流行演唱与爵士演唱教学基础篇北京笛音乐学校…(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京环球音像

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:40.0

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isbn号码:9787880589511

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• 流行演唱
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探寻声乐的奥秘：从流行到爵士的艺术之旅 本书并非您所提及的《流行演唱与爵士演唱教学基础篇北京笛音乐学校…(VCD)》，而是一部独立创作的、深入剖析声乐艺术内在逻辑与表现力的一部力作。它旨在为所有热爱歌唱、渴望提升自身演唱技巧的爱好者提供一条更为广阔、更为系统、更为富有启发的学习路径。 在音乐的浩瀚星海中，声音是流淌的灵魂，是情感最直接的载体。无论是激昂澎湃的流行金曲，还是 R&B 中细腻婉转的旋律，抑或是爵士乐里那自由不羁的即兴，都离不开歌唱者对于声音的精准驾驭和情感的淋漓尽致的表达。然而，许多声乐学习者在追求技巧的路上，往往会陷入片面的模仿和肤浅的理论，忽略了声音本身蕴含的科学原理和艺术规律。本书正是为打破这一局限而生，它将带领您进入一个全新的声乐学习维度，让您理解“为什么”而不仅仅是“怎么做”。 一、声音的本质：从生理到共鸣的科学解析 本书的第一部分，我们将回归声乐学习的根基——声音的生理学基础。我们并非仅仅停留在“气息要稳”“声音要靠后”等抽象概念上，而是将深入浅出地解析声带的振动机制、呼吸肌肉群的协同工作原理，以及鼻腔、口腔、咽腔等共鸣腔体的结构及其对音色塑造的影响。 呼吸的艺术： 学习正确的呼吸方式是声乐的基石。我们将详细讲解腹式呼吸、胸式呼吸的生理过程，以及如何在歌唱中将两者有机结合，形成稳定、持久、富有弹性的气息支持。这不仅仅是简单的“吸气”，而是对横膈膜、肋间肌、腹肌等一系列深层肌肉群的精准控制，从而实现气息的“深、长、匀、柔”。您将了解如何在不同乐句长度和力度要求下，动态调整呼吸模式，让气息成为您最忠实的伙伴。 声带的奥秘： 声带并非简单的“发声器官”，而是精密的“发声器”。本书将揭示声带闭合的原理，以及如何通过调整声带的张力和厚度来发出不同音高和音量的声音。我们将探讨如何避免声带过度紧张，保护声带健康，并通过科学的练习方法，增强声带的弹性和耐力，让您的声音更加稳定、清晰且富有表现力。 共鸣的魔力： 共鸣腔体是声音的“放大器”和“调色板”。本书将系统讲解鼻腔、口腔（包括舌根、软腭、硬腭等）、咽腔的解剖结构，以及它们在不同音高、不同音色形成中的作用。您将学习如何通过调整舌位、唇形、下颚位置以及软腭的抬起高度，来优化共鸣效果，发出饱满、圆润、具有穿透力的声音。我们将区分和理解头腔共鸣、胸腔共鸣、鼻腔共鸣的特点，并指导您如何将它们巧妙运用，塑造出丰富多样的音色。 二、音准的精确度：听觉与发声的完美结合 精准的音准是歌唱者最基本的要求，但很多学习者却在这方面遇到瓶颈。本书将从听觉训练和发声控制两个维度，为您打造坚实的音准基础。 听觉的敏锐度训练： 准确的音准源于准确的听觉。我们将引导您进行系统的听音训练，包括音程的辨识、音阶的模唱、旋律的记忆和还原。通过一系列精心设计的听觉练习，您将大幅提升对音高的敏感度，能够更准确地感知和记忆目标音高，为后续的发声打下坚实基础。 发声控制与音准的统一： 听觉上的准确最终需要通过发声器官的精确控制来实现。本书将结合生理学原理，指导您如何通过微调呼吸、声带和共鸣腔体的状态，来精准地定位和保持每一个音高。我们将探讨如何克服跑调的常见原因，如气息不稳、共鸣位置错误、听觉反馈不准确等，并提供针对性的纠正练习。您将学会通过“内听”和“外听”相结合的方式，实时监测和调整自己的发声，实现听觉与发声的完美统一。 三、节奏的律动感：时间与空间的音乐语言 音乐的魅力不仅在于音高，更在于其时间维度上的律动。本书将帮助您深刻理解节奏的构成，并培养出准确、流畅、富有表现力的节奏感。 节奏的基础概念： 从节拍、小节、拍号到节奏型，我们将系统讲解节奏的基本要素。您将清晰地理解不同拍号下的重拍和弱拍规律，以及各种基本节奏型的演奏方法。 节奏的听辨与模仿： 良好的节奏感需要大量的听觉积累和模仿练习。本书将提供一系列不同复杂程度的节奏听辨和模唱练习，帮助您内化节奏的规律，培养身体的律动感，让您在歌唱时能够自然而然地把握住音乐的脉搏。 节奏的表情化处理： 节奏并非死板的数字组合，而是承载情感的重要元素。我们将探讨如何通过节奏的细微处理，如切分音、附点节奏、延音等，来增强音乐的表现力，赋予歌曲更丰富的色彩和情感张力。您将学会如何在保持整体节奏稳定的前提下，灵活运用节奏的变化来烘托情感，使您的演唱更具艺术感染力。 四、音色的雕琢：个性化与艺术化的声音塑造 每个人的声音都是独一无二的，而音色则是声音的灵魂。本书将带领您探索音色的无限可能，并学习如何根据歌曲的风格和情感需求，雕琢出最适合的音色。 音色的构成要素： 我们将从泛音、基频、波形等科学角度解析音色的形成。了解这些基本原理，将有助于您更深刻地理解如何通过调整共鸣和发声方式来改变音色。 不同音色的特点与运用： 我们将详细分析明亮、暗淡、圆润、扁平、厚实、穿透等不同音色的特点，并探讨它们在不同音乐风格和情感表达中的适用性。例如，流行演唱中常需的甜美、力量感，爵士演唱中追求的慵懒、磁性，都将有针对性的讲解。 个性化音色的发展： 在掌握基本原理和技巧的基础上，本书将鼓励您探索和发展自己独特的声音特点。我们将提供一系列发散性的音色练习，帮助您打破思维定势，尝试新的声音可能性，最终形成具有个人辨识度的艺术音色。 五、情感的传递：从技术到心灵的升华 歌唱不仅仅是技巧的展示，更是情感的交流。本书将着重探讨如何将充沛的情感融入歌声，使您的演唱具有真正的感染力。 理解歌曲的内涵： 在演唱前，深入理解歌词的意义、作者的情感意图以及歌曲所处的音乐背景至关重要。我们将引导您学会如何进行歌曲分析，从文本和音乐层面挖掘歌曲的情感核心。 情感与技巧的融合： 情感的表达并非脱离技巧的空谈。本书将指导您如何将呼吸、共鸣、音高、节奏等技术手段，服务于情感的传递。例如，如何通过气息的微小变化来表达内心的犹豫，如何通过共鸣的调整来呈现声音的颤抖，如何在恰当的时机运用滑音和装饰音来渲染情绪。 真挚的情感表达： 最动人的歌声往往源于真挚的情感。本书将鼓励您打开内心，体验和表达真实的情感。我们将探讨如何克服演唱时的紧张和自我设限，将个人的生活经历和情感体验巧妙地融入歌声，从而触动听众的心灵。 六、不同风格的探索：流行与爵士的演唱智慧 在打下坚实的基础后，本书将深入探讨流行演唱和爵士演唱各自的特点、技巧和表现方式。 流行演唱的魅力： 流行演唱以其广泛的受众基础和多样的风格吸引着无数人。我们将分析流行演唱中对气息稳定性、音色甜美度、情感的直白表达等方面的要求。我们将学习流行音乐中常见的演唱技巧，如转音、颤音、混声的运用，以及如何通过咬字清晰、情感真挚来打动听众。 爵士演唱的自由与即兴： 爵士演唱以其自由奔放的即兴和独特的韵味而著称。我们将深入解析爵士音乐的和声结构、节奏特点以及即兴演唱的原理。您将学习如何运用“Scat”演唱，如何进行旋律的变奏和再创作，以及如何通过独特的音色和节奏处理来展现个人风格。我们将探讨爵士演唱中对“Swing”感的理解和运用，以及如何通过对音乐的深刻理解和个人创造力来完成一次充满魅力的即兴表演。 本书的价值所在： 不同于仅提供演唱动作指导的教材，本书更注重从根本上理解声音的原理和音乐的本质。它将帮助您： 建立科学的发声体系： 告别模糊的技巧概念，建立清晰、系统、科学的发声方法。 提升演唱的稳定性与表现力： 无论是音准、节奏还是音色，都将得到显著提升。 掌握情感的传递技巧： 让您的歌声不再是空洞的技巧堆砌，而是充满感染力的情感倾诉。 拓展音乐的视野： 深入理解不同音乐风格的魅力，培养独立的艺术判断能力。 发掘自身的声音潜力： 最终形成独具个性的、富有艺术价值的演唱风格。 本书适合所有对声乐艺术有热情，无论是初学者还是有一定基础的歌唱爱好者。它将是您声乐学习道路上不可多得的良师益友，引领您在声音的海洋中，找到属于自己的独特航向。 让我们一起，用声音去歌唱，用歌声去传递，用艺术去点亮生命。

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这本书的封面设计得相当有意思，色彩搭配和字体选择都透露出一种复古又专业的味道。我是在一个专门的音乐书店里偶然发现它的，当时就被“流行演唱与爵士演唱教学基础篇”这个标题吸引住了。毕竟，现在市面上很多声乐教材要么过于偏重古典美声，要么就是零散的技巧分享，很少有能系统地从流行和爵士这两个交叉领域入手的基础教材。我期待它能提供一个扎实的入门框架，尤其是在气息控制、音准的精细调节，以及如何理解和运用不同音乐风格特有的律动感方面有所阐述。从我初步翻阅的印象来看，这本书的排版很清晰，图文并茂，似乎对初学者非常友好，这比那些动辄晦涩难懂的理论书籍要让人有信心拿起和坚持下去。我特别关注它在基础乐理与演唱技巧结合方面的处理方式，希望它能不仅仅停留在“怎么唱高音”或者“怎么控制气流”这些表层问题，而是能深入到如何建立支撑流行乐和爵士乐演唱风格的核心肌肉记忆和听觉习惯。总体来说，它的外观和定位给我留下了“专业、系统、实用”的第一印象，很适合那些希望系统性地打好演唱基础，并对现代音乐风格有浓厚兴趣的音乐爱好者或初阶学习者。

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从装帧和纸张质感来看，这本书的制作水平是令人放心的，厚实的内页不易反光，长时间阅读也不会感到视觉疲劳，这对于需要反复研读和标记重点的教学资料来说非常重要。我比较看重教材的“可操作性”和“可迭代性”，这本书的基础篇做到了这一点——它为你打好了地基，但并没有限制你未来向更深层次探索的可能性。比如，它在介绍“滑音”和“颤音”时，清晰地区分了流行音乐中常用的轻微颤音和爵士乐中那种更有“蓝调色彩”的颤音技巧，并且给出了针对性的肌肉控制练习。这说明作者群对不同风格的细微差别有着非常精到的把握。这本书更像是一位经验丰富的老师，它不仅告诉你“该做什么”，更解释了“为什么这么做”，这对于建立演唱者的独立思考能力至关重要，而不是沦为一个只会模仿的“复读机”。

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坦率地说，我对比了过去几年里我购买的其他几本声乐教材，这本书在“风格解析”这一块做得尤其出色。它没有泛泛而谈“爵士乐就是即兴”，而是具体分解了从比波普（Bebop）到融合爵士（Fusion）在旋律进行、和声色彩对演唱方式的影响。对于流行演唱部分，它似乎也花了不少篇幅来解析不同年代的“麦克风技术”如何影响了歌手的演唱习惯，比如八九十年代那种“贴近式”演唱和现代流行乐中对“空间感”的追求，这在其他教材里是很少提及的。我尤其欣赏它对“情感传达”的训练方法，它提供了一套将歌词的意境转化为身体反应和声音表情的练习流程，这对于克服“技术上去了，但唱不出感觉”的瓶颈非常有帮助。这种将技术训练、风格理解和艺术表达紧密结合的编排思路，使得这本书读起来不枯燥，每学完一个技术点，都能立即在风格应用上得到反馈和提升，形成一个良性循环的学习体验。

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拿到这本书后，我立刻被它那种严谨的学院派气息所感染，虽然是基础篇，但内容组织绝非儿戏。我印象最深的是它对“发声位置”的探讨，它并没有简单地给出几个口型图，而是从声带的生理结构出发，结合不同风格对音色（Timbre）的需求来进行讲解。比如，流行乐中那种靠前的、集中的“头腔共鸣”和爵士乐中那种需要更多“胸腔支撑”和更圆润元音的表达方式，教材里是如何区分和训练的，这一点非常吸引我。很多自学的人往往会把两种唱法混为一谈，导致声音发扁或者用力过猛。此外，书中对“节奏感”的训练模块也设计得相当巧妙，它不只是让你跟着节拍器练习，而是引入了复杂的切分音和巴萨诺瓦（Bossa Nova）的律动模板，这对于培养爵士乐演唱者至关感知的“摇摆感”（Swing）是至关重要的，这方面的深入探讨，让我觉得这本书的价值远超一般的“入门指导”，它更像是一份为未来进阶学习铺设的坚实轨道。

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这本书的实用性体现在它对“基础”二字的深刻理解上。很多基础篇会很快地跳入复杂的曲目示范，但这本书却像是耐心地为你打造一个工具箱。我试着跟着书里的指导，花了两周时间专门练习书中提出的关于“气柱稳定度”的训练序列，这些练习看似简单重复，但坚持下来后，我能明显感觉到在演唱需要长乐句或大幅度音高跨越时，声音的支撑力有了质的飞跃。另外，它对“和声听辨”的介绍也很有见地，尤其是在爵士乐中，歌手需要快速捕捉到属七和弦（Dominant 7th）或九和弦（9th）带来的色彩变化，从而做出相应的旋律修饰或即兴处理。这本书的练习曲目选择，虽然都是基础练习，但它们的调式和节奏型都非常有代表性，能有效地训练耳朵和嘴巴同步适应现代音乐的和声环境，这在很多侧重于旋律模仿的教材中是缺失的。

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