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出版者:上海文艺出版社

作者:上海文艺出版社

出品人:

页数:340 页

译者:

出版时间:1992年12月

价格:24.0

装帧:平装

isbn号码:9787532108558

丛书系列:

图书标签:

• 京剧
• 戏曲
• 曲谱
• 传统艺术
• 戏曲曲谱
• 音乐
• 文化
• 艺术
• 戏曲文化
• 京剧艺术

《中国戏曲通史》 图书简介 本书是一部宏大而精微的中国戏曲艺术发展通史，旨在系统梳理和深入剖析自先秦雅乐至二十世纪末新剧产生的漫长历史长河中，中国戏曲艺术的起源、演变、高峰与流派。它不仅是一部史学著作，更是一部艺术鉴赏的指南，力求以扎实的史料为基础，结合深刻的理论分析，描绘出中国戏曲这一独特表演艺术形式的完整生命轨迹。 第一编：远古的萌芽与先秦的孕育 (约1200字) 本编追溯戏曲艺术的源头，探究其与祭祀、歌舞、百戏的复杂关系。 第一章 原始的仪式与歌舞： 探讨上古时期的巫傩文化、丰收祭祀中的“傩戏”雏形，以及《山海经》等古籍中隐晦记载的原始戏剧元素。重点分析了“百戏”的构成，如相扑、杂技、幻术等，它们如何为后世的舞台表演积累了体态、声腔和角色扮演的基础。 第二章 雅乐与宫廷的规范： 详细论述周代“雅乐”制度对早期表演艺术的规范作用。分析“敔”、“鼙”、“磬”等乐器在早期仪式中的地位，以及“射御之礼”中蕴含的叙事性。引入春秋战国时期诸侯国宫廷宴乐中出现的“优伶”阶层及其初步的讽谏功能，如《关雎》中对乐舞的批评。 第三章 楚辞与汉赋中的戏剧影子： 重点研究屈原《九歌》的文学特征，论证其强烈的抒情性、丰富的想象力和鲜明的角色对白，如何构成了中国南方文学中最早的“剧本”式雏形。接着，分析汉代“百戏”的发展，特别是汉武帝时期盛行的“角抵戏”，其模仿历史事件和民间故事的叙事方式，被视为中国早期戏剧叙事模式的成熟标志。 第二编：魏晋南北朝的融合与隋唐的繁盛 (约1400字) 本编聚焦于民族大融合背景下，宗教、外来文化与本土艺术的碰撞，以及隋唐时期中国戏剧艺术的第一次高潮。 第一章 佛教的东传与变文的兴起： 阐释佛教“变相”艺术对舞台美术和人物形象塑造的深远影响。探讨“变文”、“变相”的叙事特点，它们如何将佛经故事转化为通俗易懂的说唱形式，为后世的“说唱扮演”技艺提供了直接的范本。 第二章 隋代“参军戏”的诞生与成熟： 深入剖析“参军戏”的结构和表演特征。作为中国历史上最早具有明确“丑角”和“科场”概念的戏剧形式，参军戏的滑稽讽刺、角色互谑（如参军、苍鹘）的模式，对宋元南戏乃至后来的喜剧艺术产生了不可磨灭的影响。 第三章 唐代“参军戏”的雅化与燕乐的兴盛： 考察唐玄宗时期梨园的建立，这标志着国家对专业戏剧人才的培养和管理达到了前所未有的高度。重点区分“燕乐”的歌舞之美与“参军戏”的滑稽之实，分析唐代“散乐”的丰富多样性，并对《霓裳羽衣曲》等著名乐舞的艺术成就进行评述。 第四章 敦煌壁画中的舞台遗存： 结合考古发现，利用敦煌壁画中描绘的“戏文”场景，还原唐代民间和寺院中的表演形态，佐证了当时戏曲的世俗化倾向。 第三编：宋元戏曲的定型与黄金时代 (约1600字) 本编是全书的核心部分，系统梳理了宋代“杂剧”向元代“杂剧”和“南戏”的演变过程，确立了中国古典戏曲的四大体制。 第一章 宋代的“杂剧”与“诸宫调”： 详细介绍宋金时期“瓦舍勾栏”的繁荣景象，这是戏曲走向市民阶层的关键。分析“诸宫调”作为一种成熟的说唱表演形式，如何以完整的故事情节和唱腔组织，直接孕育了元杂剧的结构。重点分析了早期“杂剧”的唱、做、白、舞的结合模式。 第二章 南戏的勃兴与温州模式： 探讨“南戏”（永嘉戏文）的地域性特征，它保留了更多民间歌舞的痕迹，语言更贴近口语，是“活态传承”的典范。分析南戏在人物设定、曲牌运用上的初步探索，并将其与北方的元杂剧进行比较研究。 第三章 元杂剧的集大成： 深入分析元杂剧的“一折一人唱”定式是如何形成并完善的。系统梳理关汉卿、白朴、马致远、郑光祖“元曲四大家”的艺术风格与代表作的时代意义，阐释了元杂剧在思想深度、结构严谨性和语言艺术上的巅峰成就。特别关注“正末领唱”的表演规范。 第四章 元曲在南方的回响： 介绍在元代杂剧辉煌的同时，南戏在江浙地区的继续发展，以及昆山腔的初步酝酿，为明清传奇的诞生埋下伏笔。 第四编：明清传奇的流变与昆弋洪流 (约1800字) 本编探讨戏曲艺术在明清两代向“传奇”形式的蜕变，以及声腔体系的重大变革，特别是昆曲的兴盛与衰落。 第一章 明初的过渡与“弋阳腔”的崛起： 分析明初宫廷对戏曲的推崇，以及“乱弹”、“徽戏”等地方声腔的兴起，标志着戏曲艺术从单一的“曲牌体”向更具地方特色的“板式体”过渡的趋势。 第二章 传奇的成熟与“汤显祖现象”： 详细解读“传奇”相对于杂剧在结构上的扩展（如一出多折、多角色齐唱）与题材的拓宽。重点分析汤显祖“临川四梦”的浪漫主义精神及其对后世戏曲文学的巨大影响，探讨其“用意不用法”的创作理念。 第三编 昆曲的鼎盛与声腔的精致化： 深度剖析昆山腔（昆曲）如何通过水磨腔的运用，达到“唱工戏”的极致。探讨吴江周派、弋阳张派等流派的形成，以及昆曲在表演规范、舞台调度上的严谨性。分析其在清代宫廷中成为“国戏”的地位。 第四章 地方戏的兴盛与“花部”的挑战： 阐述清代中后期，随着社会变迁和市民审美趣味的转向，以“花部”为代表的徽班、汉调等地方声腔的勃兴。重点分析“花部”如何以更自由、更富表现力的唱腔和更贴近生活的题材，挑战了昆曲的传统地位，预示着中国戏曲艺术即将进入一个新的阶段。 第五编：近代戏曲的变革与现代的探索 (约1000字) 本编关注晚清至二十世纪中叶，在西方文化冲击下，中国传统戏曲面临的危机与自我革新。 第一章 徽班进京与京剧的形成： 系统梳理了“四大徽班进京”的历史事件，分析了徽、秦腔等声腔如何吸收昆曲的表演技巧和丰富的剧目，最终融合形成了以“京剧”为代表的新的综合艺术形式。重点分析了京剧在板式结构、念白、武打设计上的创新。 第二章 五四运动与新剧的冲击： 探讨新文化运动对传统戏曲“文人气息过重”、“不合时宜”的批判。分析话剧（新剧）的出现，及其对戏曲“写实主义”的启发。 第三章 传统戏的革新与保护： 梳理民国时期名伶（如梅兰芳、程砚秋等）对传统剧目和表演程式进行的“自我整理”与“艺术升华”，他们如何在保留“架式”的基础上，赋予角色更深刻的心理刻画，使传统戏得以在现代社会中延续生命力。 结语： 总结中国戏曲艺术历经数千年，从原始歌舞到宫廷雅乐，从民间瓦舍到文人传奇，再到声腔融合，其核心的审美精神——“虚实相生，情景交融”——是如何贯穿始终的，并展望其在全球文化中的未来地位。 全书特点： 本书全面覆盖了先秦至民国的主要戏曲形态，尤其在宋元南戏、元杂剧的结构分析和明清传奇的声腔流变方面，辅以大量原始文献和出土文物佐证，力求为读者提供一个清晰、立体、多维度的中国戏曲艺术发展全景图。

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