具体描述
作者简介
（1897－1971）字大颐，号寿者，又号雷婆头峰寿者。浙江宁海人。浙江省立第一师范学校毕业。曾任上海美专、新华艺专教授。1928年到国立艺术院任国画主任教授。 1945年任国立艺专校长。1959年任浙江美术学院院长。他对继承和发展民族绘画充满信心与毅力。为捍卫传统绘画的独立性竭尽全力，奋斗一生，并且形成一整套中国画教学的体系，影响全国。他的艺术博采众长，尤于石涛、八大、吴昌硕诸家中用宏取精，形成个人独特风格。不仅笔墨苍古、凝炼老辣，而且大气磅礴，雄浑奇崛，具有慑人心魄的力量感和现代结构美。他曾任中国美术协会副主席、全国人大代表、苏联艺术科学院名誉院士。著述有《中国绘画史》、《听天阁画谈随笔》。他是一代艺术大师和美术教育家。
潘天寿绘画题材包括鹰、荷、松、四君子、山水、人物等，每作必有奇局，结构险中求平衡，形能精简而意远；勾石方长起菱角；墨韵浓、重、焦、淡相渗叠，线条中显出用笔凝炼和沉健。
他精于写意花鸟和山水，偶作人物。尤善画鹰、八哥、蔬果及松、梅等。落笔大胆，点染细心。墨彩纵横交错，构图清新苍秀，气势磅礴，趣韵无穷。画面灵动 ，引人入胜。
潘天寿的指画也可谓别具一格，成就极为突出。这类作品，数量大，气魄大，如指墨花卉《晴霞》、《朱荷》、《新放》等，画的均为“映日荷花”，以泼墨指染，以掌抹作荷叶，以指尖勾线，生动之气韵，非笔力所能达。潘天寿作画时，每画一笔，都要精心推敲，一丝不苟。他在“有常必有变”的思想指导下，取诸家之长，成自家之体，他的画材为平凡题材，但经他入手的画，却能产生出不平凡的艺术感染力。如他的《小龙湫一角》特别是把画面主体小龙湫压到边角的构图，含蓄地让观者先看灵岩的磅礴山势，烂漫的山花然后再去欣赏那支龙湫水，这种方法，正与那些使画面“一览无余”形成对照，不仅显示了画家出奇制胜的构图才能，也表述了画家对平凡事物的内在感情。
潘天寿艺术的可贵之处，主要在于他具有大胆的创造精神，他常说，“荒山乱石，幽草闲花，虽无特殊平凡之同，慧心妙手者得之尽成极品。”他的书法功力也很深，早年学钟、颜，后又撷取魏、晋碑中精华以及古篆汉隶 ，还能诗、善治印。平时作画，对诗文、题跋、用印方面，非常认真、讲究，绝不马虎。他对画史、画理也研究有素，著有《中国绘画史》、《顾恺之》，《听天阁诗存》、《治印丝谈》。并缉有《听天阁画谈随笔》等。
目录信息
读后感
我喜欢买一些过去人写的，且印于当代的书籍。 纵观全书，摘录的文章成文较早。切不可认为早期的文章即过时了，恰恰相反，老先生写的心得都是中国书画的规律与本源。而且与当下鱼龙混杂的评论相比，书中内容与目前有些距离反而显得清澈干净。书中谈笔法谈黑白谈虚...
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我喜欢买一些过去人写的，且印于当代的书籍。 纵观全书，摘录的文章成文较早。切不可认为早期的文章即过时了，恰恰相反，老先生写的心得都是中国书画的规律与本源。而且与当下鱼龙混杂的评论相比，书中内容与目前有些距离反而显得清澈干净。书中谈笔法谈黑白谈虚...
用户评价
《潘天寿谈艺录》这本书，让我看到了一个艺术家的胸襟与气度。潘老先生在书中，对中国画的传承与创新，进行了深刻的思考。他并非是简单地否定前人，也并非是盲目地追逐时髦，而是强调在继承优秀传统的基础上，进行有意义的创新。他认为，中国画的生命力在于其民族性，在于其独特性，这种独特性需要在新的时代背景下得到新的诠释和发展。他对于“笔墨”的理解，也在不断地深化，从传统的线条到水墨的韵味，再到墨色的变化，他都在不断地探索其可能性。他关于“写意”的论述，更是将传统技法与现代人的审美情趣相结合，使得写意画能够焕发新的光彩。书中他还谈到了中国画与西方绘画的比较，在肯定中国画独特魅力的同时，也展现了他开阔的国际视野。这本书让我明白了，一位真正的艺术家，不仅要有深厚的传统功底，更要有与时俱进的创新精神，更要有对民族文化负责任的态度。
这本书带给我的，不仅仅是对中国画技法的理解，更是一种对艺术生命力的深刻感悟。潘老先生在《潘天寿谈艺录》中，反复强调“生命”在艺术中的核心地位。他认为，艺术的最终目的，是将生命的气息注入到作品之中，让作品能够“活”起来。他谈到“花鸟”的创作，并非仅仅是描绘花朵与鸟雀的外形，更是要捕捉它们的生命状态，它们在自然中的动态与神情。他笔下的鸟，或昂首挺胸，或低头啄食，都充满了生命的活力。他笔下的花，或含苞待放，或怒放盛开，都展现着生命的蓬勃。这种“写意”的精髓，就是将生命的精神，融入到笔墨之中。他对于“山水”的论述，同样是将对自然的观察与对生命的热爱相结合，他笔下的山峦，不仅有巍峨的气势，更有蓬勃的生机。潘老先生的艺术，是一种充满生命张力的艺术，他让我们看到了传统中国画是如何能够如此生动地表达生命的美好与力量。这本书对我来说，是一次关于生命与艺术的深刻对话。
《潘天寿谈艺录》这本书，如同一位严谨而充满智慧的老师，引导我深入中国画的殿堂。潘老先生对“笔墨”的论述，让我从“形”的层面，进一步触及了“势”与“韵”。他谈到“力”在笔墨中的体现，并非是蛮力，而是蕴含着一种内在的张力和节奏感，是线条生命力的展现。他认为，好的笔墨，能够“如锥画沙”、“如印印泥”，不仅要有力度，还要有弹性，有变化。这种对笔墨的追求，是一种对物质媒介的极致运用，也是一种对精神力量的凝练。书中他谈到“留白”，让我理解了中国画中“虚”的哲学意义。留白并非是空白，而是“有限的虚”，是“无限的意”，是留给观者想象的空间，是画面“气”的载体。这种“虚实相生”的艺术处理，使得画面既有实体，又有精神，虚实之间，妙趣横生。潘老先生对“骨法”的强调，更让我意识到，一幅好的中国画，不仅仅是色彩和线条的组合，更重要的是它内在的结构和精神支柱，是画家在创作中注入的生命力和人格力量。这本书让我对中国画的审美，有了更深刻的理解，是对传统中国画艺术精神的一次全面洗礼。
翻开《潘天寿谈艺录》，我仿佛穿越了时空，置身于上世纪五六十年代的中国画坛，聆听一位宗师的教诲。潘老先生的文字，没有华丽的辞藻，却字字珠玑，蕴含着对艺术最本质的洞察。他谈到“以书入画”，并非是简单的书法技法在绘画中的应用，而是强调笔墨线条所蕴含的书写性、韵律感和精神力量，这是一种将抽象的线条转化为具象形体的魔力。他认为，中国画的魅力，很大程度上就在于这种“写”的背后所承载的生命力，是艺术家情感、学养、精神状态的综合体现。读到他关于“墨分五色”的论述，我才真正理解了水墨的丰富性和变化性，它不仅仅是黑白的运用，更是水分、墨色、纸质、笔触共同作用下的微妙关系，是一种“润含春雨，浓似秋霜”的艺术效果。潘老先生对中国画“骨法”的强调，也让我对“骨”有了更深的认识，这不仅是结构上的支撑，更是精神上的挺拔，是画作内在的生命力与人格的体现。书中关于“虚实相生”的讨论，更是将中国哲学中的辩证思想融入了绘画创作，点线面的关系，留白的处理，都充满了禅意和哲学韵味，让画面既有充实感，又不失空灵感。这本书让我对中国画的理解，从“看”提升到了“品”，从“形”触及了“神”，是一种由外而内的深入。
这本书的出现，无疑是给当代中国画坛带来了一股清流，一股来自大师深邃思想的清流。我作为一个热爱中国画的普通读者，拿到《潘天寿谈艺录》的那一刻，就有一种朝圣般的心情。翻开书页，我仿佛能听到潘老先生低沉而富有力量的声音，在细细地诉说着他几十年艺术生涯中的感悟与思考。这本书并非是枯燥的理论堆砌，而是饱含着他对艺术的赤诚之心，以及对传统文化根脉的深深眷恋。他谈论笔墨，不仅仅是技法的讲解，更是对精神内核的挖掘；他剖析章法，不只是构图的安排，更是宇宙人生哲理的映射。读他的话，我常常会停下来，陷入沉思，因为他总能一语道破那些我似曾相识却又未能清晰把握的艺术奥秘。尤其是一些关于“骨法用笔”、“气韵生动”的论述，更是让我醍醐灌顶，原本模糊的感受瞬间变得清晰起来。书中对中国画“写意”精神的阐释，也彻底改变了我过去对写意的片面理解，原来写意并非随意涂抹，而是高度概括、提炼和升华，是画家内在精神世界的直接流露。这是一种“不似之似”的境界，是“形神兼备”的追求。潘老先生的言语中，处处透着一股坚韧的力量，是对艺术生命力的不懈追求，也是对中国传统文化精神的捍卫。这本书，不仅仅是一本艺术理论著作，更是一部人生哲学，一本滋养心灵的宝典。
《潘天寿谈艺录》这本书，让我深刻体会到了“艺无止境”这句话的真谛。潘老先生在书中分享的艺术经验，并非是教你如何“画得像”，而是引导你如何“画出神”。他关于“以形写神”的论述，让我明白了绘画创作的最终目的，是将物象的内在精神和生命力捕捉并传达出来，而不是仅仅停留在表面的形态模仿。他特别强调了“胸有成竹”的重要性，这里的“竹”不仅仅是指竹子本身，更是指艺术家在观察、体验、思考之后，将对象内化于心，形成独特的艺术感受和表现方案。这种“胸有成竹”是一种创造性的准备，是艺术家与对象深度交流的结果。书中他对“笔墨当随时代”的观点，更是让我看到了潘老先生的远见卓识，他并非是固守传统，而是强调在继承传统的基础上，融入时代精神和个人创造，让中国画焕发新的生命力。他谈到的“中国画的特点”，对中国画的民族性、独特性进行了深刻的阐释，让我更加坚定了对中国传统艺术的自信。这本书的每一页，都闪烁着智慧的光芒，指引着我在艺术的道路上不断探索，不断前行。它教会我不仅仅是绘画技巧，更是一种学习和思考的方法，一种对待艺术的态度。
拿到《潘天寿谈艺录》这本书，我便沉浸其中，无法自拔。潘老先生的文字，有一种直抵人心的力量，他谈到“画德”，让我开始反思艺术创作的根本。他认为，绘画不仅仅是一种技艺，更是一种道德的体现，是艺术家人格修养的反映。一个没有高尚品德的艺术家，是无法创作出真正感人的作品的。他强调“气韵生动”，这里的“气韵”不仅仅是绘画中的笔墨气韵，更包含着艺术家内在的精神气韵，是艺术家的人格魅力和精神境界的流露。他对于“意境”的追求，更是将绘画提升到了哲学和精神的层面，要求作品能够传达出超越物质的深刻内涵。潘老先生的艺术，是一种“以人传艺”的典范，他用自己的生命践行着对艺术的真诚与执着。这本书让我明白，艺术创作不仅仅是技巧的磨练，更是灵魂的修行，是一种对真善美的不断追求。
在我阅读《潘天寿谈艺录》的过程中，最令我印象深刻的是他对于“师造化”的深刻理解。潘老先生并非是简单地提倡“读万卷书”，更是强调“行万里路”。他认为，真正的艺术灵感来源于对自然的细致观察和深入体验，来自于艺术家与自然万物的“对话”。他笔下的花鸟山水，之所以能够充满生命力，正是因为他对自然界的一草一木、一鸟一石都有着极其细致的观察和深刻的体悟。书中他回忆起自己写生的经历，那种对自然细节的捕捉，对生命状态的感悟，都化作了他笔下的灵魂。他关于“从生活中汲取营养”的论述，让我明白了艺术创作的根基在于生活，没有对生活的深刻理解和热爱，艺术就如同无源之水。同时，他也强调了“化古人之迹”的重要性，并非是照搬照抄，而是要将传统技法与自己的生活体验相结合，形成自己独特的艺术语言。这种“化”的过程，是将传统精神内化为自身创造力的关键。这本书让我认识到，成为一位真正的艺术家，需要一颗热爱生活、勤于观察、善于思考的心，更需要一种融汇贯通、化古为新的创造精神。
《潘天寿谈艺录》这本书，如同一个宝藏，每一次翻阅都能发现新的闪光点。潘老先生关于“章法”的论述，让我对中国画的构图有了全新的认识。他认为，好的章法，不仅仅是元素的排列组合，更是通过整体的布局，营造出一种“势”，一种“韵”，一种“气”。他强调“经营位置”，即在落笔之前，就要有一个全局的规划，要考虑好画面空间的分割、虚实的对比、轻重的缓急。他笔下的作品，画面稳健而又生动，既有严谨的结构，又不失灵动的气息。他对于“呼应”和“照应”的强调，更是让画面中的各个元素能够相互关联，形成一个有机的整体。这种对章法的精妙处理，使得画面不仅有视觉上的美感，更有内在的逻辑和生命力。这本书让我明白，构图是中国画的骨架，是支撑画面精神的重要部分，它需要艺术家深厚的功力与独特的创造力。
在我阅读《潘天寿谈艺录》的过程中，我深刻体会到潘老先生的“大器晚成”并非偶然，而是他对艺术不懈追求的必然结果。他谈到自己在艺术道路上的探索与磨砺，那种坚持与毅力，令人动容。他并非一蹴而就，而是在漫长的艺术生涯中，不断学习、不断实践、不断反思。他对于“学养”的强调，让我认识到，一个优秀的艺术家，必须具备深厚的文化底蕴，要广泛涉猎文学、历史、哲学等各个领域，将这些知识融会贯通，才能为自己的艺术创作提供源源不断的养分。他提倡“读万卷书，行万里路”，更是将理论学习与实践探索相结合，是通往艺术高峰的必由之路。这本书不仅是关于绘画技法的传授，更是关于如何成为一个有学养、有思想、有境界的艺术家的启示。它激励我不仅仅停留在表面的模仿，而是要追求内在的深刻与持久。
早看的 忘了好多
陪我度过了一段难捱的时光
中六读物
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