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出版者:上海古籍出版社

作者:林风眠

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-08-01

价格:238.00元

装帧:平装

isbn号码:9787532534654

丛书系列:

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艺术的传承与革新：中国画百年回眸 本书并非对某位特定艺术家的作品集进行梳理，而是宏观地呈现中国画在近百年间所经历的深刻变革与多元发展。这是一场波澜壮阔的艺术史诗，见证了东方古老艺术如何在新时代的浪潮中寻求新生，既坚守着民族的血脉，又勇敢地拥抱西方的表现手法与思想。 一、 时代洪流中的中国画：求索与转型 二十世纪初，中国正经历着前所未有的社会巨变。旧的王朝土崩瓦解，新的思想思潮涌入。在这股洪流之下，中国画也面临着自身的危机与挑战。传统的文人画，以其独特的笔墨意趣和写意精神，承载了千年的文化积淀，但其局限性也日益显露：题材的狭窄，技法的程式化，以及与现实生活的疏离，都使得它在新的时代显得有些力不从心。 一批富有远见的艺术家，敏锐地捕捉到时代的脉搏。他们意识到，中国画不能固步自封，必须吸收外来养分，才能焕发新的生机。这批艺术家，他们或是留学海外，或是潜心研究西方艺术，他们将油画的色彩、透视、解剖等表现手法，素描的严谨造型，以及西方绘画的写实精神，巧妙地融入到中国画的创作之中。这并非简单的模仿，而是对中国画内在精神的理解与拓展。他们希望用更丰富、更具表现力的艺术语言，来描绘新时代的面貌，表达新时代的情感。 这个时期的中国画，呈现出“中西融合”的独特面貌。艺术家们在宣纸、毛笔、墨色的传统框架下，探索着新的色彩运用，新的构图方式，以及新的笔墨技法。水墨的写意性与油画的具象性，产生了奇妙的化学反应。他们笔下的山水，不再只是文人笔下的高远意境，更可能融入了现代建筑的棱角；他们笔下的花鸟，色彩更加鲜明，形态更加生动；他们笔下的人物，有了更强烈的时代气息和个性表达。 二、 多元化的艺术探索：风格的绽放 随着时代的发展，中国画的探索方向也日益多元。除了“中西融合”之外，还有艺术家们在传统技法的基础上进行创新，强调笔墨的表现力，追求水墨的淋漓尽致。他们深入研究古代大师的作品，继承和发扬那些失传的技法，并在此基础上进行个人化的创造，形成了各自独特的艺术风格。 有的艺术家，专注于传统的山水画，但他们以现代人的视角去观察自然，运用更加大胆的色彩和构图，赋予传统题材新的生命力。他们笔下的山峦，可能更加巍峨壮丽，河流可能更加奔腾不息，整个画面充满了力量感和动感。 有的艺术家，则将目光投向了市井生活，他们笔下的人物，充满了生活气息，展现了普通人的喜怒哀乐。他们运用写实的技法，捕捉人物的神态和情感，让画面充满了人情味。 还有一些艺术家，则在题材上进行了大胆的突破，他们将象征主义、表现主义等西方艺术思潮融入到中国画的创作中，试图通过中国画的笔墨，来表达更深层次的哲学思考和精神追求。他们的作品可能充满了象征意义，耐人寻味。 三、 艺术的时代价值：记录与启迪 这一百年的中国画发展史，是一部波澜壮阔的艺术史，更是一部时代的缩影。艺术家们用他们的画笔，记录了时代的变迁，反映了社会的进步。从旧时的风景人物，到新中国的建设景象，再到改革开放后的繁荣景象，中国画的题材不断拓宽，风格日益丰富，它与时代同呼吸，共命运。 同时，这些作品也为我们提供了宝贵的精神财富。它们不仅仅是视觉的享受，更是思想的启迪。它们让我们看到，艺术是如何与社会、与人民紧密相连的。它们让我们思考，如何在传承经典的同时，不断创新，才能让古老的艺术焕发新的青春。 本书旨在呈现中国画在这一关键历史时期的多样面貌，展现不同艺术家在艺术道路上的探索与追求。它不是某个单一视角的总结，而是对中国画百年发展历程中，那些重要而又各具特色的艺术实践的一次较为全面的回眸。通过这些作品，我们得以窥见一个民族在艺术上的不懈努力，以及东方艺术在现代语境下所展现出的强大生命力。这是一段充满挑战与辉煌的艺术旅程，值得我们深入探究和细细品味。

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这本书的装帧设计简直是现代极简美学的典范。封面的设计非常克制，没有任何多余的装饰，只有极简的字体排版，这种“此时无声胜有声”的处理方式，本身就预示了内页作品的超凡脱俗。我最欣赏的是它对画作“呼吸感”的维护。很多出版社为了塞进更多作品，会将图片边缘裁切得非常紧凑，但这本书在处理每一幅画时，都给予了足够的白边空间，仿佛为每一幅作品都留出了一个“画廊”的展示区域，让人在视觉上得到了极大的尊重和享受。翻阅过程中，我被那些处理得如同琉璃一般的静物深深吸引。那些玻璃器皿、水果，在光线下折射出的斑斓色彩，简直让人目眩神迷。它成功地将西方油画的厚重感与东方水墨的空灵感结合在一起，形成了一种独一无二的视觉语言。这本书的重量和厚度，也让它成为了一个绝佳的“压纸器”，放在书桌上，本身就增添了几分艺术气息和沉静的力量。

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说实话，我最初购买这本书是有些犹豫的，担心它会不会像市面上很多画册一样，充斥着大量模糊不清的低分辨率图片，或者只是粗制滥造的简单拼凑。然而，当我打开第一页时，那种担忧便烟消云散了。装帧的硬壳采用了哑光处理，手感极其舒适，内页的铜版纸对色彩的还原度极高，特别是那些偏向于粉色和暖黄色的作品，丝毫没有出现色偏或颗粒感。我仔细研究了几幅他处理人物的画作，那些面部表情的处理真是微妙到了极点，没有夸张的笔触，却能传达出丰富的情绪——那种淡淡的忧郁、瞬间的欣喜，都被凝固在了画布上。这本书的选篇似乎也经过了深思熟虑，它横跨了画家不同时期的风格演变，你可以清晰地看到他对中西绘画语言的融合与探索是如何逐步深化的。这不仅仅是一本“作品集”，更像是一部无声的艺术史传记，通过视觉语言讲述着一位艺术家的成长轨迹和不懈追求。对于长期关注艺术史的朋友来说，书后附带的简短生平和创作背景介绍，虽然篇幅不长，但精准扼要，很有参考价值。

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我一直对那种介于具象与抽象之间的表达情有独钟，而这本书中收录的那些风景系列，恰好满足了我的胃口。它不像传统山水画那样拘泥于写实，而是将自然元素提炼、简化，用最纯粹的几何形和色块来构建画面。你看那些处理得极其简约的树木和远山，寥寥数笔，意境却深远得令人拍案叫绝。特别是那些几何化的花卉静物，色彩的搭配大胆却和谐，它们不是花朵本身，而是花朵的“精神”被捕捉了下来。这本书的排版布局非常讲究，每幅画之间留白的运用堪称教科书级别，使得每一幅作品都有足够的空间呼吸，不至于相互干扰，反而互相衬托，增强了整体的韵律感。我试着去模仿其中几幅的色彩搭配，发现即使是相似的色阶，也难以调出那种独特的“高级灰”质感，这再次印证了艺术的不可复制性。对于想要学习现代绘画构图和色彩理论的初学者来说，这本书提供的视觉案例价值连城，它教会我们如何“做减法”，如何在简化中捕捉到事物的本质。

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这本画册简直是色彩的盛宴，每一页都像是一次对光影的深度探索。我特别喜欢其中对“月夜”主题的处理，那种幽蓝和深沉的黑，不是简单的对比，而是一种层次的交融，仿佛真能听到夜的呼吸。装帧设计也很有品味，纸张的质感非常高级，即使用手触摸也能感受到画作本身的肌理感。装帧的开本拿在手里沉甸甸的，显示出出版方的诚意。尤其值得一提的是，对某些作品的局部放大展示，让观者能够近距离欣赏到笔触的精妙，那种看似随性实则处处精心的处理，让人不得不佩服大师的功力。我通常习惯在安静的午后，泡一杯清茶，慢慢翻阅这些页码，每一次翻动都像是在与时间对话，那些山水、那些静物，都带有一种超越俗世的宁静。这本书不仅仅是艺术品的集合，更像是一扇通往画家内心世界的窗户，带你暂时逃离日常的喧嚣，沉浸在纯粹的审美体验中。如果非要说有什么遗憾，或许是印刷技术再完美，也难以完全捕捉到原作油彩那份独有的厚重感，但瑕不掩瑜，它依然是任何艺术爱好者书架上不可或缺的一份珍藏。

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我是一名业余的油画爱好者，买过不少大师的画册，但能像这本一样，让我产生强烈“临摹欲望”的却不多见。这本书的重点似乎在于展示色彩如何被“组织”起来，而不是简单地“涂抹”上去。你看那些色彩相近的色块是如何通过微妙的冷暖变化和饱和度差异，构建出立体感和空间纵深，这对于学习色彩理论的人来说，简直是一本活生生的教科书。特别是对光影的处理，他似乎总能找到那个最微妙的转折点，不至于过亮而失真，也不至于过暗而晦涩。更让我惊喜的是，书中收录了一些早期偏向于学院派的素描练习，这让我们得以一窥大师是如何打下扎实的基本功的，与他晚期那种自由奔放的风格形成了鲜明的对比，这种参照价值极高。此外，印刷厂对细节的把控令人称赞，即便是深色背景中那些近乎消失的笔触纹理，也能隐约捕捉到，这种对原作忠诚度的追求，是判断一本画册优劣的关键。总而言之，它不仅是视觉的享受，更是艺术学习的宝贵工具书。

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程十发美术馆林风眠特展 拜读 春色，静物，仕女，白手套尤其印象深刻。

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