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出版者:國家

作者:方祖燊

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:20050101

价格:380.00元

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isbn号码:9789573609100

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• 绘画史
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• 艺术欣赏
• 文化艺术
• 艺术理论

好的，这是一份不包含“西方绘画史”内容的、详细的图书简介，侧重于其他领域： --- 《天工开物：中国古代科技的智慧与实践》 内容简介 《天工开物：中国古代科技的智慧与实践》是一部深入剖析中国传统工农业技术、手工业制造、以及蕴含其中的科学思想的恢宏著作。本书摒弃了单纯的技术罗列，旨在揭示中国古代匠人如何将自然规律与日常实践巧妙结合，构建起一个自给自足且高度精密的物质文明体系。全书结构严谨，内容涵盖了从基础的采矿冶炼到精细的丝织、制瓷、造船等多个关键领域，勾勒出一幅波澜壮阔的古代科技全景图。 第一部分：土木与矿冶——立国之基 本部分聚焦于支撑古代社会运转的基础产业。我们首先探讨了中国古代的建筑哲学，不仅仅是梁柱结构的力学奥秘，更深入分析了风水、环境选址与建筑功能相结合的智慧。从夯土筑城到木构架的榫卯艺术，本书详细解读了古代工程师如何利用有限的材料实现宏伟的结构稳定性与耐久性。 紧接着，我们进入矿物开采与冶炼的世界。中国在早期就掌握了对铜、铁、锡等金属的精炼技术。书中详细介绍了古代的选矿方法、鼓风提纯的技术演变，以及先进的脱硫、合金配比的经验积累。特别值得关注的是，对于古代对特定矿石性质的认知，如何指导了工具的制造和武器的改进，这些经验往往是基于世代相传的试错与观察，而非现代科学的理论推导。我们还将对比分析南北方在冶炼技术上的地域差异，揭示技术传播与地方资源禀赋之间的复杂关系。 第二部分：农耕与水利——生命的脉动 农业是古代中国的核心命脉。本卷着重阐述了中国农耕文明的精深。我们细致考察了二十四节气指导下的耕作体系，以及如何根据不同地貌和气候特点发展出因地制宜的种植模式。从选种、育秧到灌溉施肥，每一步都体现了对生态循环的深刻理解。 水利工程是中国古代治理能力的重要体现。书中不仅描绘了都江堰、郑国渠等宏伟工程的结构布局，更侧重于其运作原理和对区域经济的深远影响。我们探讨了古代的水文观测方法、水车、筒车等提水工具的机械原理，以及在防洪排涝中对泥沙淤积规律的经验性把握。这些技术不仅解决了生存问题，更塑造了中国的社会组织结构和治理形态。 第三部分：纺织与染色——衣被天下 丝绸和棉布的生产是中国古代对外交流的重要商品。本部分将带领读者进入精密的纺织工坊。从蚕的饲养、缫丝取茧的复杂流程，到纺车、织机的结构演变，我们清晰地展现了劳动效率的逐步提升。对于丝绸的提花技术，本书将详细解析古代提花机（如大花楼机）的复杂联动机制，以及这些机械设计中蕴含的早期自动化思想。 染色技术是古代化学的集中体现。本书汇集了丰富的天然染料知识——靛蓝的提取、茜草的固色、矿物颜料的研磨。我们分析了古代匠人如何通过控制煮料的温度、酸碱度以及媒染剂的选择，来实现色彩的稳定与鲜亮。这些经验总结，构成了古代技术手册中的“秘籍”，是经验积累的结晶。 第四部分：陶瓷与制瓷——泥土的升华 陶瓷业是中国对世界文明的伟大贡献之一。本书将追踪中国制瓷技术的漫长演化历程，从新石器时代的陶器到汉代的成熟青瓷，再到唐宋元明清的彩瓷高峰。重点分析了不同时期釉料配方的细微调整如何影响了器物的色泽与质地。 尤其深入探讨了高岭土的发现与应用，以及在龙窑中对温度梯度和气氛控制的精妙掌握，这是实现特定釉色（如钧窑的窑变、汝窑的温润）的关键所在。本书还收录了古代制模、拉坯、修胎等手工技艺的详细描述，使读者能够体会到每一件瓷器背后蕴含的巨大工艺难度和时间成本。 结语：技术传承与思维模式 《天工开物：中国古代科技的智慧与实践》最终试图回答的问题是：支撑这些辉煌技术成就的思维模式是什么？本书强调，中国古代的技术并非孤立的知识点，而是与儒家伦理、道家自然观紧密结合的系统工程。匠人们通过对“理”的体悟，将对自然的观察转化为可重复的物质实践，构建了一种实用、高效、且极具人文关怀的技术传统。本书旨在为当代读者提供一个理解中国古代社会复杂运作机制的独特视角，重温那段依靠双手和智慧创造奇迹的黄金时代。 ---

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这本书的结构安排堪称一绝，它巧妙地避开了西方艺术史上那些人人皆知的“高光时刻”，转而将笔墨聚焦于那些具有颠覆性意义但往往被主流叙事边缘化的时期和人物。我尤其欣赏作者对于“艺术赞助人制度”的深入剖析，他将权力、财富与审美趣味之间的复杂博弈赤裸裸地呈现在读者面前，这让我对许多经典作品的诞生背景有了更深层次的理解，不再仅仅将其视为天才的个人挥洒。比如，通过考察特定家族的艺术收藏偏好，我们可以清晰地看到不同历史阶段的意识形态是如何通过视觉符号进行巩固和传播的。这种社会学视角的介入，让这本书的厚度陡然增加，它不再仅仅关注“画了什么”，而是深入探讨“为什么这样画”以及“为谁而画”。对于希望跳出传统审美框架，从更广阔的文化史角度理解绘画艺术的读者来说，这本书提供了绝佳的参照系和批判性工具。

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我手里捧着的这本书，与其说是一部严肃的艺术史著作，不如说是一部充满了激情与个人洞察的“画廊导览手册”。作者的叙述风格极其跳脱，完全没有传统学院派的刻板和冗长。他似乎更像一个行走在欧洲街头巷尾的诗人，用充满画面感的语言捕捉时代的脉搏。我最欣赏他处理17世纪巴洛克艺术的手法，那种对戏剧张力和情感爆发点的精准捕捉，读起来让人心潮澎湃。当他描述鲁本斯作品中那种肉体的丰盈和生命力的旺盛时，我仿佛能闻到空气中弥漫的油彩和汗水的气味。而当他转向18世纪的洛可可风格时，笔锋又变得轻盈灵动，充满了对贵族享乐主义的讽刺和赞美交织的复杂情感。这本书的排版和配图质量也令人称赞，很多高清复刻图不仅清晰可见，而且作者还会特意标注出一些肉眼难以察觉的笔触细节，这种“显微镜式”的观察角度，极大地提升了阅读体验。它让我明白，艺术史不是死去的历史，而是活生生的、不断与当下对话的文化基因。

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拿起这本书时，我原本期待的是一本提供清晰时间线的参考书，但实际体验却更像是一次充满思辨性的哲学对话。作者似乎对“如何定义绘画”这个问题本身抱有浓厚的兴趣，全书贯穿着对媒介和符号之间关系的追问。特别是在讨论到19世纪末期，随着摄影技术的崛起，绘画如何从“记录现实”的重担中解放出来，转而探索主观感受和纯粹形式的阶段，那种论述的力度和前瞻性令人叹服。他将塞尚的结构重组、梵高的情感投射，乃至立体主义对三维空间的彻底解构，都置于一个更大的“视觉革命”的框架下进行考察。他的文字逻辑严密，论证过程层层递进，很少有夸张或情绪化的表达，但每一个结论都像是经过精密计算后得出的必然结果。这本书非常适合那些已经有一定基础，并渴望进行深度学术思考的读者，它不会给你现成的答案，而是提供一套严密的工具去质疑你已有的认知。

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这本书简直是艺术爱好者的一盏明灯，尤其对于我这种对古典主义和文艺复兴时期的作品情有独钟的人来说。我原本以为自己对达·芬奇、米开朗基罗这些巨匠已经有了一定的了解，但作者深入浅出的分析，让我看到了许多过去忽略的细节。比如，书中对于光影处理的演变，从乔托时代开始，到卡拉瓦乔的“明暗对照法”达到极致，那种光线如何塑造人物内心世界的描绘，简直是教科书级别的阐述。更让我惊喜的是，作者并没有仅仅停留在对名作的罗列和描述上，而是花费了大量篇幅去探讨不同流派背后的社会思潮和哲学背景。读起来丝毫没有枯燥感，反而像是在听一位资深策展人娓娓道来一场跨越千年的视觉盛宴。特别是关于威尼斯画派色彩的运用和佛兰德斯画派对细节的痴迷，那种细腻的笔触和对材质的刻画，被文字描绘得跃然纸上，让人恨不得立刻冲进博物馆去亲眼验证。唯一的小遗憾是，对于后印象派的介绍略显仓促，希望在再版中能有更深入的探讨，毕竟色彩革命是西方艺术史上一个绕不开的里程碑。

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坦白地说，我购买这本书的初衷是想系统梳理一下印象派及其后的发展脉络，然而这本书带给我的惊喜远超预期，它像一把钥匙，开启了我对更早期艺术形态的全新认知。作者在开篇部分对古希腊雕塑到罗马晚期艺术的过渡处理得尤为巧妙，他没有用冰冷的年代划分，而是将“人体再现”这一核心命题的演变过程作为线索，贯穿始终。这种宏大叙事下的小切口，使得那些原本看似遥远的古代艺术突然变得鲜活起来，充满了对理想美和永恒性的追问。阅读过程中，我频繁地停下来，不是因为内容晦涩，而是因为作者的论断常常能引发我强烈的反思，比如他对“何为真实”的探讨，如何随着绘画媒介和科学认知的发展而不断被重塑。这本书的语言风格非常冷静、克制，充满了学者特有的严谨，但这种严谨却内含着巨大的力量，它让你不得不正视艺术史中那些被轻描淡写或忽略的转折点。

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