具体描述
Making Music for Modern Dance traces the collaborative approaches, working procedures, and aesthetic views of the artists who forged a new and distinctly American art form during the first half of the 20th century. The book offers riveting first-hand accounts from innovative artists in the throes of their creative careers and provides a cross-section of the challenges faced by modern choreographers and composers in America. These articles are complemented by excerpts from astute observers of the music and dance scene as well as by retrospective evaluations of past collaborative practices. Beginning with the careers of pioneers Isadora Duncan, Ruth St. Denis, and Ted Shawn, and continuing through the avant-garde work of John Cage for Merce Cunningham, the book offers insights into the development of modern dance in relation to its music. Editor Katherine Teck's introductions and afterword offer historical context and tie the artists' essays in with collaborative practices in our own time. The substantive notes suggest further materials of interest to students, practicing dance artists and musicians, dance and music history scholars, and to all who appreciate dance.
作者简介
目录信息
读后感
用户评价
这份材料给我的感觉更像是一本**五十年前的，关于如何使用磁带机和早期合成器制作声音效果的“技术操作手册”**。书中详尽描述了如何进行磁带剪切、反转、循环播放的物理操作，以及如何调试一台古老的模拟合成器的振荡器和滤波器。这无疑是历史性的记录，对于研究早期实验音乐的先驱者或许价值连城。然而，在今天的数字音频工作站（DAW）普及的时代，这种对物理媒介操作的执着显得过于陈旧和缺乏前瞻性。我期望读到的是关于实时采样、效果链的构建逻辑，或者如何利用现代软件工具来即时生成复杂的、多层次的声景（Soundscape）。书中对于如何将创作出的音色“编排”成一个具有叙事性的音乐结构几乎没有提及，更多的是停留在“如何制造出一种特定的声音”的层面。这种专注于过时技术的倾向，使得整本书对现代舞作曲实践的指导意义微乎其微。我需要的是面向未来的创作工具和理念，而不是对一个已经基本被淘汰的工作流程的详尽回忆录。
评分令人意外的是，这本书的主体内容似乎是一本**关于二十世纪早期“视觉艺术与运动的关联”的研究报告集**。书中收录了几篇独立的论文，分别探讨了未来主义画家对速度的描绘如何影响了包豪斯的动作理论，以及立体派雕塑在空间感上的突破如何反向作用于早期现代舞的肢体语言。这些内容无疑是跨学科研究的宝贵资料，对于理解艺术史的交融有着重要意义。但问题在于，这些探讨几乎完全跳过了“音乐”这个核心要素。在讨论包豪斯舞蹈时，作者只是简单提到“他们使用了实验性的声响”，却从未深入分析这些“声响”的具体构成、结构组织，以及它们是如何被设计出来以配合特定的动作序列的。我一直在寻找如何将舞蹈动作与声音的频率、强度、持续时间进行精密的匹配，或者如何构建一段纯粹由“噪音”构成的音乐景观来反衬舞者的优雅。这本书提供的是艺术史之间的“平行线”描述，而非“交叉点”的深入剖析。我感觉自己像是一个急于学习烹饪却拿到了一本关于农业历史的书籍，虽然农业是烹饪的基础，但它并不能教我如何掌勺。
评分这部作品的标题着实吸引人，让人忍不住想深入探究其中蕴含的奥秘。我本以为会看到一些关于如何将传统音乐理论与当代编舞技巧融会贯通的实操指南，或者至少是一些关于如何利用电子音乐、环境音效等现代元素来为舞蹈创作配乐的案例分析。然而，当我翻开书页，映入眼帘的却是一系列关于**十九世纪欧洲室内乐发展史**的深入探讨。作者花费了大量的篇幅去剖析勃拉姆斯和德彪西在和声运用上的细微差别，甚至详细考证了某个小提琴协奏曲手稿上的涂改痕迹。这种对历史细节的痴迷，虽然体现了作者扎实的学术功底，却与我期待中那种充满活力、面向未来的现代舞音乐创作实践相去甚远。我一直在寻找如何通过声音的质感、节奏的张力来直接驱动肢体的表达，期待的更多是“如何做”的实用建议，而不是“曾经发生过什么”的文献整理。读完前几章，我感到一种强烈的错位感：这更像是一本为音乐学院高材生准备的音乐史参考书，而不是一本给现代舞编导或作曲家带来灵感的工具书。如果我对古典乐的历史发展有如此浓厚的兴趣，我大可以去购买现有的任何一本详尽的音乐史著作，而不需要特地寻找一本名字带有“现代舞”字样的书籍。这种内容与标题的严重背离，让我对后续内容的期待值降到了冰点。
评分读完这本书，我最大的感受是，它更像是一本**关于如何进行舞台布景灯光设计的专业手册**，而非专注于音乐本身。书中花了极大的篇幅去讨论如何在舞台上利用冷色调和暖色调的光束来营造特定的情绪氛围，分析了不同材质的舞台地板对舞者影子投射效果的影响，甚至详细介绍了如何搭建一个可以模拟水波纹效果的投影系统。我理解灯光和布景是舞蹈整体视觉效果的重要组成部分，但既然书名如此明确地指向“音乐创作”，我期待的是对声音结构的解析，对音色选择的讨论，以及如何处理音乐中的“留白”和“密度”。书中提及音乐的部分，往往只是蜻蜓点水地将音乐元素视为布景设计的“背景音轨”，比如“当灯光偏蓝时，应选择低沉的大提琴声”。这种处理方式显得极其肤浅，完全没有触及到音乐是如何作为一种独立的、具有内在逻辑的艺术形式参与到舞蹈叙事中的核心议题。我渴望了解如何设计一段能与舞者呼吸节奏同步的鼓点，或者如何用非传统乐器制造出令人不安的听觉错觉，但这些内容在书中几乎找不到，取而代之的是关于如何更换LED灯泡的详细步骤。这让我感觉自己买了一本错置的书籍，内容完全偏离了我的初衷。
评分这本书的叙事风格极其**晦涩、充满了后现代主义的哲学思辨**，几乎到了让人难以理解的地步。作者似乎热衷于引用晦涩的德语和法语术语来构建自己的理论体系，使得原本可能直观的创作过程被包装成了一系列难以捉摸的概念集合。例如，书中反复探讨了“本体论上的节奏断裂”与“能指的运动学位移”之间的关系，并试图用这些理论来论证为何某些现代舞作品的配乐显得“不和谐”。坦白说，作为一个寻求实际指导的读者，我需要的是清晰的步骤、可操作的技巧，而不是被卷入一场无休止的理论迷宫。我希望了解的是，当编导提出了一个关于“破碎感”的需求时，作曲家应该如何从调式、速度和乐器配置上做出回应。然而，这本书提供的却是对这些概念本身进行长达数十页的“解构”，却没有提供任何指向实际创作的桥梁。读完一章，我感觉自己像是参加了一场高深的学术研讨会，收获了满脑子的术语，却不知道如何把这些术语应用到我的下一个创作项目中去。如果我想要纯粹的哲学阅读，市面上有很多更经典的选择，我不应该期待一本关于音乐创作的书籍会如此沉迷于无法量化的理论思辨。
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