中国木版水印概说 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:北京大学出版社

作者:冯鹏生

出品人:

页数:197

译者:

出版时间:1999-9

价格:120.00元

装帧:

isbn号码:9787301041550

丛书系列:

图书标签:

• 印刷
• 版本学
• 木版水印
• 版画
• 版本學
• 版本
• 新闻传媒
• 文獻學
• 木版水印
• 中国水印
• 水印技法
• 艺术史
• 中国艺术
• 版画
• 传统工艺
• 美术
• 历史
• 文化

汉字艺术的千年流光：中国书法史纲要 书籍简介 本书以宏大的历史视野和严谨的学术态度，系统梳理了中国书法艺术自萌芽至成熟，直至近现代演变的完整脉络。它不仅仅是一部断代史的梳理，更是一部关于汉字“如何被书写”以及“书写如何成为艺术”的深度探析。全书力求在清晰勾勒出主要书体（篆、隶、草、行、楷）的发展轨迹与风格特征的同时，深入挖掘支撑这些艺术形式背后的思想文化、社会结构乃至笔墨材料的革新。 第一编：文字的史前与书体的初生 (先秦至秦代) 本篇追溯汉字作为记录符号的源头，从甲骨文的契刻痕迹与殷商的宗教观念，到金文的铸刻艺术与周代的礼乐制度的结合。重点解析了中国书法美学观念的最初形成：即“载道”与“成器”的统一。 秦代的小篆，作为秦始皇统一思想与度量衡的政治产物，其规整与典雅标志着线条符号向规范化艺术的第一个重要飞跃。我们详细考察了李斯等人对六国异体文字的“书同文”工程，分析了这种标准化如何为后世成熟书体的诞生奠定了基础。同时，对这一时期已然并行的隶书（縳书），作为下层文书的实用字体，其“蚕头燕尾”的雏形，预示着篆书的“圆转”即将向隶书的“方折”过渡，为汉代书风的勃发埋下了伏笔。 第二编：隶变与成熟期的风骨展现 (汉代) 汉代是中国书法史上最为关键的转折点——“隶变”的完成。本章细致剖析了隶书如何彻底摆脱了篆书的象形意味，完成了笔画的抽象化和结构上的扁平化。从简牍帛书的质朴到碑刻的雄浑，我们探讨了汉碑作为官方和民间纪念载体所展现出的多样面貌，如早期的《韩碑》的古朴，中期的《乙瑛碑》的端庄，以及晚期如《张迁碑》、《曹全碑》所流露出的波磔分明、意态万千。 更重要的是，本篇引入了“草书”的早期形态——章草，探讨了它在快速书写需求下，如何将隶书的笔法融入连绵与省简之中。同时，张芝、崔瑗等人的努力，使得草书开始摆脱单纯的速记功能，逐渐向纯粹的抒情艺术迈进，为后世狂放不羁的“今草”积蓄能量。 第三编：楷书的定型与魏晋风度的确立 (魏晋南北朝) 魏晋南北朝时期，社会动荡，玄学兴盛，士人精神的独立与个性的张扬，直接催生了中国书法史上的高峰——行书和楷书的最终成熟。 本章聚焦于“楷书”的定型过程。从钟繇的“楷模”到“二王”（王羲之、王献之）的集大成，楷书完成了从隶意的“扁平”向法度的“方正”转变。我们深入分析了永字八法如何系统化了点画的结构，以及唐代之前，如北碑（魏碑）的雄强峻拔与南帖（吴、唐以前）的秀逸婉转之间的地域性风格差异。 行书的发展是本编的重中之重。王羲之的《兰亭集序》被视为“天下第一行书”，绝非偶然。它融合了篆隶的骨力、楷书的规范和草书的流动性，达到了“尽善尽美”的和谐境界。本章运用详细的笔法图解，阐释了“中锋”、“侧锋”的交替运用，以及“提按顿挫”如何营造出气息的连贯性与节奏感。 第四编：盛唐气象与法度之巅峰 (唐代) 唐代是书法艺术走向鼎盛的时代，其特点是“尚法”，即对法度的极致追求与对规范的尊重。 初唐，欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷等大家，在继承“二王”的基础上，各自开辟出鲜明的个人面貌，奠定了唐楷的典范标准。盛唐时期，颜真卿横空出世，他以浑厚博大的胸襟和渊深的儒家思想，创造了“颜体”——一种雄浑、敦厚、充满内在力量的书风，标志着书法从魏晋的“韵”进入到唐代的“气象”。柳公权则以其“颜筋柳骨”的说法，将楷书的结构推向了更加瘦劲、骨力洞开的境界。 与此同时，张旭、怀素将草书推向了“狂草”的极致。他们的作品不再拘泥于字与字的界限，而是以气势的连贯、墨色的浓淡变化，表达了极度奔放的主观情感，展现了盛唐气象中那股蓬勃向上的生命力。 第五编：文人书风的内化与宋代“意”的回归 (宋代) 宋代，随着科举制度的深化和市民阶层的崛起，书法逐渐从单纯的“法度”走向“意趣”的表达。士大夫阶层强调个人学养与性情在书写中的体现，书法审美趋向于追求“拙朴”与“自然”。 “宋四家”——苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄，是本篇的核心。苏轼倡导“我书意造，为我自成一家”，追求“石压蛤蟆”般的丰腴与朴拙；黄庭坚则以其长枪大戟般的结构和强烈的个人笔势，开创了独特的“黄体”，强调行笔的提按与牵丝的运用；米芾则以“刷字”著称，其洒脱、率真，极大地解放了行书的书写姿态。本章将详细对比宋人与唐人对“法”的不同态度，分析“意”如何在书法中重新占据主导地位。 第六编：尚态与反叛的交织 (元、明、清) 元代，赵孟頫以复古为旗帜，力图回归晋唐的平和与秀雅，他的“取法乎上”对后世影响深远。 明代书法呈现出多元且略显僵化的趋势。文徵明、祝允明、董其昌等人，分别在台阁体、狂草和禅意书风中找到了各自的立足点。然而，随着帖学体系的完善，书法的僵化趋势也愈发明显。 清代，碑学（对汉魏碑刻的推崇）的兴起，是对帖学（对二王系统的模仿）长期主导地位的有力反拨。包世臣、邓石如等人从北碑的雄强中汲取力量，强调金石气与笔墨力量，为近现代书法的变革积蓄了能量。 结语：线条的永恒对话 本书最后总结了中国书法艺术跨越三千年的发展规律：从实用到审美，从规范到个性，从法度到意趣的循环往复。它不仅是汉字的记录，更是中华民族审美情趣、哲学思考和社会变迁的无声史诗。通过对历代大家墨迹的细致解读，读者将能深刻体会到，每一根线条的起承转合中，都蕴含着古人对宇宙、人生和笔墨的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得极其精准，仿佛一位经验老到的说书人，娓娓道来那些尘封的历史。它没有那种枯燥的教科书式的说教，而是将复杂的技艺脉络巧妙地融入到生动的故事背景之中。作者似乎对每一个环节都倾注了深厚的感情，无论是对早期匠人筚路蓝缕的描述，还是对某个失传技法的追溯，都充满了人文关怀。我特别欣赏它处理历史转折点的方式，总能在关键时刻引入当时的社会风貌或艺术思潮，让读者明白技艺的演变并非孤立发生，而是与时代脉搏紧密相连。读起来，你不会感到时间流逝，思绪总能被紧紧抓住，从一个朝代的审美倾向，自然而然地过渡到下一个阶段的技术革新，这种连贯性使得原本晦涩的知识点变得鲜活有趣，极大地激发了深入了解的渴望。

评分☆☆☆☆☆

内容上，作者的专业素养令人叹服，其对细节的捕捉入木三分，达到了近乎“吹毛求疵”的程度。它并非泛泛而谈地介绍“是什么”，而是深入剖析了“为什么”和“如何做”。例如，在论述色彩的调配时，作者不仅列举了使用的天然矿物和植物，更深入探讨了不同地域材料的细微差异如何影响最终的色相饱和度与持久性，这种深挖到底的劲头，对于真正想掌握这门手艺的人来说，简直是宝贵的财富。我尤其关注到其中关于“刀法”与“墨韵”的对比分析，那种将视觉艺术与触觉感知相结合的描述，极富画面感。书中引用的那些侧面佐证和文献考据也非常扎实，让人感觉作者是真正“泡”在这些材料中浸润多年，而非简单地整合二手资料。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，那种古朴又不失典雅的气质，拿在手里沉甸甸的，仿佛穿越回了那个手工雕刻的时代。纸张的质感非常好，纹理自然，墨香淡淡地散发出来，让人忍不住想立刻翻开细读。尤其是封面那几个烫金的字体，在光线下闪烁着低调的光泽，搭配着整体的素雅色调，透露出一种对传统的敬畏与珍视。内页的排版布局也显得十分用心，留白恰到好处，使得文字和插图之间的呼吸感很强，阅读体验非常舒适。细节之处见真章，比如章节之间的过渡页，常常会配上一幅精致的纹饰小样，这不仅是装饰，更像是对读者的一次无声引导，为接下来的内容做了很好的铺垫和情绪酝酿。整体来看，这本书的物理形态本身就是一件值得收藏的艺术品，体现了出版方对传统工艺的尊重与对阅读体验的极致追求。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验的角度来说，这本书的结构设计充满了巧思，它成功地平衡了学术的严谨性与大众的可读性。它像是为不同层次的读者量身定制的阶梯。初学者可以轻易地跟随主线脉络理解基本概念，而对于有一定基础的研究者而言，书后附带的那些深入的专题讨论和术语解析，则提供了更高阶的切入点。章节之间的逻辑递进处理得非常巧妙，总能在读者产生疑惑之前，就通过下一章的内容给出解答，这种预判式的引导，极大地降低了阅读的挫败感。此外，全书的语言风格保持了一种令人愉悦的流畅感，即便在阐述复杂的工艺流程时，也极少出现拗口的学术腔调，让人可以轻松地、无压力地沉浸其中，仿佛进行了一次愉快的知识漫步。

评分☆☆☆☆☆

这本书最打动我的地方，在于它所传达出的一种对“慢工细活”的现代颂扬。在当今这个追求效率的时代，它像一剂清醒剂，提醒着我们传统手艺中蕴含的强大生命力与不可替代的价值。作者不仅仅是在记录一种技术，更是在守护一种精神。通读全书，我深刻体会到每一张纸张背后，都凝结着匠人对完美的执着与岁月的沉淀。它成功地将冰冷的工艺步骤，升华为一种有温度的文化传承。读完后，我发现自己看任何相关的艺术品时，目光都会不自觉地聚焦到那些细微的层次与过渡上，对美的鉴赏水平得到了潜移默化的提升，这是一种超越了单纯知识获取的、更深层次的精神滋养。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆