曲子”的层面，离真正“懂音乐”、“玩音乐”还有很远的距离。当我看到“钢琴配弹教程”这本书时，我仿佛找到了那个一直在寻找的“钥匙”。它不仅仅是教授僵硬的乐理知识，更像是打开了一扇通往音乐创作大门的窗户。我一直觉得，钢琴的魅力在于它既能奏出优美的旋律，又能作为一件“乐队”，为旋律提供坚实的支撑。而这本书，正是教我如何做到后者。我特别期待书中关于不同风格歌曲配弹的章节，比如如何为抒情歌曲注入温柔的伴奏，如何为节奏明快的歌曲增添动感的和声。这本书的出现，让我相信，我不再只是一个单纯的“演奏者”，而是可以成为一个“音乐的创作者”，能够用我的双手，将平淡的旋律变得更加丰富多彩，让我的音乐拥有更强的生命力。

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这本书的封面设计就足够吸引人了，简约又不失艺术感，一看就让人联想到流淌在指尖的旋律。我本身对音乐有着浓厚的兴趣，但一直苦于没有系统的指导，很多时候都是凭着感觉去摸索，虽然也能弹奏一些简单的曲子，但总觉得不够专业，缺乏那种层次感和表现力。偶然间看到了这本书，被它的名字深深吸引——“钢琴配弹教程”。这个名字非常直接地表达了它的核心内容，让我觉得它能够解决我一直以来遇到的瓶颈。我一直在寻找那种能够让我在弹奏旋律的同时，还能为之添上丰富和声，让音乐更加饱满动听的技巧。想象一下，当我在弹奏一段熟悉的旋律时，如果能用恰当的和弦将其衬托出来，让原本单薄的音乐瞬间拥有了厚度和深度，那该是多么令人兴奋的事情！这本书的出现，仿佛为我打开了一扇新的大门，让我看到了通往更高级音乐殿堂的希望。我迫不及待地想要翻开它，去学习那些能够让我的钢琴演奏更上一层楼的秘密。这本书的装帧也很精美，纸张的质感也很好，拿在手里就觉得很有分量，感觉内容一定很扎实，值得我花时间和精力去学习。

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