中国京剧史（下） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国戏剧出版社

作者:鸣 迟

出品人:

页数:1492

译者:

出版时间:2000-4

价格:138.00元

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787104012689

丛书系列:

图书标签:

• 京剧
• 戏曲
• 中国戏曲
• 历史
• 文化
• 艺术
• 表演艺术
• 戏曲史
• 中国文化
• 传统艺术

好的，这里为您提供一个关于中国京剧史研究的图书简介，该书并非《中国京剧史（下）》，而是聚焦于京剧艺术在特定历史时期与文化语境下的发展脉络。 --- 《梨园新声：民国时期京剧的传承与转型》 图书简介 《梨园新声：民国时期京剧的传承与转型》深入剖析了自清末民初至抗日战争胜利这一关键历史阶段，中国京剧艺术所经历的深刻变革与复杂演变。本书旨在超越传统戏曲史中对“流派纷争”或“名家传记”的简单罗列，转而聚焦于社会结构变迁、都市文化兴起、商业资本介入以及现代思潮冲击下，作为“国剧”的京剧如何在传统与现代之间艰难而富有创造性地寻求新的生命力。 第一部分：时代的序曲——晚清遗绪与民初重塑（约1900-1920年） 本书首先描摹了二十世纪初京剧所处的文化生态。清廷覆灭带来的政治真空，使得原先依赖宫廷支持的戏曲界陷入迷茫。然而，都市的崛起，尤其是上海、天津等地的商业繁荣，为京剧提供了新的舞台和赞助人。我们详细考察了“四大名旦”出现前的老生、花脸等行的发展态块，如杨小楼对武生的革新，以及徐碧云、言菊朋等人在文武场面融合中的尝试。 重点研究了剧目改编的初探。在思想解放的大潮中，传统戏中的封建道德观念开始受到质疑，部分戏班尝试排演新编历史剧或融入民间故事元素，以贴近日益觉醒的市民阶层审美趣味。通过对当时报刊评论、戏单存证的梳理，本书试图还原京剧在这一转型期的最初形态。 第二部分：名家时代与审美定型（约1920-1937年） 这是京剧艺术成熟与“标准”被确立的时期，也是“四大名旦”光芒万丈的时代。本书并未止步于对梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生的艺术成就的简单赞颂，而是将其置于更广阔的文化背景下进行考察。 梅派的国际化与民族精神的建构： 我们分析了梅兰芳如何通过赴日、赴美演出，将京剧塑造成一种具有世界意义的东方美学符号。特别探讨了《贵妃醉酒》《霸王别姬》等剧目中，如何通过精心的服装、布景和唱腔设计，实现对传统审美的提炼和超越，使其既能被西方现代主义审美所理解，又不失中国传统韵味。 程派的“悲剧意识”与现代情感： 程砚秋的艺术探索被置于知识分子群体中对社会不公和个人命运的深沉反思之中。程派的“水袖功”与“以腔带唱”的特色，被解读为一种对压抑情感的艺术化表达。 尚派的“刚健”与“侠骨”： 尚小云的艺术风格，尤其是其对武旦和花旦的融合，反映了民国时期对女性角色中“刚毅”一面表达的需求，是对传统闺门旦柔弱形象的有力补充。 荀派的“灵动”与“市井”趣味： 荀慧生的艺术，则深刻地连接了剧场与普通市民的生活经验，其对“小花旦”形象的塑造，体现了都市平民文化的活力。 此外，本书还详述了“四大名丑”如“两张（金兆麟、张一贴）”的唱念做打如何推动了丑角的程式化发展，以及老生行当在马连良等人的手中如何实现了“改良京剧”的阶段性成果。 第三部分：商业资本、媒体影响与剧场生态（约1920-1937年） 京剧从棚户间的“野台子”走入都市的“大剧场”，离不开资本的运作和大众传媒的推波助澜。 剧场的现代化： 本章细致考察了吉祥、中和、中山等著名剧场的运营模式，探讨了戏院经理人、票友会组织在促成名家合作、稳定演出市场中的关键作用。 唱片与广播的媒介革命： 京剧首次通过留声机唱片和无线电广播，实现了艺术的“去地域化”和“可复制性”。我们研究了早期京剧唱片的录制技术如何影响了演员的演唱习惯，以及广播如何将京剧带入寻常百姓家，但也带来了演唱风格趋同化的风险。 票友群体的崛起： 票友不再是单纯的戏迷，而是成为剧团重要的经济支撑和文化品味决定者。本书分析了票友沙龙在保存和推广经典剧目、塑造名家声誉中的隐性权力。 第四部分：战火中的坚守与流变（约1937-1945年） 抗日战争的爆发，对京剧界造成了前所未有的分裂与挑战。本书分地域探讨了这一时期的京剧命运。 沦陷区的“求存”： 在沦陷的北平、上海，部分艺术家为生计或政治立场考量，继续演出。我们考察了他们在政治高压下如何通过“打哑谜”式的唱腔、选择“安全”的剧目来规避风险，以及一些艺术家利用舞台进行暗中抗争的案例。 后方的“重建”与“改革”： 在重庆、西安等大后方城市，京剧艺术家们积极响应国民政府“改革国剧”的号召，推动了新编历史剧和时事剧的创作。例如，通过对《汾河湾》等剧目的改编，注入抗战主题，这既是艺术的创新，也是文化民族主义的体现。 结语：转型期的遗产 本书最后总结了民国时期京剧在艺术程式、管理体制和审美趣味上留给后世的遗产。这场转型期塑造了我们今天所熟悉的京剧的“标准范式”，同时也留下了诸多尚未完全解决的艺术张力——传统程式的僵化与现代叙事的需求之间的矛盾，在这一时期便已初露端倪。 《梨园新声》力求以严谨的史料考证、细腻的文本分析和广阔的文化视野，为研究者和戏曲爱好者提供一个理解京剧现代性开端的全新视角。

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当我合上这本书时，感觉仿佛经历了一场漫长而精彩的戏曲盛宴。这本书最大的特点是它的“全景式”梳理，它没有偏废任何一个方面，无论是对老生韵味的研究，青衣的水袖功法，还是对剧本创作的演变，都有详尽的论述。我个人对书中关于“武旦”艺术发展脉络的梳理非常感兴趣，作者用了不少篇幅来探讨不同时期武旦对“巾帼英雄”形象的塑造是如何适应时代审美的，这种对性别角色在舞台上变迁的关注，体现了作者极高的敏感度和研究深度。全书行文老练，逻辑严密，用词考究而不失通俗。它让我意识到，京剧的发展从来不是一帆风顺的，它是在不断的自我革新和与外界的碰撞中才锤炼出今日的辉煌。这本书读起来，就像是跟随一位博学多才的“戏痴”进行了一次深度游学，它不仅教授了知识，更重要的是点燃了对传统艺术的敬畏与热爱。

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这本书的结构安排堪称精妙，它不是简单的时间线索梳理，更像是一张层层递进的艺术网络图谱。我尤其欣赏作者在分析不同历史阶段时，如何巧妙地穿插进“海外传播”的案例。这使得京剧的形象不再仅仅局限于北京或上海的舞台，而是被置于一个全球化的文化交流背景下去审视。这种国际视野的引入，极大地拓宽了读者对京剧影响力的认知。书中对特定历史时期（比如抗战时期）京剧团如何艰难求生、如何用艺术形式表达民族情感的描写，写得极其感人，充满了力量。它没有停留在对艺术形式的赞美上，而是探讨了艺术如何在极端环境下保持其精神内核的韧性。唯一的遗憾是，可能受限于史料的完整性，对于某些具体演出细节的记录略显模糊，但瑕不掩瑜，总体而言，这是一部极具批判性思维和人文关怀的鸿篇巨制，是研究中国近现代戏曲艺术不可绕过的一座丰碑。

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读完这本巨著，我只有一个感觉：酣畅淋漓，但又意犹未尽。这本书的叙事节奏把握得极好，绝不像很多学术著作那样枯燥乏味。作者似乎深谙“讲故事”的魅力。比如，它描述梨园行内的规矩、师徒传承中的矛盾冲突，甚至是一些光环背后的辛酸秘闻，都写得绘声绘色，引人入胜。其中关于“武戏”的章节，我看得热血沸腾，那些对翻跟头、亮相、功架细节的描摹，让我仿佛能闻到那股子冲劲。相比于一些着重于“唱腔”和“板式”分析的理论书籍，这本书的视野更为开阔，它将京剧视为一个活态的、不断呼吸的有机体来研究，关注它的舞台呈现、观众反响乃至市场接受度。特别是对一些著名丑角的刻画，那种“以小见大，以丑寓美”的哲学深度被挖掘得淋漓尽致，让我对京剧的包容性和深刻性有了全新的认识。这本书无疑是一部扎实的“史书”，但它的笔触却充满了文学性和人情味。

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咳，说实话，这本书的厚度一开始就让我有点望而生畏，拿到手里沉甸甸的，内容更是像一座需要耐心攀登的高峰。我是一个对京剧历史抱有浓厚兴趣的业余爱好者，希望能找到一本既有学术深度又不失可读性的著作。这本书显然在这方面做得相当出色，但“出色”往往伴随着高强度的信息输入。书中对后期京剧改革运动的论述尤其让我印象深刻，那段历史背景复杂，牵涉到社会思潮、政治环境乃至剧团管理的方方面面，作者的处理显得极其冷静和客观，没有陷入意识形态的窠臼，而是专注于艺术本体的演变。然而，坦率地说，对于初学者来说，其中穿插的大量专业术语和历史典故，偶尔会让人感到吃力，需要反复查阅才能理清脉络。这表明作者的受众定位可能更偏向于有一定基础的专业人士或资深戏迷。尽管如此，当那些复杂的脉络最终在脑海中搭建起来时，那种豁然开朗的成就感，绝对是值得投入的。它不仅仅是一本关于京剧的书，更是一部微缩的中国近现代文化史。

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这部书读下来，感觉就像是走进了一条光怪陆离的艺术长廊，空气中弥漫着脂粉与汗水的味道，耳边是咿呀的唱腔与铿锵的锣鼓点。作者对京剧的理解，绝非是蜻蜓点水般的介绍，而是深入到了骨髓里。我特别欣赏他对流派纷呈时期那种细腻的笔触。比如，解析程砚秋先生的“程派”艺术时，那种“抑扬顿挫，水袖翻飞间尽显凄婉”的描述，简直让我仿佛亲眼目睹了舞台上的情景。他没有简单地罗列名家名段，而是将这些艺术家的命运、性格与他们的表演风格紧密地联系起来，使得每一个人物都活了起来。书中对不同时期剧目的兴衰沉浮也有独到的见解，特别是提到某些经典剧目是如何在历史的变迁中被重新诠释或演绎的，让我对京剧的生命力有了更深一层的认识。阅读过程中，我不时会放下书本，去寻找那些老录音来对照印证，这种沉浸式的体验，是很多艺术史著作难以给予读者的。它更像是一位老伶工坐在你面前，带着满腔热情，娓娓道来他毕生所学与所感，那种真诚与厚重，让人由衷敬佩。

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