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出版者:上海音乐出版社

作者:赵越超

出品人:

页数:197

译者:

出版时间:2001年

价格:20.00

装帧:

isbn号码:9787805539799

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箫声入梦：洞箫演奏技法精解与音乐赏析 作者： [此处留空，或填写与《洞箫实用教程》作者不同的一个假定作者名，例如：李清风] 出版社： [此处留空，或填写一个与原书出版方不同的假定出版社名，例如：雅韵文化] --- 卷首语：竹之低语，心之所向 本书并非市面上常见的入门或进阶教材，它是一部旨在深入剖析洞箫演奏精髓、拓展演奏者音乐视野的深度论著。我们相信，掌握乐器技法固然重要，但对音乐本体的理解、对演奏意境的追求，才是成就一位真正艺术家的关键。本书将引领读者从技术层面暂时抽离，专注于声音的塑造、风格的把握以及作品的内涵挖掘。 第一部：声音的哲学与物理——超越指法与气息的界限 本书开篇不落俗套地探讨了洞箫发声的声学基础。我们详细分析了不同竹材对音色饱和度、泛音结构的影响，并引入了物理声学模型，解析“气流角度”、“吹孔形变”与“共鸣腔体谐振”三者之间复杂的相互作用。 第一章：音色的粒子化构建 本章摒弃了传统教程中对“圆润”、“饱满”等模糊描述，转而从频谱分析的角度解析“良音”的构成。 泛音的雕琢艺术： 深入探讨如何通过微调口型和气流压力，有目的地增强或抑制特定泛音，从而实现从“笛音式尖锐”到“低音提琴般浑厚”的音色跨越。 噪音的净化与利用： 探讨如何有效消除不必要的“嘶声”或“漏气声”，同时，也研究了在特定乐段中，如何审慎地利用微小的气流噪音，来表达如“风声”、“雨滴”等写意元素。 共鸣的激活与控制： 详细解析了口腔、喉部乃至胸腔在声音传递链中的作用。我们提供了多组针对特定音区（高音区穿透力与低音区根基感）的身体反馈练习，这些练习侧重于听觉的内化而非指法的记忆。 第二章：气息的动态张力与表达性 如果说气息是洞箫的生命线，那么本章则聚焦于如何将这条生命线转化为富有情感的“叙事者”。 张力曲线的绘制： 教授读者如何像指挥家控制乐队的力度记号一样，在一条长音或一个乐句中，精确规划出“渐强-保持-渐弱”的气息张力曲线，实现对音乐情绪的微妙操控。 气息的“密度”控制： 区别于力度（响度），“密度”描述的是气息的集中程度。我们通过特定呼吸模式的训练（例如：腹部与膈膜的协同反作用），学习如何让相同响度的声音，听起来“更重”、“更实”或“更虚”、“更轻”。 气门的弹性与响应速度： 探讨了快速的力度变化（如sfz到pp）对气门控制的要求，并对比了不同呼吸肌肉群群在应对极快节奏变化时的生理极限与训练方法。 第二部：演奏风格的流变与地域文化探源 洞箫的历史源远流长，其风格并非铁板一块。本部分致力于梳理不同历史时期、不同流派对洞箫艺术的塑造，帮助演奏者找到自己的风格坐标。 第三章：历史语境中的箫声——从文人雅乐到民间戏曲 古谱的解读困境： 选取数首晚清或民国时期的传统曲目，对比分析不同抄本中的记谱差异，并探讨在缺乏明确演奏指示时，如何依据当时的乐律学背景（如工尺谱的音高系统）进行合理的复原性演奏。 流派的地域渗透： 详细考察了以“江南丝竹”为代表的文人箫派，与以“川派”或“陕西竹乐”为代表的民间箫派在装饰音处理、节奏弹性上的核心差异，并分析了这种差异背后的社会文化因素。 “意境”的符号学分析： 剖析“幽、远、静、淡”等传统美学概念在箫声中的具体实现方式，例如，如何用“留白”（停顿的时值控制）来表达“空灵”。 第四章：现代语境下的跨界对话 本章关注当代洞箫在非传统领域的应用与探索。 室内乐的声部平衡： 针对与弦乐、钢琴等西方乐器合奏的实践，详细讨论了洞箫在声学对位中的定位问题——如何确保箫声在复杂和声背景下既不被淹没，又不喧宾夺主。 即兴创作的结构框架： 提供了一套基于中国传统调式（如羽调式、宫调式）的和声模进思路，帮助演奏者构建具有逻辑性的即兴段落，而非仅仅依赖炫技性的音符堆砌。 电子音乐中的空间处理： 探讨了延迟（Delay）、混响（Reverb）等数字效果器对洞箫声学特性的影响，以及如何利用这些工具来模拟出自然界中不可能实现的巨大演奏空间感。 第三部：演奏者的心性修养与艺术实践 技艺的上限往往由心性决定。本章引导读者将注意力转向内在的专注力、心理状态的调适，以及舞台表现力。 第五章：心手相应：专注力的训练模型 “内听”与“外显”的辩证关系： 讨论演奏者如何平衡对自身声音的主观感知（内听）和听众的客观接收（外显）之间的差异。 舞台焦虑的生理学应对： 介绍基于冥想与运动生理学的放松技巧，旨在将演出前的紧张转化为专注的“激活能量”，而非分散注意力的“颤抖”。 乐谱的“去符号化”： 探讨如何通过反复的内化练习，使身体能够脱离对记谱符号的依赖，从而将精力完全集中于音乐情感的“当下”表达。 第六章：乐曲的深度演绎——以经典为例 本章不教授基础指法，而是选取数首标志性曲目，进行演绎范例分析。 《月夜听箫》的叙事结构解构： 分析该曲中“月色”与“心绪”如何通过节奏的松弛与紧绷进行对位，重点剖析高音区的处理是“俯瞰”还是“呼唤”。 传统曲目中的“气韵”节点定位： 指出在长篇乐曲中，哪些音符或乐句是必须“托举”全曲气韵的关键点，以及如何为这些点预先铺垫气息。 “留白”的时值测量与情感投射： 对比分析专业演奏家在同一段落中对休止符的处理差异，展示如何通过微秒级的时值调整，表达出“怅惘”、“释然”或“期待”等细微心境。 --- 结语： 本书旨在提供一个高阶的思考平台，它假设读者已经具备扎实的演奏基础。我们的目标是引导您从“如何吹响”跨越至“为何而吹响”，最终实现“吹响什么”。竹管无言，唯有心声可以触动听众灵魂的深处。

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这本书给我最深的印象是它蕴含的文化底蕴和对“意境”的追求。它不像有些现代教程那样，只关注技巧的堆砌，而是花了不少篇幅来探讨洞箫在古代文人雅士生活中的地位，以及它如何与诗词、禅修相融合。阅读这些文字，仿佛能感受到竹子在月光下的清冷与悠远。在讲解一些慢板乐曲时，作者并没有急于展示复杂的指法变化，而是反复强调“留白”和“气息的连贯性”，教导我们如何通过气息的微调来营造出深邃的意境。这对于追求艺术境界的演奏者来说，是极其宝贵的指引。这本书更像是一位睿智的长者，在耳边轻声教导，让你在吹奏的每一个音符中，都能找到内心的平静与和谐。它让我明白了，洞箫的魅力，最终还是在于它所承载的那份东方哲思。

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这部关于洞箫的教程简直是为我这种初学者量身定做的！我一直想学习这门乐器，但市面上的教材要么过于晦涩，要么内容过于陈旧，让人望而却步。这本书的结构安排得非常合理，从最基础的持箫姿势、口型调整开始，循序渐进地引入气息的运用和指法的练习。尤其是对发音技巧的讲解，非常细致入微，配图清晰易懂，我按照书中的指导，很快就掌握了发出圆润、稳定的声音。更让我惊喜的是，书中不仅仅停留在基础指法上，还深入探讨了不同音区和乐句的处理方法，这为我后续的学习打下了坚实的基础。作者似乎非常了解初学者的困惑，总能在关键时刻给出恰到好处的提示，让我少走了很多弯路。读完前几章，我已经能吹奏出一些简单的曲子了，这种成就感是无可替代的。这本书真正做到了“实用”，让理论不再高高在上，而是直接转化为演奏能力。我强烈推荐给所有对洞箫感兴趣的朋友们。

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老实说，我本来对手工制作的教程书不太抱有太大期望，总觉得它们在专业性和深度上会有欠缺。然而，这本《洞箫实用教程》彻底颠覆了我的看法。它不仅仅是一本乐器学习指南，更像是一部融入了作者深厚演奏经验的宝典。书中对中国传统音乐理论与洞箫演奏的结合点阐述得极为精辟，比如如何理解和运用“韵味”和“气韵”，这些抽象的概念在书中被巧妙地量化和可视化了。我特别欣赏它在乐曲赏析和风格流派介绍部分所下的功夫，这极大地拓宽了我的音乐视野，让我明白洞箫不只是一种乐器，更是一种文化载体。通过对不同历史时期乐曲的分析和示范，我开始能够更深刻地理解和表达乐曲的情感内核，而不是机械地吹奏音符。对于有一定基础，想要向专业方向迈进的演奏者来说，这本书提供了宝贵的进阶阶梯。它的深度和广度，绝对值得反复研读。

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作为一名已经学习了几年竹笛，现在想转学洞箫的乐手，我急需一本能快速帮我适应洞箫特性的教材。这本书的“对比学习法”简直是我的救星！它非常清晰地指出了笛子和箫在气息控制、音准调整以及颤音处理上的核心差异。例如，书中详细描述了洞箫特有的“吐音”和“花舌”技巧，并提供了大量的专项练习，这些都是我以前接触的教材中很少见到的。我发现，通过这本书的系统训练，我的气息控制能力在短时间内得到了显著提升，尤其是在低音区的稳定性和穿透力方面有了质的飞跃。书中的曲目编排也很有意思，前半部分用了一些改编自民歌的练习曲来适应洞箫的音色，后半部分则直接进入了一些富有禅意的传统箫曲，这种渐进式的难度过渡非常自然。对于想跨界学习的音乐人而言，这本书的针对性和专业性是无可替代的。

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我关注这本书很久了，终于入手，发现它在排版和实用设计上做得极其人性化。首先，纸张的质量很好，可以经受反复翻阅，油墨清晰，即使在昏暗的练习环境下也毫无阅读压力。其次，书中对于乐谱的标注非常细致，除了常规的指法和音符外，还增加了许多关于力度变化（强弱对比）和速度控制的符号解释，这对于提升演奏的音乐表现力至关重要。我尤其喜欢它附带的在线资源链接（如果该书提供的话，此段可替换为对音频/视频配套的赞美），我可以通过扫描二维码即时听到标准范奏，这对我校准自己的发音和节奏非常有帮助。很少有教材能将视觉、听觉和实践操作结合得如此紧密。这本书不仅仅是“教你怎么吹”，更是在“教你怎么听”和“教你怎么感受音乐”，体现了一种整体的教学理念。

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教六孔箫的，八孔箫慎入。

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说的烦了点，还是靠自己摸索的。。。

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跟風買的…… 沒好好做過練習……

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箫之空谷幽兰。

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说的烦了点，还是靠自己摸索的。。。