电视节目编辑与制作技术

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出版者:广播电视
作者:杨盈昀
出品人:
页数:284
译者:
出版时间:2005-1
价格:35.00元
装帧:
isbn号码:9787504344991
丛书系列:
图书标签:
  • 影像类书籍
  • 电视制作
  • 节目编辑
  • 后期制作
  • 视频编辑
  • 广播电视
  • 媒体技术
  • 视听语言
  • 剪辑技巧
  • 制作流程
  • 电视节目
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具体描述

本书为“广播影视工程技术人员实用教材”之一,主要用于我国广播影视系统在职工程技术人员培训,也可作为相关专业大学本科生及大专学生、远程教育学生的专业参考书,本书内容分三部分。

  第一部分(即第1篇)是基础理论篇,共3章。主要介绍了电视编辑与节目制作技术的发展情况,基本分类及相关的特点,线性编辑,非线性编辑和非线性网络、视频切换台、数字特技的基本概念和工作原理,以及演播室节目制作系统、电子现场节目制作系统、数字特技的基本概念和原理,以及演播室节目制作系统、电子现场节目制作系统,高清晰度电视制作系统、虚拟演播室制作系统的构成与特点。

  第二部分(即第2篇)是实用技术篇,共5章。由于电视编辑与节目制作实践性较强。因此在本书中这部分内容占了较大的篇幅。电视节目制作过程包括艺术创作和技术处理两个部分。

  第三部分(即第3篇)是指标测量篇,主要介绍了与数字电视节目制作系统有关的图像、矢量和波形监测测量的调整原理和具体的调试方法,还讨论了数字图像质量的主观评价和客观测量方法。

本书在编写过程中,力求做到概念清楚、内容新颖,实用性强的原则。为帮助读者复习巩固所学的知识,每章后面均给出了思考与练习题。

《声影织梦:影视后期剪辑的艺术与实践》 这是一本关于影视后期制作的深度探索。它并非一本简单的操作指南,而是着眼于剪辑在影视创作流程中的核心地位,以及它如何将零散的素材塑造成引人入胜的叙事。本书将带领读者一同揭开影像背后无形的“魔术”,理解剪辑师如何凭借其敏锐的感知和精湛的技术,赋予镜头以生命,构建起情感的桥梁,引领观众的情绪起伏。 本书开篇,我们将首先深入探讨剪辑的理论基石。这不是枯燥的理论堆砌,而是通过对经典电影和现代优秀作品的案例分析,阐述蒙太奇的演变及其在不同叙事风格中的应用。我们会追溯光影艺术的源头,理解线性叙事、非线性叙事、意识流等多种叙事手法的剪辑逻辑。重点在于,剪辑不仅仅是画面的拼接,更是意义的创造,是空间和时间的重塑。我们将探讨如何通过节奏的掌控,制造悬念,营造氛围,以及如何利用转场技巧,实现流畅自然的过渡,避免突兀感。 接着,本书将进入剪辑的软件工具与工作流程。但请注意,本书并非对某一款剪辑软件进行详尽的菜单式介绍。相反,它会引导读者理解不同软件的设计理念和核心功能,帮助读者建立起一套适用于自己工作习惯的高效工作流程。我们将讨论素材的整理、导入、粗剪、精剪、调色、混音等各个环节的关键点,并提供一些行业内广泛采用的优化技巧,以提高制作效率和作品质量。本书将强调,工具只是手段,真正的核心在于剪辑师对影像语言的理解和运用。 本书的另一重要篇章将聚焦于剪辑中的叙事与情感构建。这里将是本书最富灵魂的部分。我们将详细分析如何通过画面的选择、顺序、长短以及声音的配合,来塑造人物性格,推进故事发展,引发观众共情。我们会探讨镜头语言的心理学效应,例如特写如何放大人物情感,远景如何展现宏大场景,以及视角的切换如何影响观众的代入感。本书会深入讲解如何运用声音元素,包括配乐、音效和对白,来烘托情绪,暗示潜台词,甚至成为叙事的重要组成部分。我们会探讨如何通过声音与画面的精准配合,创造出令人难忘的视听体验。 此外,本书还将特别关注特殊类型的剪辑实践。例如,纪录片剪辑的真实性与客观性平衡,广告短片剪辑的快节奏与创意表达,以及音乐录影带剪辑的视听律动感。每一类影片都有其独特的剪辑规律和挑战,本书将通过实例分析,揭示其中的奥秘。 在后期流程中的协作与沟通方面,本书也会有所阐述。理解与其他部门(如导演、摄影、声音设计师)的有效沟通,以及如何接受和处理反馈,对于剪辑师至关重要。本书将提供一些实用建议,帮助剪辑师更好地融入团队,实现创作共识。 最后,本书不会止步于现有的技术和理论。它将鼓励读者保持对行业前沿的关注,思考新技术(如AI辅助剪辑)对未来影视制作可能带来的影响,并引导读者不断学习和探索,提升自己的艺术视野和技术能力。 总而言之,《声影织梦:影视后期剪辑的艺术与实践》是一次对电影剪辑艺术的全面解读,它旨在培养读者成为一名具有深度思考能力和精湛技艺的影像创作者。它不是一次性的知识灌输,而是一次激发潜能、点燃创意的旅程,引导你用镜头说话,用剪辑编织出触动人心的故事。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的封面设计得非常吸引人,那种复古的电视机图案配上现代感的字体,一下子就抓住了我的眼球。我一直对幕后制作很感兴趣,尤其是在这个流媒体内容爆炸的时代,了解一个节目是如何从概念走向荧屏的流程变得尤为重要。拿到书后,我迫不及待地翻阅了目录,发现它涵盖了从脚本构思到后期剪辑的方方面面。特别是关于“视觉叙事”的那一章,作者用了很多生动的案例来解释如何通过镜头语言来推动剧情,这对我这个业余视频爱好者来说,简直是打开了新世界的大门。书中对不同类型节目的特点分析得很到位,比如情景喜剧的节奏把控和纪录片的素材选择策略,对比鲜明,学到了不少实用的技巧。而且,作者的文笔流畅,没有那种枯燥的技术手册感,读起来非常轻松愉快,让人感觉就像是在听一位经验丰富的同行在娓娓道来他的心路历程。我尤其欣赏它在技术细节和艺术表达之间找到了一个绝佳的平衡点。

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我曾尝试阅读过几本关于电视制作的入门书籍,但往往读到一半就会因为术语太多、解释不清而放弃。这本书在这方面做得非常出色,它的语言风格就像一位耐心的导师,总能在引入新概念时,先用一个生活中常见的例子来类比,帮助读者迅速建立直观认知。例如,它解释“场面调度”时,将其比作指挥一场交响乐团,使得原本抽象的调度概念变得具象化。此外,书中对“声音设计”的重视程度也超出了我的预期,很多同类书籍往往草草带过,但这里用了整整一个章节来细致讲解如何利用音效和音乐烘托气氛,甚至讨论了不同混音标准对最终成品的影响。这种对细节的执着,体现了作者对“好节目”的极致追求,让人读后受益匪浅,立刻想拿起设备去实践一番。

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这本书的装帧质量一流,纸张手感扎实,印刷清晰,即便是那些复杂的图表和示意图也能看得一清二楚,长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。内容上,这本书的广度令人印象深刻。它不仅仅局限于传统的线性叙事节目,还涉及到了互动式内容和虚拟现实体验的制作流程。我一直认为,未来的媒体制作一定会更加注重观众的参与感,而这本书恰恰捕捉到了这一前沿趋势。它对新兴技术(比如AI在素材管理中的应用)的探讨虽然没有深入到代码层面,但为我们这些非技术背景的从业者指明了学习的方向。最让我觉得物超所值的是,它穿插了许多“失败案例分析”,作者坦诚地剖析了过去项目中的失误,并总结了教训,这种“反面教材”比纯粹的成功学更具警示和教育意义。

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这本书给我的整体感觉是:它是一本面向未来的指南,同时又深深植根于坚实的行业规范之中。它没有停留在对经典老节目的怀旧,而是不断地拷问“当下观众需要什么”以及“如何用更高效的方式制作出震撼人心的内容”。我尤其欣赏其中关于“跨平台分发策略”的讨论,这在过去是制作环节之外的内容,但现在已成为制作之初就要考虑的要素。作者清晰地阐述了为适应不同播放终端(从影院大屏到手机小屏)而进行的画面比例、色彩校准等技术调整。这本书的结构安排非常巧妙,像是带着读者进行了一次完整的“项目生命周期”巡礼,让你在合上书本时,不仅对流程了然于心,更对整个行业的脉络有了宏观的把握,绝对值得所有想进入或正在这个领域深耕的人仔细研读。

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说实话,我买这本书是抱着尝试的心态的,因为市面上很多所谓的“制作指南”要么过于侧重硬件参数的堆砌,要么就是空泛的理论说教,真正能落地的实操建议少之又少。然而,这本读物却给了我一个惊喜。它并没有直接跳到复杂的软件操作层面,而是花了大篇幅去探讨“创意如何落地”这一核心问题。书中关于“预制作规划”的部分,简直可以作为小型团队的SOP(标准作业程序)参考手册。它详细列出了从分镜头草图的绘制规范到预算控制的各个环节,逻辑清晰,步骤明确。我特别记下了一段关于如何在高压环境下保持团队沟通效率的建议,这在实际拍摄中至关重要。更让我感到实用的是,书中对不同预算级别下的制作方案进行了对比分析,让不同经济实力的创作者都能找到适合自己的路径,这体现了作者深厚的行业经验和为读者着想的匠心。

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