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出版者:辽宁美术出版社图书发行部

作者:郑军

出品人:

页数:437

译者:

出版时间:2003-10

价格:65.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787531431084

丛书系列:

图书标签:

• 中国历代人物造型艺术
• 中国美术史
• 人物造型
• 艺术史
• 历代人物
• 传统艺术
• 绘画
• 雕塑
• 艺术设计
• 文化艺术
• 历史艺术

《汉唐风韵：中国古代服饰的演变与审美》 本书将带领读者穿越千年时光，深入探究中国汉代至唐代服饰的璀璨发展历程。我们不仅会审视那些精美绝伦的衣冠礼仪，更将揭示它们背后蕴含的社会结构、文化思潮以及哲学观念。 第一章：汉风初启，礼乐衣冠 汉代，作为华夏文明的奠基时期，其服饰在继承秦制的基础上，发展出了独特的恢弘气度。本章将细致描绘汉代官服的等级区分，从冕服的繁复庄重，到单色袍服的素雅大气，一一呈现。我们将考察汉代平民的日常衣着，如曲裾、直裾等，并分析其材质、色彩的地域差异和阶层特征。丝绸之路的开通，也为汉代服饰带来了外来文化的影响，本章将探讨这些异域元素如何在汉代服饰中得到融合与创新，例如波斯风格的纹饰、胡服的宽松剪裁等。此外，我们将深入研究汉代服饰的配饰，如玉佩、发簪、腰带等，探讨它们在当时社会中的象征意义和审美价值。通过对汉代壁画、陶俑、传世实物等考古发现的解读，本书将力求还原一个鲜活、立体的汉代服饰世界。 第二章：魏晋风流，飘逸与疏狂 魏晋时期，战乱频仍，却也催生了士人阶层独特的审美趣味。玄学兴起，追求“自然无为”，这种哲学思想深刻地影响了服饰的风格。本章将重点分析魏晋时期服饰的“褒衣博带”之风，探讨其宽松飘逸的剪裁如何体现了士人对自由精神的向往。我们会考察士人阶层流行的“襕衫”和“襦裙”，以及他们对羽毛、纱罗等轻盈材质的偏爱。同时，本章也将关注女性服饰的变化，如窄袖、长裙的流行，以及对发髻、妆容的精致描绘，展现了当时女性的内敛与柔美。我们将通过顾恺之、曹植等名士的诗文，以及相关绘画作品，来解读魏晋时期服饰的审美特质，以及它在文学、艺术领域中的表现。 第三章：南北朝情韵，兼容与变革 南北朝时期，政权更迭频繁，民族大融合成为时代的主旋律。这种多元文化的碰撞，也极大地丰富了当时的服饰文化。本章将分别介绍南朝和北朝服饰的特点，探讨它们之间的相互影响。南朝服饰继承了汉魏的清雅风格，同时融入了江南的灵秀之气。北朝则受到北方游牧民族的影响，服饰更为简洁实用，如裤褶、裲裆等，体现了鲜卑、匈奴等民族的特色。本书将特别关注北魏孝文帝改革对服饰的巨大影响，汉化政策如何推动了服饰的标准化与规范化。我们将通过分析《北史》、《南史》等史籍，以及当时的造像碑、壁画等，展现南北朝服饰兼容并蓄、不断变革的面貌。 第四章：盛唐气象，雍容与华贵 唐朝，是中国历史上一个辉煌的时代，其服饰也达到了前所未有的繁荣与开放。本章将重点描绘唐代服饰的“大气”、“开放”与“多元”。我们将详细介绍唐代帝王、百官的朝服，如通天冠、幞头、圆领袍衫等，分析其形制、色彩的变化，以及象征意义。对于女性服饰，我们将展现其丰富多彩的姿态，从贵族的“襦裙”、“披帛”，到胡服的奔放洒脱，再到曲裾、圆领衫的创新，无不体现了唐代女性自信、开放的精神风貌。本章还将关注唐代服饰的材质、色彩、纹饰的创新，如对锦、绫、罗、纱等精美织物的运用，以及各种吉祥图案、花卉纹样的流行。丝绸之路的鼎盛，使得唐代服饰吸收了来自西域、波斯、中亚等地的时尚元素，如高腰裙、翻领袍、胡帽等。通过对唐代墓葬壁画、陶俑、文献资料的深入研究，本书将勾勒出盛唐服饰的恢宏画卷。 第五章：服饰背后的社会文化密码 本章将超越单纯的服饰描述，深入挖掘汉唐服饰背后所折射出的社会文化意义。我们将探讨服饰在等级制度、政治权力、宗教信仰、礼仪习俗等方面所扮演的角色。例如，不同场合、不同身份的人如何通过服饰来彰显地位、表达情感。服饰的色彩、纹饰如何承载着人们对吉凶、祥瑞的认知。婚姻、祭祀、宴饮等重要仪式中，服饰又是如何被赋予特定的意义。此外，本书还将探讨汉唐时期人们的审美观，以及这种审美观如何在服饰设计中得到体现。从汉代的古朴庄重，到魏晋的飘逸洒脱，再到唐代的雍容华贵，审美趣味的演变，也反映了社会思潮的变化。 结语：千年回响，审美永恒 本书旨在通过对汉唐服饰的系统梳理和深入解读，让读者不仅能欣赏到古代服饰的艺术之美，更能体会到其背后所承载的深厚历史文化底蕴。汉唐服饰，作为中华文明的瑰宝，至今仍对当代设计产生着启示，其所代表的审美精神，也将在历史的长河中不断回响，展现出永恒的魅力。

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我对这本书的内容脉络和叙事逻辑感到非常佩服，作者显然是下了苦功夫去梳理那些跨越数千年的审美变迁的。它不是简单地罗列不同朝代的代表性人物形象，而是巧妙地将这些形象置于其社会、思想和技术背景之下进行剖析。比如，探讨魏晋风度时，它不仅描述了士大夫飘逸的服饰和清癯的面容，更深入挖掘了玄学思想对这种“超然物外”造型追求的内在驱动力。这种深度的关联性分析，使得每一个造型元素都不再是孤立的美学符号，而是成为了特定历史阶段集体精神状态的缩影。特别是对不同地域风格的对比论述，处理得极其细腻，避免了那种“一刀切”的概括，而是细致入微地展现了南北、宫廷与民间在人物刻画上的差异性与相互影响，读完后感觉对中国古代的人物艺术有了更立体、更具层次感的认识。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种复古的墨香与现代的留白结合得恰到好处，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是下了功夫的精品。内页纸张的质感也相当出色，即便是高清晰度的图版印制出来，细节依然纤毫毕现，尤其是那些古代壁画和雕塑的局部特写，那种石材的肌理感和颜料的晕染效果，仿佛触手可及。我特别欣赏它在排版上的匠心，文字部分的字体选择既保持了学术的严谨性，又不失阅读的舒适度，段落间的留白处理得当，让人在长时间阅读中也不会感到视觉疲劳。而且，它似乎非常注重阅读体验的整体性，装订工艺扎实可靠，书脊的受力点处理得很好，完全不用担心翻开太大力会伤到书。这本书的实体呈现，本身就是对“造型艺术”主题的一种高级致敬，从拿起的瞬间到合上的那一刻，都散发着一种对美的尊重和追求，这在如今很多追求快速流通的出版物中是很难得的体验。

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从阅读体验上来说，这本书更像是一场精心策划的、跨越时空的“造型漫游”，节奏的把握非常得当。它不是那种填鸭式的、让你喘不过气来的学术专著，而是像一位经验丰富的导游，在你需要深入了解某一个时期时，会适时地放慢脚步，提供详尽的解读；而在介绍一系列同类作品时，又会用对比和归纳的方式，帮助读者快速吸收核心信息。它的叙事语言非常灵活，时而庄重典雅，充满历史的厚重感；时而又变得生动活泼，像是在与读者进行一次友好的对话，用现代的视角去解构古老的审美密码。这种张弛有度的叙述策略，让原本可能枯燥的艺术史梳理，变成了一种引人入胜的探索过程，让人忍不住一页接一页地读下去，完全没有中途想搁置的冲动。

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这本书在工具书层面的实用性也令人惊喜。我注意到它在书后附带的索引和参考资料部分做得非常专业，不仅包含了人名、朝代、器物类别的精确检索，更重要的是，它提供了一个清晰的“艺术语汇”对照表。对于非专业出身的读者，那些复杂的古代艺术术语常常是理解的障碍，但这本书通过清晰的解释和配图对照，有效地消弭了这种隔阂。比如，对“褒衣博带”和“褒衣峨冠”在不同时期的细微差别，书中都有配图的细致描摹和对比。这使得它不仅是一部供人阅读和欣赏的读物，更是一本可以随时翻阅、用于查证和学习的案头必备工具书，对于任何想要深入研究中国人物图像学的人来说，它的参考价值是无可替代的。

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这本书的史料挖掘工作量是惊人的，我注意到很多插图和案例的来源标注得非常详尽，很多是首次在如此集中的出版物中露面，或者至少是采用了更高清的翻拍版本。对于一个业余爱好者来说，它提供了一个极佳的窗口，让我得以窥见那些深藏于地方博物馆或偏远石窟中的珍贵图像。更值得称道的是，作者在引用古籍文献来佐证其观点时，展现出了极高的审慎态度，引文出处明确，翻译也尽量贴合原文的语境，这极大地增强了全书的可信度和学术价值。我尤其喜欢它对那些“边缘”艺术形式的关注，比如民间剪纸、戏曲脸谱中的典型造型，这些往往在主流艺术史中被忽略的领域，在这里得到了应有的尊重和分析，拓宽了我对“人物造型”这个概念的理解边界。

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