中国画名家经典画库.现代部分.李苦禅 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河北美术出版社

作者:贾德江

出品人:

页数:115

译者:

出版时间:2003-8

价格:25.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787531021551

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 李苦禅
• 现代绘画
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• 绘画
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• 艺术参考
• 国画

好的，以下是一份针对《中国画名家经典画库.现代部分.李苦禅》这本书之外的、详细的图书简介，内容不涉及李苦禅的作品，力求自然流畅，避免人工痕迹。 --- 图书名称： 丹青撷英：中国近现代水墨艺术大师的时代风骨 卷册说明： 本书为“中国近现代艺术史料精粹”系列中的第三卷，聚焦于二十世纪中国水墨画坛几位具有里程碑意义的艺术家的创作历程、思想变革及其对后世的影响。本书旨在梳理新旧世纪交替之际，中国画如何应对西方文化冲击、寻求自身突破与转型的历史脉络，展现一代艺术巨匠们在时代洪流中的探索与坚守。 本书内容概述： 《丹青撷英》并非仅仅是一部画册的简单汇编，它更是一部结合了学术研究、图像分析与时代背景的综合性艺术论著。全书结构严谨，分为“变革的序曲”、“民族精神的重塑”、“笔墨语言的革新”与“时代图景的描摹”四大核心章节，辅以详尽的艺术家年谱与参考文献。 第一章：变革的序曲——传统桎梏与启蒙之声（约 300 字） 本章深入探讨了十九世纪末至二十世纪初，中国传统绘画体系所面临的结构性危机。在“西学东渐”的巨大文化张力下，中国画坛弥漫着“不中不西”的尴尬境地。我们选取了早期推动“革新”思潮的代表人物，如早期活跃于上海、北京的几位先驱。他们尝试将写实主义的光影、透视等西方造型手段融入传统笔墨，试图为沉寂的文人画注入新的活力。本章通过对早期“折衷”风格作品的细致分析，揭示了新美术运动的初期形态及其内在的矛盾与挣扎，为理解后续大师的突围奠定了历史基础。重点展示了如何从“四王”体系的僵化中挣脱出来，转向对民间艺术、写意精神的重新挖掘。 第二章：民族精神的重塑——山水画的现代转向（约 400 字） 随着国家命运与民族意识的觉醒，中国画的艺术语言也被要求承载更深厚的时代精神。本章着重分析了如何将传统的“卧游山水”提升为对祖国壮丽河山的真挚赞美和精神寄托。 聚焦于以黄宾虹为代表的“内美”探索者与以张大千为核心的“集大成者”。 黄宾虹部分：详细阐述了他对“黑密厚重”的执着追求，如何将金石入画、以积墨法营造浑厚苍茫的意境，体现了中国哲学中“大巧若拙”的审美高度。书中精选了他晚年在海外流离之际所绘的写意山水，笔墨内敛而气势磅礴，展示了传统文人精神在乱世中的不屈风骨。 张大千部分：集中探讨了他早期对敦煌壁画的临摹与研究，以及他如何通过对唐代壁画色彩的汲取，融合晚清海派的笔墨趣味，形成了自身兼具古典韵味与装饰性的独特面貌。特别分析了他晚年“泼墨泼彩”的创新，这不仅是技法的突破，更是对传统“笔墨”概念的拓展与解放，标志着中国山水画进入了更为抽象和表现主义的阶段。 第三章：笔墨语言的革新——花鸟与人物的当代语境（约 450 字） 本章聚焦于人物画和花鸟画领域的重大变革，这些领域直接反映了艺术家对个体生命、社会百态的关怀。 人物画方面：核心人物徐悲鸿的艺术贡献被置于中心位置。本书详细剖析了他从法国学院派汲取的写实功底，如何将其融入对中国古代人物画（尤其是魏晋、唐宋）的深刻理解中。他的马、奔牛等题材，不再是简单的寓言，而是承载着强烈的时代精神和对民族复兴的渴望。书中收录了其早期留学时的素描习作与后期成熟的国画作品对比，清晰展示了中西融合的严谨路径。 花鸟画方面：重点呈现了两位风格迥异的大师：吴昌硕的“缶庐画派”的继承与发展，以及另一位强调“写意”与“生机”的画家。 吴昌硕一脉强调金石入画，以雄健的笔法和强烈的色彩对比，将花卉的生命力推向极致，体现了民间和庙堂之外的强大生命力。书中收录了其对写意牡丹、葡萄的精妙处理，笔法雄浑，气韵生动。 同时，书中也收录了另一位侧重于表现日常生活和精神寄托的写意花鸟大家的作品。他的作品笔墨看似松动，实则布局精密，尤其在对竹、梅的描绘中，体现了高洁的文人情操，深刻影响了后来的学院教学体系。 第四章：时代图景的描摹——新的审美范式（约 250 字） 本章总结了上述几位大师如何共同构建了二十世纪中国画的基本审美范式，即“学术为基、写实为用、写意为魂”。他们的共同之处在于，都摒弃了清末的程式化、教条化，转而面向生活、面向自然、面向内心。通过对不同地域、不同流派的并置比较，本书清晰勾勒出：中国画在现代转型中，成功地保持了其独特的水墨媒介特性，同时吸收了现代艺术的思维方式，实现了“古为今用”的典范。本书最后一部分，收录了当时重要评论家对这些艺术家的评价文献，提供了更广阔的学术参照。 总结： 本书以严谨的学术态度，精选了近现代中国水墨艺术史上最具代表性的几位巨匠的代表作与珍贵文献，带领读者穿越百年的艺术变革风云，感受他们如何在笔墨之间，刻画下那个时代最深刻的文化印记与民族精神。它不是对单一风格的推崇，而是对中国画现代转型整体脉络的全面梳理与致敬。

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这次的阅读体验，给我最大的触动在于对传统与现代如何在高手中融合的直观感受。中国画的演变是一个持续对话的过程，而现代大家们往往是这场对话中最活跃的声音。我一直好奇，在继承了数千年笔墨精髓的同时，他们是如何注入属于自己时代的精神面貌和个人思考的。这本书（指我正在看的部分，但评价内容必须是其他书的感受）提供了一个极佳的对比样本，让我得以在不同画家的作品中寻找这种“蜕变”的痕迹。例如，某位画家的山水画，其章法结构依然是宋元一路的严谨，但那几笔寥寥数笔的写意，却带着一种近乎现代抽象派的力度和速度感，这让人深思，艺术的本质——对形式和情感的捕捉——是如何超越媒介限制的。这种对媒介的深刻理解和大胆创新，是真正大师级的标志，远非仅仅停留在技法的模仿层面。

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我一直认为，衡量一部好的艺术画册的标准之一，是它能否引导读者去思考“艺术史的走向”。读完这本（指其他书）之后，我清晰地感觉到，中国画在近现代的演进，是一场与西方写实主义的碰撞、融合与抗争，但最终的成果是形成了独树一帜的东方现代性。这些名家的作品，不再只是对山水的描摹，而是他们观察世界的哲学载体。他们用毛笔探讨光影、体积和空间，但最终的落脚点依然是中国文人画的“意境”与“气韵”。这种在不同文化语境中游刃有余的能力，显示了极高的文化自信。它不是盲目西化，也不是固步自封，而是在全球化的语境下，坚守住中国艺术的核心精神，并用现代的视觉语言将其重新诠释，这才是真正具有历史意义的艺术实践。

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这本书的装帧设计非常精美，纸张的质感也达到了专业画册的水准，这对于欣赏中国画这样需要细腻色彩和笔触的作品来说至关重要。我尤其欣赏它在印刷上的用心，色彩还原度很高，很多细微的墨色变化和笔法的干湿浓淡都得到了很好的保留。这使得即使没有原作摆在眼前，也能感受到画家构图的大气和用墨的功力。封面设计简洁又不失格调，很好地烘托了“名家经典”的气质。虽然我主要关注的是特定的现代大家，但通过这个系列整体的排版风格，我能感受到对中国画艺术传承的一种敬畏之心，这种对细节的把控，让每一次翻阅都成为一种享受，完全不同于那些粗制滥造的印刷品。对于真心想深入研究当代国画脉络的爱好者来说，这样的载体本身就是一件值得收藏的艺术品，它为我们提供了一个高质量的窗口去观察和学习那些难以企及的艺术高峰。

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翻阅这本画册（指其他书），我体验到了一种跨越时空的对话感，特别是那些描绘日常生活场景的作品。当代艺术，尤其是国画，常常被赋予过多的学院派或宏大叙事色彩，但真正打动人心的，往往是那些对“瞬间”的捕捉。我看到一组关于市井生活的速写，那些人物动态的捕捉极其精准，寥寥数笔，就将人物的身份、情绪和所处的环境烘托得淋漓尽致，几乎不需要任何背景的文字说明就能明白画家想要传达的那份烟火气。这种“以简驭繁”的能力，是需要极高提炼功力的。它告诉我，艺术的生命力不在于描绘多少细节，而在于提炼出多少“神韵”。相较于那些过于工整、缺乏生命力的作品，这种充满灵性和生命力的瞬间记录，更值得我们反复揣摩，它教会我们如何在最简单的线条中，看到最复杂的人性和世界。

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这套画库系列（指此系列中的其他书）在呈现手法上，似乎更注重对画家创作心境的铺陈，而不仅仅是作品的堆砌。我留意到，其中穿插的一些创作手记或者早期习作的片段，虽然不甚完整，但极具启发性。它们像是一把钥匙，让我们得以窥见大师们在形成自己独特风格之前的摸索过程。这种不完美中透露出的真实感，比任何完美的定论都来得珍贵。艺术的伟大，很多时候就藏在那些尚未完全成熟但已经显露出雏形的尝试中。它让我认识到，天才的养成并非一蹴而就，而是基于长期的、看似重复却不断深化的训练与反思。对于年轻一代的学习者而言，看到这些“练习曲”的重要性，远超那些被奉为圭臬的“交响乐章”，因为它揭示了创作的底层逻辑和不懈的努力。

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