439 013-2 MUSSORGSKY…波菜罗西班牙狂想曲展览会上人图画(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版时间:1900-01-01

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isbn号码:9788943901325

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• 穆索尔斯基
• 西班牙狂想曲
• 展览会画作
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• 艺术作品

俄罗斯音乐的瑰宝：宏伟的交响诗与民族色彩的颂歌 这部录音作品集，汇集了两位俄国音乐巨匠——莫杰斯特·穆索尔斯基与尼古拉·里姆斯基-科萨科夫——的经典力作。它不仅是一场听觉的盛宴，更是一次穿越时空的文化之旅，带领我们深入感受俄罗斯民族深沉的情感、壮阔的历史以及瑰丽的想象力。 一、 莫杰斯特·穆索尔斯基：《展览会图画》与《哈姆雷特》——色彩斑斓的音符，心灵的呐喊 《展览会图画》（Pictures at an Exhibition），原为穆索尔斯基创作的钢琴组曲，旨在描绘其挚友、著名画家维克多·哈特曼的遗作画展。然而，这部作品的生命力远不止于此，经由后人，特别是莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）的管弦乐改编，它得以以更加辉煌壮丽的面貌呈现在世人面前，成为音乐厅中最受欢迎的管弦乐作品之一。 “漫步”（Promenade）： 这首反复出现的乐章，如同导引我们穿梭于画廊的脚步，每一次的“漫步”都伴随着不同的情绪和节奏，象征着观者在不同画作之间的游走与沉思。它既有庄重而略带思索的开场，也有轻盈而富有节奏感的过渡，为接下来的各个“画作”搭建了一个动态的框架。首次出现的“漫步”是雄浑而舒缓的，仿佛艺术家踏入展览厅，带着敬意和好奇心，准备迎接眼前即将展开的视觉冲击。随后，“漫步”的变化体则更具叙事性，有时显得沉郁，有时又流露出一丝乐观，暗示着观者心境的起伏。 “古老的城堡”（Gnomus）： 描绘了哈特曼的画作《侏儒》。音乐以一种笨拙而扭曲的旋律开场，充满了不祥和怪异的氛围。低沉的铜管乐器模仿着侏儒笨重的步伐，时而发出粗糙而尖锐的音响，如同黑暗角落里窥视的眼睛。这段音乐充满了戏剧性，描绘了一个扭曲、畸形的形象，让人联想到中世纪传说中那些阴森可怖的生物。在拉威尔的改编中，这段音乐的配器更是将这种怪诞感发挥到了极致，弦乐低沉的颤音，以及木管奇特的音色，都营造出一种令人不安的氛围。 “小鸡在蛋壳里”（Ballet of the Unhatched Chicks）： 这是对哈特曼一个小型雕塑的描绘，画面中一群雏鸡在蛋壳中摇摇欲坠。穆索尔斯基以极其轻巧、跳跃的旋律，以及伶俐的木管乐器，成功地捕捉到了这些小生命活泼、稚嫩的形象。羽管键琴（或由长笛、双簧管模仿）的音色，加上快速的音阶和跳音，生动地展现了雏鸡们晃动的小脑袋和不安分的身体。整段音乐充满了童趣和活力，轻盈得仿佛可以随时飞舞起来。 “与富有的犹太人”（Samuel Goldenberg and Schmuÿle）： 这是一幅双人肖像，描绘了一位富有的犹太人和一个贫穷的犹太人。音乐巧妙地运用了两种截然不同的音乐风格来刻画这两人。富有的犹太人（Samuel Goldenberg）由雄浑、低沉的铜管乐器（如大号、低音长号）奏出，旋律庄重而缓慢，带着一种傲慢和权威感。而贫穷的犹太人（Schmuÿle）则由尖锐、急促的单簧管奏出，旋律充满了哀怨和乞求，语调轻浮而带着一丝谄媚。这两种截然不同的音乐形象交织在一起，形成了一组生动的对话，展现了社会阶层的差异以及人物之间微妙的关系。 “古老的城堡”（reprise）: 在描绘了犹太人之后，音乐再次回归“古老的城堡”，但这次的氛围更加浓厚，仿佛是之前那个怪诞形象的进一步深化，或者是在经历了社会现实的描绘后，再次回到内心的黑暗角落。 “杜乐丽花园”（Tuileries）： 描绘的是巴黎杜乐丽花园里孩子们嬉戏的场景。音乐节奏明快，充满童真和欢乐。小提琴和长笛的模仿，加上短促的乐句，勾勒出孩子们追逐打闹、欢声笑语的画面。这段音乐充满了阳光和活力，是整部作品中一抹明亮的色彩。 “牛车”（Oxen）： 这幅画描绘了一辆缓慢行驶的牛车。音乐以一种沉重、缓慢的节奏，以及低音提琴和巴松管的模仿，生动地描绘了牛车缓慢而艰难的行进。旋律中透露出一种执着和坚韧，仿佛是辛勤劳作的农民，在生活的重压下缓慢前进。 “两次受伤的侏儒”（Gnomus Reprise / The Ballet of the Unhatched Chicks - Reprise）: 这里似乎是“古老的城堡”和“小鸡在蛋壳里”的两次重现，但可能是在整体情感和氛围的演变中，它们被赋予了新的含义，或者作为一种情绪的对比出现。 “林中的小屋”（Limoges - The Marketplace）： 描绘了法国林日村集市的热闹景象。音乐充满活力和喧嚣，小提琴和长笛的快速乐句，加上铜管的号角声，营造出一种人声鼎沸、熙熙攘攘的集市氛围。各种音效的组合，仿佛能听到小贩的叫卖声、人们的交谈声，充满了生活气息。 “墓地”（Catacombs）： 这是一个令人肃然起敬的篇章。音乐变得庄重而肃穆，低沉的铜管乐器奏出宏伟而悲伤的旋律，弦乐则营造出一种空灵、悠远的回响。它描绘了地下墓穴的幽深与寂静，以及逝者安息的宁静。这里的音乐充满了对生命的沉思和对死亡的敬畏。 “死者的话，死者之后”（Cum Mortuis in Lingua Mortua）： 这是对“墓地”主题的进一步发展，并与“漫步”的主题巧妙地结合。音乐变得更加抽象和神秘，仿佛是生者在与死者对话，或者是在死者的世界里感受到的某种神秘力量。穆索尔斯基将“漫步”的主题以一种扭曲、变形的方式呈现，与“墓地”的素材交织，营造出一种超越现实的、哲学性的思考。 “基辅的城门”（The Great Gate of Kiev）： 这是全曲的高潮，也是哈特曼另一幅宏伟的建筑设计图。穆索尔斯基以辉煌壮丽的管弦乐，描绘了基辅古老城门的雄伟景象。开场是庄重而神圣的合唱（在管弦乐中由铜管乐器和弦乐模仿），然后是雄浑的进行曲，充满了民族自豪感和力量。旋律层层递进，音乐的音量和气势不断攀升，最终以雷霆万钧之势结束，将整部作品推向了最高潮。这不仅是对一座宏伟建筑的描绘，更是对俄罗斯民族精神和力量的赞颂。 《展览会图画》是一部极富想象力的作品，它证明了音乐能够如何通过描绘视觉图像来触动我们的心灵，引发我们内心深处的情感共鸣。穆索尔斯基的音乐充满了俄罗斯民族的粗犷、真诚和深沉，而拉威尔的改编则为之增添了精致和辉煌。 《哈姆雷特》（Hamlet），是穆索尔斯基早期创作的一部交响诗，取材于莎士比亚的同名悲剧。这部作品展现了穆索尔斯基对戏剧性音乐的早期探索，尽管与后来的《展览会图画》相比，它显得更为朴素，却依然充满了强烈的戏剧张力和情感色彩。 序曲（Overture）： 音乐的开场便笼罩着一种悲剧性的氛围。低沉的弦乐和铜管乐器营造出一种沉郁、压抑的情绪，仿佛预示着即将展开的悲剧命运。穆索尔斯基试图用音乐来刻画哈姆雷特内心的挣扎、矛盾以及他所处的阴森宫廷环境。 人物形象的刻画： 音乐中也试图描绘哈姆雷特、奥菲莉亚、克劳狄斯等主要人物的形象。例如，哈姆雷特的角色可能通过具有冲突性和内心挣扎的旋律来表现，而奥菲莉亚的柔弱和悲伤则可能通过更具歌唱性的、略带忧郁的旋律来呈现。克劳狄斯的阴险和权欲则可能通过一些粗砺、不和谐的音响来刻画。 戏剧冲突的展现： 穆索尔斯基运用音乐的力度、节奏和音色变化，来表现戏剧中的关键冲突和情感高潮。例如，在描绘哈姆雷特复仇的决心时，音乐会变得激昂而有力；而在表现其内心的迷茫和痛苦时，音乐则会趋于低沉和哀伤。 尽管《哈姆雷特》在穆索尔斯基的作品序列中不如《展览会图画》那样广为人知，但它作为一部早期作品，已经展现了作曲家非凡的戏剧感知能力和对音乐表现力的深刻理解。它为我们提供了一个理解穆索尔斯基音乐发展轨迹的重要窗口，也让我们看到了他如何从俄罗斯民族土壤中汲取灵感，并将其转化为具有普遍意义的艺术表达。 二、 尼古拉·里姆斯基-科萨科夫：俄罗斯音乐的“魔法师” 《西班牙狂想曲》（Capriccio Espagnol），是里姆斯基-科萨科夫最具代表性的作品之一，也是他在管弦乐色彩运用上的一个杰出范例。这部作品以其丰富的异国情调、热烈的节奏以及华丽的配器，赢得了全世界听众的喜爱。里姆斯基-科萨科夫深受西班牙音乐的影响，他并没有直接引用西班牙的民歌，而是通过自己的创作，提炼出西班牙音乐的灵魂，将其融入到自己的音乐语言中。 第一乐章：Alborada. Jota Navarra Alborada（黎明曲）： 音乐以一种充满活力和激情的旋律开始，迅速将听众带入一个欢腾的节日氛围。小号的号角声，加上快速跳跃的弦乐和木管，营造出一种晨曦中人们苏醒、准备庆祝的景象。这段音乐节奏明快，充满了阳光和喜悦。 Jota Navarra（纳瓦拉的霍塔舞）： 霍塔舞是西班牙的一种传统民间舞蹈，其特点是活泼、跳跃、富有节奏感。里姆斯基-科萨科夫在此运用了变奏的手法，以不同的乐器和音色来呈现霍塔舞的旋律。音乐时而悠扬婉转，时而奔放热烈，充满了西班牙民族舞蹈的热情与活力。各种打击乐器的加入，更是增强了音乐的节奏感和感染力，仿佛置身于一场热烈的西班牙舞会之中。 第二乐章：Variations on a Theme 主题： 里姆斯基-科萨科夫在此运用了一个具有鲜明西班牙风格的主题，这个主题可能受到当地民歌的影响，旋律悠扬而略带忧郁，具有一种拉丁式的热情。 变奏： 随后，作曲家以精湛的技艺对这个主题进行了一系列的变奏。每一个变奏都呈现出不同的面貌，有的变得更加轻快活泼，有的则变得更为抒情和细腻。里姆斯基-科萨科夫在配器上展现了他非凡的才华，他巧妙地运用各种乐器组合，为主题注入了新的生命力。例如，他可能会用木管乐器营造出一种轻柔的氛围，然后用铜管乐器来强调主题的宏伟，再用打击乐器来增添节奏的冲击力。这些变奏如同描绘了西班牙不同场景和情感，时而宁静，时而奔放，时而忧伤，时而狂喜。 第三乐章：Alborada. Gaita de amor Alborada（黎明曲）的再现： 音乐再次回到“黎明曲”的主题，但这次的氛围有所不同，更加沉静和神秘，仿佛是在黎明前的寂静中，一种古老的旋律开始回荡。 Gaita de amor（爱情风笛）： 这个部分充满了浪漫和诗意。里姆斯基-科萨科夫巧妙地运用了类似风笛的音色，营造出一种乡愁和爱恋的情绪。音乐悠扬而深情，仿佛在诉说着一段缠绵的爱情故事。这里，作曲家展现了他细腻而富有想象力的一面，将听众带入一个充满情感的世界。 第四乐章：Scena e Canto Gitano（吉普赛场景与歌谣） Scena（场景）： 这段音乐充满了神秘和戏剧性，描绘了吉普赛人生活中的一些场景。音乐的节奏变化多端，时而急促，时而舒缓，充满了不确定性和变化。 Canto Gitano（吉普赛歌谣）： 随后，一段具有浓郁吉普赛风情的歌谣响起。这段旋律可能模仿了吉普赛人的吟唱，充满了热情、忧伤和自由的精神。里姆斯基-科萨科夫在配器上运用了大量的打击乐器，如响板、铃鼓等，以及弦乐的颤音和滑音，极富感染力地展现了吉普赛人的独特魅力。整段音乐充满了色彩和生命力，让人感受到一种原始的、不受束缚的力量。 第五乐章：Fandango Asturiano（阿斯图里亚斯的凡丹戈舞） Fandango Asturiano： 凡丹戈舞是另一种西班牙的传统舞蹈，以其热烈、奔放的特点而闻名。里姆斯基-科萨科夫在此将全曲推向了最高潮。音乐节奏感极强，充满了力量和激情。各种乐器齐奏，营造出一种狂欢节般的景象。铜管乐器的辉煌，弦乐的快速跑动，打击乐器的有力敲击，都将西班牙式的热情和欢乐推向了顶峰。整段音乐充满了活力和生命力，令人心潮澎湃。 《西班牙狂想曲》是里姆斯基-科萨科夫在管弦乐创作上的一个里程碑。他以其卓越的配器技巧，将不同乐器的音色组合得天衣无缝，创造出丰富多彩的音响效果。作品中洋溢着浓郁的西班牙风情，既有热烈的欢快，也有深沉的忧郁，展现了作曲家对不同文化和情感的深刻理解。 总结 这部录音作品集，如同一个珍贵的宝藏，将俄罗斯音乐史上两颗璀璨的明珠——穆索尔斯基和里姆斯基-科萨科夫——的光芒凝聚在一起。通过《展览会图画》和《西班牙狂想曲》，我们不仅能欣赏到两位作曲家各自独特的艺术风格和音乐语言，更能深刻感受到俄罗斯民族音乐的丰富性、表现力和永恒的魅力。 穆索尔斯基以其粗犷、真诚和深刻的情感，描绘出人性的复杂和心灵的呐喊，他的音乐如同史诗般壮阔，又如内心独白般细腻。里姆斯基-科萨科夫则以其“魔法师”般的配器技巧，将音乐的色彩运用到了极致，用生动、鲜活的音符，勾勒出异域风情和浪漫想象。 聆听这部作品，不仅仅是音乐的欣赏，更是一次对俄罗斯文化、历史和民族精神的探索。它将带领我们穿越画廊，感受艺术家的灵魂；它将带我们驰骋西班牙大地，体验异域风情。这是一场不容错过的音乐盛宴，也是一次涤荡心灵的艺术之旅。

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初次接触穆索尔斯基的作品，往往会因其宏大叙事和略显粗粝的质感而略感吃力，但这张名为《波菜罗西班牙狂想曲展览会上人图画(CD)》的录音，却以一种出人意料的柔和与精致，为我开启了一扇新的大门。这张特定的演绎版本，显然在“展览会图画”的描绘上，投入了比一般版本更多的色彩学研究。我可以清晰地感受到，每一个“图画”之间的过渡并非生硬的切换，而更像是一块块色彩斑斓的宝石被巧妙地串联起来，形成一条流畅且富有故事性的长链。例如在描绘那些古老建筑和民间场景时，弦乐组的颤音运用得极为克制，却又极富张力，营造出一种既历史悠久又充满生机的氛围。而“狂想曲”部分，则完全展现了指挥对速度与力度的精妙控制。我听到了那种强烈的对比——从轻柔的私语到雷鸣般的合奏，其间的渐变过程处理得极为自然，丝毫没有那种为了追求戏剧性而刻意为之的痕迹。这张CD的声场处理让我印象深刻，它不是那种将所有乐器堆砌在一起的“大场面”，而是能清晰地“定位”到每一组乐器在虚拟空间中的位置，仿佛我正坐在一个声学效果绝佳的音乐厅里，享受着一场近距离的演奏。这张录音的感染力在于它的“人情味”，它让那些原本可能显得过于“民族化”或“异域化”的元素，变得普世且动人。

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坦率地说，我对穆索尔斯基的许多管弦乐作品抱有一种敬畏感，因为它们往往需要极强的技术和深刻的理解力才能完美呈现。但这张名为《439 013-2 MUSSORGSKY…》的唱片，却以一种近乎“解构”的姿态，重新诠释了“西班牙狂想曲”的主题。我尤其欣赏录音工程师在捕捉打击乐方面的处理。不同于一些录音中，定音鼓或钹声被过度美化或压制，这里的打击乐仿佛是音乐的骨架，提供了坚实的节奏基础，它们的声音是干燥、有力且极具颗粒感的，与背景中那些绵延不绝的长音形成了鲜明的对比。至于管弦乐的织体，这张专辑的亮点在于它对室内乐段落的刻画。在那些相对安静的乐章中，独奏乐器——尤其是双簧管和小提琴的对答——处理得极其精妙，它们之间的对话充满了微妙的情绪波动，像是在低声述说着古老的传说。这张专辑的艺术指导似乎更偏向于强调作品的“异域风情”而非纯粹的“俄罗斯式厚重”，这使得整个听感非常轻盈但绝不单薄。如果你期待的是那种典型的沉重、压抑的斯拉夫风格，那么你可能会对这里的明亮度和节奏感感到惊讶。对我而言，这更像是一次成功的文化交流，让西班牙的色彩通过俄罗斯的视角，得到了全新的光芒。

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这张专辑带给我的感受，与其说是一场音乐会，不如说是一次沉浸式的旅行。我最欣赏的一点，是它处理乐章中“异国情调”的方式——它没有落入俗套地使用刻板的、夸张的民族乐器模仿，而是通过对传统管弦乐器音色的巧妙调制，来烘托出那种独特的异域氛围。举例来说，拨弦乐器的运用（如吉他或曼陀林音色的模仿）极其精巧，它们如同点缀在丝绸上的金线，闪烁着微光，却从不喧宾夺主。而“展览会图画”部分的叙事感更是无懈可击，每一个场景的切换都伴随着情绪的细微转变，听众仿佛置身于一个巨大的、不断变换主题的画廊之中，每一个转角都能带来新的惊喜。最让我感到震撼的，是它对“人声”的描绘。穆索尔斯基的音乐常常带有强烈的拟人化特质，而这张录音成功地捕捉到了这一点，即便是纯粹的器乐，也听出了角色之间的对话、争执与和解。总而言之，这是一张需要静心品味的唱片，它要求听者放下既有的成见，完全投入到创作者所构建的那个丰富、复杂且充满生命力的声音世界中去。它不仅仅是“听”音乐，更像是“看”音乐，充满了视觉的冲击力和情感的深度。

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这简直是一张让人心神荡漾的唱片！从我将唱片放入播放器，第一个音符触及耳膜的那一刻起，我就知道自己将踏入一片异乎寻常的音乐疆域。管弦乐的铺陈带着一种近乎史诗般的恢弘，仿佛指挥家手中握着的不是指挥棒，而是一柄点石成金的魔杖。尤其是木管乐器的处理，那份细腻与灵动，简直能让你清晰地勾勒出画面感。我脑海中浮现出的是广袤的西班牙原野，阳光炙烤着古老的城墙，空气中弥漫着香料和尘土的味道。演奏者对节奏的把握炉火纯青，时而如同热烈的弗拉明戈舞步般狂野奔放，每一个鼓点和弦乐的拨弦都精准地击中听者的心房；时而又转为深沉的冥想，那种宿命般的忧郁感被处理得恰到好处，让人感受到一种跨越时空的共鸣。我特别留意了铜管组的表现，它们在乐章高潮部分的爆发力惊人，却又不失层次感，没有丝毫的生硬或刺耳，反而像是一股强大而又温厚的暖流席卷而来。这张录音的混音效果也值得称赞，立体声效果极佳，可以清楚分辨出不同声部之间的对话与交织，完全能感受到乐团在录音室中展现出的惊人默契。对于喜欢俄罗斯作曲家宏大叙事风格，又钟爱异域风情的听众来说，这绝对是一次不容错过的听觉盛宴。我甚至觉得，听完这张专辑，对“西班牙狂想曲”的理解都提升到了一个新的维度。

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当我打开这张CD，映入眼帘的曲目信息本身就带着一种奇特的组合感，尤其是将其与“展览会上人图画”并列来看。但音乐一响起，所有疑问便烟消云散了。这张版本的“狂想曲”部分，其速度的弹性（Rubato）运用得极富个人色彩，但这种弹性是建立在对整体结构深刻理解之上的，绝非随心所欲的拖沓。我仿佛能感受到指挥家与首席小提琴手之间进行着一场心有灵犀的默契“较量”，互相追逐，又互相成就。在某些段落中，低音提琴和低音单簧管的运用，带来了异常丰富且深邃的音色层次，这使得音乐的基调稳固而厚实，为上层那些花腔般的旋律提供了完美的支撑。这张录音在动态范围的呈现上堪称典范，从近乎耳语的pp到令人震撼的fff，中间的过渡几乎没有听得出任何数字压缩的痕迹，保持了极佳的模拟感和现场感。我尝试用不同的耳机和音箱系统反复聆听，发现它在任何设备上都能保持其原有的音色纯正度，这说明母带处理的质量极高。这张唱片不仅是音乐作品的再现，更是一次对管弦乐配器潜能的深度挖掘，非常适合那些对录音技术和精细演奏有高要求的发烧友。

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