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出版者:东南大学出版社

作者:翁剑青

出品人:

页数:249

译者:

出版时间:2004-1

价格:78.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787810894135

丛书系列:

图书标签:

• 公共艺术
• 公共艺术与城市
• 艺术
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城市公共艺术：未曾触及的领域 书名：城市公共艺术（本书不包含此主题） 内容概要： 本书深入探讨了中世纪欧洲的修道院建筑与精神生活之间的复杂关联，重点剖析了哥特式大教堂从功能性宗教场所向象征性艺术巅峰演变的全过程。我们不仅考察了这些宏伟建筑的结构技术创新，如飞扶壁和肋拱的引入如何改变了空间体验，更着重分析了光线在教堂内部所扮演的神学角色——“神圣之光”如何被巧妙地转化为视觉叙事的一部分。 第一部分：从罗马式到哥特式的空间革命 本书的开篇追溯了欧洲建筑风格从相对厚重、采光受限的罗马式向轻盈、高耸的哥特式过渡的社会历史背景。这一转变并非单纯的技术升级，而是与新兴城市的发展、学术思想的复兴以及对天堂意象的强烈渴望紧密相连。 第一章：修道院作为知识的堡垒 在中世纪早期，修道院是知识、农业和医疗的中心。本章详细梳理了本笃会（Benedictine）和熙笃会（Cistercian）在知识保存与传播中的核心地位。我们对比分析了克吕尼（Cluny）的宏大复兴运动与熙笃会早期严格的朴素原则之间的张力。特别关注了修道院抄写室（scriptorium）的运作模式，探讨了手抄本制作的工艺、成本以及它们如何塑造了中世纪精英阶层的世界观。 第二章：光影的哲学：哥特式玻璃的叙事功能 这是本书的核心章节之一。彩色玻璃窗不仅仅是装饰，它们是“穷人的圣经”。我们将聚焦于沙特尔（Chartres）和兰斯（Reims）大教堂的玻璃艺术，解析其复杂的图解系统。我们分析了不同色彩的象征意义——钴蓝代表圣母的谦卑，深红代表基督的受难——以及这些色彩如何通过中世纪神学家（如圣维克托的休）的理论，在进入建筑空间时实现对信徒的感官教化。我们考察了光线穿透玻璃时产生的“非物质化”效果，这被视为模仿上帝的临在。 第二部分：结构与象征：石头的语言 本部分转向建筑工程学与象征意义的交汇点。中世纪的建筑师常常在没有详尽蓝图的情况下，凭借口头传统和经验知识建造出惊人的高度。 第三章：飞扶壁的悖论：支撑与解放 飞扶壁（Flying Buttress）是哥特式建筑的标志性特征，它巧妙地解决了高耸墙体需要承受的侧推力。我们深入剖析了这些外部支撑结构如何解放了墙壁，使得建筑师可以将墙面转化为巨大的玻璃幕墙。本章通过对阿米恩（Amiens）大教堂的案例研究，展示了结构理性如何服务于宗教美学目标——即创造一种向上无限延伸的、超越尘世的垂直感。 第四章：中世纪的“三部曲”：立面、中殿与穹顶 我们细致描绘了哥特式大教堂的标准空间布局：西立面的宏伟入口、高耸的中殿（nave）以及象征天国的东部圣所（choir）。通过对这些元素的解构，我们揭示了建筑师如何利用空间尺度来引导朝圣者的精神旅程。例如，中殿的长度被设计成与历史事件或圣徒生命周期相对应，确保信徒在行走过程中完成一次浓缩的宗教冥想。 第三部分：世俗生活与精神边界 本书并未将修道院与城市生活完全割裂，而是探讨了它们之间微妙的相互渗透与冲突。 第五章：城市中的修道院：经济与政治的影响力 中世纪城市的发展往往伴随着大教堂或修道院的扩张。本章研究了教会的土地所有权、金融活动（如信贷与捐赠管理）以及它们在城市治理中的实际权力。我们考察了城市平民阶层（如行会）对教堂建设的贡献，这些贡献往往伴随着对教堂内特定圣徒的供奉权，体现了世俗权力在神圣空间中的协商。 第六章：雕塑的语汇：门楣上的道德教化 哥特式雕塑，特别是门楣（tympanum）和柱头（capital）上的装饰，是当时主要的视觉媒体。我们分析了这些雕塑如何从早期相对僵硬的形象，演变为更具情感表达和叙事细节的风格。重点解析了“最后的审判”场景在不同地区教堂立面上的表现差异，以及这些图像如何服务于社会控制和道德规范的灌输。 结语：永恒的共鸣 本书总结了中世纪建筑艺术的非凡成就，它不仅是工程学的奇迹，更是那个时代全部思想、信仰与社会结构最坚实、最永恒的物化体现。我们探讨了这些石头与玻璃的组合，如何共同构建了一个完整的、令人敬畏的宇宙模型，其设计目标是引导灵魂超越尘世的局限。 本书适合历史学家、建筑史研究者、神学爱好者以及任何对中世纪欧洲文化转型感兴趣的读者。它提供了对那个时代精神景观一次深入、细致的考察，重点聚焦于石头、光线与信仰的交响。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，那种厚重的纸张质感，配合着封面那略带磨砂的触感，一下就将人带入了一种沉静而又富有历史感的氛围中。内页的印刷工艺也相当考究，色彩的还原度极高，即便是那些需要细致观察的纹理和光影变化，也展现得淋漓尽致。我尤其喜欢它在章节过渡页上采用的留白设计，那种恰到好处的呼吸感，让阅读的节奏得以舒缓，不会因为内容的密集而感到压迫。而且，书脊的处理也非常平整，即便是反复翻阅，也不会有松动的迹象，看得出出版方在细节上是下了真功夫的。从这本书的整体物理呈现来看，它绝不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心打磨的艺术品，那种对材质和工艺的执着，让人在拿起它的那一刻，就对内容本身充满了敬意和期待。这种对“物”本身的重视，是如今快餐式阅读时代里非常难得的体验，它提醒着我们，媒介本身也是信息传达的一部分。

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初读这本书的文字，我最大的感受是作者那近乎偏执的求证精神。行文之间，那些看似信手拈来的论断，背后实则隐藏着大量一手资料的扎实支撑。我注意到，作者在阐述一个观点时，往往会引用跨越数个世纪的不同文献和口述记录进行交叉比对，那种严谨的学术态度，让人不得不佩服。尤其是在涉及一些模糊地带或争议性事件时，作者并没有急于给出盖棺定论，而是耐心地将所有可能的路径都摊开来供读者审视，并在脚注中提供了极其详尽的出处索引。这种开放式的论证方式，极大地提升了阅读的趣味性，仿佛自己也参与了一场侦探般的求真之旅。它不像某些作品那样，将结论强行灌输给你，而是引导你一步步推导出那个最接近真相的可能性，这种互动感，是纯粹的知识灌输所无法比拟的。

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这本书的语言风格，用“清冽”二字来形容或许最为贴切。它没有过多的华丽辞藻堆砌，更没有刻意追求那种佶屈聱牙的“学究气”，而是以一种极其精准和克制的笔触来描绘事件和心境。那种笔力，仿佛是经过千锤百炼的刀锋，每一次挥洒都恰到好处，绝不多一分，也绝不少一毫。在描述宏大场景时，它能瞬间调动起读者的想象力，构建出震撼的画面感；而在描摹个体命运的微观细节时，又显得格外细腻和富有同理心，让人在字里行间感受到人物的呼吸与温度。这种语言上的高超掌控力，使得阅读过程成为一种享受，它既满足了对知识的渴求，又提供了纯粹的文字美感享受，是学术性与文学性完美平衡的典范。

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我阅读了许多关于这个领域的书籍，但很少有能像这本书一样，让我产生强烈的“再读一遍”的冲动。这并不是说第一次阅读时有什么遗漏，而是因为它其中蕴含的思考密度实在太高了。很多观点并非是简单的结论，而是引发新的思考的“种子”。比如，作者在讨论某个理论的形成过程时，不经意间抛出的一个关于“时间感知偏差”的论述，立刻让我联想到了自己生活中的许多困惑。这本书的价值在于，它超越了单纯的信息传递，而更像是一套成熟的、经过时间检验的思维工具箱。每当我遇到新的问题或新的视角时，我都会忍不住想回头翻阅这本书的某个章节，去看看作者当初是如何解构和处理类似困境的。这种持久的启发性和工具属性，才是一部真正伟大的作品应该具备的特质。

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这本书的叙事结构处理得极为高明，它巧妙地避开了那种平铺直叙的流水账式编年史，而是采用了主题式、碎片化的叙事切入点。每一章都像是一个独立的小剧场，用一个极具张力的历史瞬间或一个富有戏剧性的人物侧写作为引子，瞬间将读者拉入情境之中。然后，作者再从这个点位出发，进行历史的放射性回溯与延伸，将相关的文化、社会背景层层剥开。这种“点——线——面”的结构，使得即便是复杂的历史脉络，也能被清晰地梳理出来，读起来完全没有丝毫的拖沓感或混乱感。我尤其欣赏作者在章节之间设置的那些“思想跳跃”，它们看似不连贯，实则暗含着某种哲学上的隐喻或节奏上的呼应，让整部作品的阅读体验充满了韵律感和层次感。

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城市公共艺术，城市与公共艺术，翁老师的名字似乎都喜欢起得特别长。