中国古瓷集珍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文物

作者:

出品人:

页数:205

译者:

出版时间:1997-11

价格:70.00元

装帧:

isbn号码:9787501009329

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好的，这是一本关于中国古代绘画史的著作的简介： --- 《丹青史录：中国绘画艺术的流变与精粹》 作者： [此处可自行填写一位虚构的、有分量的学者姓名，例如：林之渊] 出版社： [此处可填写一家权威的学术出版社，例如：翰墨轩] ISBN： [此处可填写一个虚构的ISBN，例如：978-7-80600-XXXX-X] 字数： 约 60 万字 开本： 16 开 装帧： 精装，内附全彩高清插图数百幅 定价： 480.00 元 --- 内容简介： 跨越千年，溯源丹青之脉络；洞察时代，品鉴笔墨之神韵。 《丹青史录》并非一部简单的断代史或技法汇编，它是一部以宏大叙事和精微考据相结合的、深入探讨中国绘画发展脉络、精神内核及其社会文化语境的通史性巨著。本书旨在打破传统画史的线性叙事窠臼，以“文脉”与“意境”为核心驱动力，系统梳理自史前岩画至近现代转型期近六千年的中国绘画艺术发展历程，力求勾勒出中国艺术家如何通过线条、色彩与留白，构建起独属于东方的宇宙观与审美哲学。 本书的撰写历时近二十载，作者凭借深厚的古文献功底与丰富的文物考察经验，甄选了数以百计的传世杰作，并结合最新的考古发现与艺术史研究成果，对历代画科的兴衰、风格的演变、流派的形成以及重要画家的创作思想进行了全景式的梳理与深入的剖析。 --- 核心章节与研究侧重： 第一卷：先秦至魏晋——笔墨的萌芽与哲学的注入 本卷重点探讨了早期图像的巫术与宗教功能，分析了帛画和壁画的初步成熟。尤其深入剖析了魏晋南北朝时期，玄学思想对绘画“以形写神”理论的奠基作用。对于顾恺之的“传神论”及其对后世文人画的影响，进行了详尽的文献比对与风格论证。内容不仅关注图式的演变，更侧重于士人阶层如何开始将个人情感与哲学思考融入笔端，为中国绘画确立了“非写实”的内在精神导向。 第二卷：隋唐盛世——院体气象与山水画的滥觞 隋唐时期，绘画艺术进入了辉煌的鼎盛期。本卷详细描摹了唐代李思训、吴道子为代表的“院体”风格的程式化与装饰性，并将其与新兴的文人审美趋势进行对比。重点研究了山水画的独立地位的确立——荆浩、关仝等北方山水画派的出现，如何将自然景观从背景提升为主体精神的载体。此外，还特辟章节探讨了敦煌壁画在佛教图像学、叙事性绘画和色彩应用上的卓越贡献。 第三卷：五代两宋——山水诗化与院体精工的巅峰对决 宋代是中国绘画史上最为复杂而精妙的阶段。本书将宋代绘画区分为南宋院体的精细入微与文人画的写意追求两大主线。在院体部分，重点剖析了郭熙“可观、可游、可居”的三远法理论，以及其对空间处理的革命性意义。在文人画方面，则详尽阐述了苏轼“论画以形似，见与 শিশু 不类”的哲学高度，以及米芾父子的“墨戏”如何将笔墨技巧提升至纯粹的抒情高度。对花鸟画的写生精神与院体规范，亦有细致入微的描摹。 第四卷：元代——笔墨革命与文人画的独立宣言 元代是文人画彻底脱离宫廷体制，成为主流艺术精神的关键时期。本书聚焦“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙，分析了他们如何通过对笔墨语言的极致探索，将“书入画”推向高潮，使绘画成为个体精神自证的工具。特别对倪瓒的“有笔有墨无所谓，萧疏荒寒则有之”的极简美学，进行了深入的当代诠释。 第五卷：明清——流派纷呈与传统的回响 明代中叶，江南士人与“吴门画派”的复古倾向，与“浙派”的院体遗风形成张力。本书详细梳理了董其昌对“南北宗论”的构建，及其对后世文人画评判体系的深远影响。清代部分，则着重探讨了“四王”对元明传统的集大成与程式化，以及以石涛、八大山人为代表的“新变派”如何以颠覆性的笔墨语言，对僵化的传统发出了强烈的个人化挑战。 第六卷：近现代的转折——“中西拉锯”下的审美重塑 本卷关注晚清至民国时期，在西方现代思潮冲击下，中国绘画所经历的阵痛与转型。从“海派”的融合创新，到“岭南画派”的写实精神，再到齐白石、张大千等大家在继承传统基础上的个人开拓，揭示了中国画如何在一个全球化的语境下，重新定位其审美价值与时代意义。 --- 本书的独特价值： 1. 重构叙事框架： 本书摒弃了单纯的朝代更迭叙事，将绘画的发展视为中国哲学、文学、社会结构变迁的视觉投射，强调“画中有诗，诗中有画”的内在关联。 2. 精选实例分析： 每一重要阶段和流派的论述，均紧密围绕若干件标志性作品展开深度个案分析，结合对原作笔墨痕迹、用纸用绢的细致观察，使理论阐述更具物证支撑。 3. 跨学科视野： 融合了文物保护学、文献学、宗教学与社会学视角，力求为读者提供一个多维度、立体化的古代绘画图景。 《丹青史录》是艺术史研究者、专业院校师生以及所有热爱中国传统文化的深度阅读者的必备参考书。它不仅是一部知识的宝库，更是一次对中国文人心灵世界的深度精神漫游。读者将从中领悟到，中国绘画的伟大，不在于其形似，而在于其用简练的笔墨，承载了千年的文化重量与对天地万物的深沉思考。 ---

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从纯粹的版式设计和视觉体验的角度来看，《中国古瓷集珍》的排版布局堪称典范。在信息密度极高的艺术类书籍中，清晰的留白和合理的图文对应至关重要。这本书的版式设计充分体现了这一点。每一件重点介绍的器物，其配图都占据了跨页的显著位置，确保了观众能够清晰地观察到釉面的质地、器型的弧度以及装饰的细节。更令人称赞的是，它在文字描述中对器物尺寸的标注非常精确，并且经常在脚注中标注出该器物目前所藏的博物馆或机构名称，这为日后进行深度学术追踪提供了极大的便利。我特别喜欢它在介绍特定主题系列时（比如对“斗彩”从诞生到成熟的脉络梳理）所采用的模块化布局，使得复杂的技术演变路径一目了然，完全没有一般画册那种视觉上的压迫感。整体感觉是，设计者深谙如何用视觉语言辅助复杂的历史叙事，阅读过程是一种享受，而不是负担。

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说实话，我原本以为这本《中国古瓷集珍》会是那种枯燥乏味的教科书式叙述，充满了晦涩难懂的专业术语，毕竟“集珍”二字听起来就带着一种高高在上的姿态。然而，这本书的行文风格却出乎意料地平易近人，更像是一位经验老到的鉴赏家在向老友娓娓道来他毕生所学。作者似乎非常懂得如何平衡学术深度与阅读乐趣。在描述那些气势磅礴的官窑大器时，他没有陷入技术参数的泥潭，而是着重描绘了瓷器所承载的时代精神——比如宣德青花所体现的大明王朝的自信与开放。他运用了许多生动的比喻，将那些冰冷的瓷片赋予了鲜活的生命力。例如，他形容某些宋代哥窑的开片犹如“冰雪初融，暗香浮动”，这种文学性的语言处理，极大地降低了普通爱好者进入陶瓷艺术殿堂的门槛。这本书的魅力在于，它成功地架起了一座桥梁，连接了严谨的考古发现和大众对美的直观感受，让即便是初次接触瓷器收藏的人，也能迅速被那些穿越时空而来的美所吸引。

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作为一名业余的古籍修复师，我对书籍的装帧和资料的详实程度有着近乎苛刻的要求，而《中国古瓷集珍》在这方面展现出了惊人的专业水准。我关注的重点往往在于器物断代和纹饰的细微差别，比如对不同时期龙纹的“五爪”和“四爪”的界定，以及海水江崖纹中“浪花”的形态变化。这本书在这类细节上的呈现，远超我预期的参考书级别。它似乎集合了多位考古学家的最新研究成果，其中关于明代早期官窑款识的对比分析，我发现了几处与我手中旧拓本略有出入但更符合逻辑的新观点，这让我对一些疑难器物的断代有了新的考证方向。更值得称道的是，它对宫廷旧藏和重要私人收藏的器物流传脉络进行了梳理，这对于理解一件瓷器的“生命周期”至关重要。虽然我没有深入研究它提到的那些清宫旧藏的珐琅彩细节，但这种对“物”的历史的尊重和记录，极大地提升了这本书的学术价值。它不是简单的图录，而是一部严谨的、基于实物考证的陶瓷史学著作。

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我对于研究古代的贸易路线和外销瓷的传播有着浓厚的兴趣，尤其是那些经由海上丝绸之路远播海外的瓷器，它们如何影响了当地的审美和烧造技术。这本书虽然主题是“集珍”，但对景德镇之外的区域性窑口，如龙泉、德化，乃至越南和日本的仿制情况，都有相当篇幅的介绍。这让我看到了中国瓷器在国际交流中的核心地位。书中收录的几张不同时期外销瓷的对比图，清晰地展示了欧洲市场对特定器型和纹饰的需求是如何反向影响国内生产的。比如，它提到了早期荷兰东印度公司对中国“青花大盘”的订单偏好，以及这些订单如何推动了景德镇的快速扩张和标准化生产。对我来说，这些章节提供了宝贵的案例，证明了陶瓷艺术绝非孤立存在，而是深度嵌入到全球经济和文化互动的网络之中。这本书的广度和深度，使得它不仅仅是一本关于中国本土瓷器的图册，更是一部展现古代全球化贸易侧面的精彩读物。

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这部《中国古瓷集珍》着实让人眼前一亮，虽然我主要关注的是宋代定窑的白瓷烧制工艺，这本书的内容却让我对整个中国陶瓷史有了更宏大、更系统的认知。它并没有沉溺于某一特定窑口的细节，而是像一幅徐徐展开的宏伟画卷，从新石器时代的彩陶过渡到唐三彩的绚烂，再到元青花的恢弘气势，最后落脚于清康雍乾盛世的精雕细琢。我特别欣赏作者在论述不同历史时期瓷器风格演变时所采用的对比手法。比如，它将宋代婉约、含蓄的审美情趣，与明永乐甜白釉那种温润如玉的质感进行了深入的剖析，指出这种审美取向的背后是中国社会思潮的变迁。书中对于不同时期釉料配方的探讨虽然是宏观的，但其对胎土选择和烧成温度的概括性总结，为我理解定窑白瓷的“泪痕”和“覆烧法”提供了极佳的横向参考坐标。尤其是关于青花料的演变，从早期的苏麻离青到后期国产料的稳定使用，那种技术迭代的脉络清晰可见，这不仅仅是艺术史，更是一部材料科学史的缩影。全书的图片选择也非常考究，即便不是高清大图，其对器物线条和釉面光泽的捕捉也十分到位，让人即使只是翻阅，也能感受到古人匠心的温度。

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深入浅出，一句废话没有。装帧印刷也精良，当入门教材，好。

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