PHOTOSHOP / PAINER创意与设计梦幻组合

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出版者:清华大学出版社
作者:
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2000-5
价格:108.00元
装帧:
isbn号码:9787900625137
丛书系列:
图书标签:
  • Photoshop
  • Painter
  • 创意设计
  • 绘画
  • 图像处理
  • 数码艺术
  • 插画
  • 设计教程
  • 软件技巧
  • 艺术创作
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具体描述

创意与设计的无尽可能:数字艺术的进阶之旅 第一部:数字绘画的拓扑学与情感注入 引言:画布之外的想象力疆界 本书并非一本关于传统软件操作的枯燥指南,而是一场深入数字艺术核心的探险。我们聚焦于如何将深层的情感、抽象的哲学思考与前沿的数字工具进行有机融合,创造出真正具有生命力的视觉作品。本书旨在帮助艺术家突破“熟练使用工具”的阶段,迈向“用工具创造语言”的境界。 第一章:色彩的心理声学——光影与情绪的共振 色彩不仅仅是色相、饱和度和明度的组合,它是人类情感的最直接翻译器。本章将剖析不同文化背景下对特定色彩的心理投射,并教授如何构建一个“情绪调色板”。 1.1 非线性色彩序列的构建: 探讨如何打破常规的色彩搭配规则,运用互补色、三原色以及类比色的微妙变化,来营造出紧张、宁静或躁动不安的特定氛围。我们将通过实际案例分析,展示如何利用色彩的“温度”和“重量”来引导观众的目光和情绪流向。 1.2 光线作为叙事载体: 聚焦于如何精确模拟不同时间、不同地理位置的光照条件,并赋予光线以“角色”。例如,清晨的散射光如何暗示希望与开始,而午夜的单点人造光如何强调孤独与秘密。我们将深入研究体积光(Volumetric Light)在营造景深和戏剧张力中的作用,以及如何通过环境光遮蔽(AO)来增加画面的真实感和沉重感。 1.3 纹理与触觉的错觉: 讨论如何通过笔触的控制,模拟出油画的厚重、水彩的晕染或是金属的冰冷质感。这需要对笔刷引擎有深刻的理解,不仅仅是改变硬度或流量,而是要理解笔触的方向性如何影响观众对物体表面特性的感知。 第二章:解构与重构——形式语言的几何学基础 一个强大的视觉作品,其骨架往往是严谨的结构和比例。本章将带领读者从宏观到微观,审视和运用基础的几何学原理来增强作品的稳定性和冲击力。 2.1 动态对称与视觉平衡: 探讨如何运用黄金比例(Phi)、费波那契数列来构建构图的黄金分割点。更进一步,我们将研究“动态对称”,即如何故意打破静止的对称,引入视觉上的不对等,从而在画面中制造出运动感和未完成的张力。 2.2 视线引导的路径规划: 分析观众的眼睛是如何在画面中移动的。本章将教授一系列的引导元素,包括线条的汇聚点、重复的形状序列,以及强烈的明暗对比区域,如何像无形的丝线一样,将观众的视线精准地导向作品的核心信息或焦点。 2.3 负空间的力量: 负空间(Negative Space)是作品中“未被绘制”的部分,但它与主体同等重要。我们将学习如何将负空间视为一个独立的、具有形状和重量的元素,用以平衡主体,增强作品的呼吸感,并为作品增添一层解读的深度。 第二部:概念深化与跨媒介叙事结构 第三章:寓言的构建——符号学在数字艺术中的应用 优秀的艺术作品不仅仅是美丽的图像,它们是承载思想和文化信息的容器。本章专注于如何将复杂的概念转化为具有普遍识别性的视觉符号。 3.1 原型与神话的现代转译: 分析荣格的集体无意识原型(如英雄、阴影、智者)如何在当代设计中被重新诠释。例如,如何将一个古老的炼金术符号,以极简的线条或赛博朋克的霓虹光效重新呈现,使其既保留原有的深度,又符合现代语境。 3.2 多义性与开放式解读: 探讨如何有意地在画面中植入模棱两可的元素,鼓励观众参与到意义的构建过程中。模糊的主题界限、未明确指向的动作,这些都是增加作品“复看价值”的关键手段。 3.3 文本与图像的张力: 讨论在不直接使用可读文字的情况下,如何通过字体的残片、涂鸦或符号化的“书写”来暗示叙事背景,制造出一种“失落的档案”或“加密信息”的氛围。 第四章:构建沉浸式数字环境——从二维到三维感知的飞跃 本章超越平面绘制的范畴,探讨如何运用透视学、深度感和环境氛围来营造一个让观众“愿意走进”的数字空间。 4.1 多层次的景深构建: 详细分析前景、中景和背景之间的信息密度差异。前景应是高对比度、高清晰度的“锚点”;中景是叙事发生的舞台;而背景则需通过大气透视(Aerial Perspective)进行模糊和弱化,以营造无限的纵深感。 4.2 环境的叙事权重: 环境不是背景,而是角色。学习如何通过描绘环境的细节——生锈的金属、苔藓的生长、被遗弃的家具——来暗示时间流逝、文明衰退或特定事件的发生,从而在没有人物出现的情况下讲述一个完整的故事。 4.3 动态构图的预演: 尽管是静态图像,但优秀的作品必须具备“时间感”。本章将指导如何通过瞬间的捕捉(如飞溅的水花、飘扬的衣角)来暗示动作的起点或终点,让静止的画面在观众心中转化为一段完整的动态过程。 结语:持续的迭代与艺术家的自我革新 本书提供的工具和理论框架,是通往无限创意的起点,而非终点。真正的艺术成就来源于不断的自我审视和对既有规则的挑战。我们鼓励读者将这些技术融入自身的独特视角,去探索那些尚未被命名的色彩,去描绘那些尚未被定义的梦境。艺术家的旅程,是对“已知”边界的持续拓展。

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