吉他演奏基本技术训练 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:王清

出品人:

页数:142

译者:

出版时间:2003-10

价格:20.40元

装帧:

isbn号码:9787103026946

丛书系列:

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• 吉他
• 吉他技巧
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好的，以下是一本名为《吉他演奏基本技术训练》的图书的详细简介，内容力求丰富、专业且自然，不包含该书可能涉及的吉他演奏技术训练内容。 --- 《古典音乐史纲：从巴洛克到浪漫主义的辉煌篇章》 图书简介 本卷《古典音乐史纲：从巴洛克到浪漫主义的辉煌篇章》旨在为音乐爱好者、学生以及专业人士提供一个全面、深入且富于洞察力的音乐发展历程导览。本书聚焦于西方艺术音乐发展史上最核心、最具影响力的三个时期——巴洛克、古典主义和浪漫主义，力求通过对时代背景、作曲家生平、核心作品分析以及音乐风格演变的细致梳理，构建起一个清晰而立体的音乐史脉络。 第一部分：巴洛克的回响——秩序与激情的交织 (约 1600-1750 年) 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满活力和结构感的时代。本书首先深入探讨了这一时期的社会、哲学和宗教背景，分析了如路易十四宫廷文化对音乐赞助体系的影响，以及早期对“情感理论”（Doctrine of the Affections）的探索。 在音乐语言方面，我们详细解析了“数字低音”（Basso Continuo）的运作机制及其在协奏曲、室内乐和清唱剧中的核心地位。本书不满足于概念的罗列，而是通过对具体乐谱的细读，揭示了对位法（Counterpoint）在巴赫赋格曲中的精妙运用。我们不仅涵盖了宏大的教会音乐，如亨德尔的清唱剧《弥赛亚》，还专题讨论了歌剧艺术在意大利的诞生与发展，从蒙特威尔第早期的戏剧化创新到拉莫的法国歌剧改革。 对核心作曲家的剖析是本部分的关键。约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的“百科全书式”贡献被置于中心位置，分析其键盘作品（如《平均律钢琴曲集》）的技术创新与精神深度。乔治·弗里德里克·亨德尔则以其对戏剧性叙事和宏大合唱的掌握而著称，我们考察了他在伦敦歌剧舞台上的成功与转型。此外，维瓦尔第的协奏曲体裁革新，以及斯卡拉蒂的单乐章键盘奏鸣曲，共同构筑了巴洛克音乐丰富多彩的音响景观。 第二部分：古典主义的理性光辉——结构与平衡的追求 (约 1750-1820 年) 随着启蒙运动思潮的兴起，音乐审美转向了对清晰、平衡与形式逻辑的推崇。本部分深入探讨了从巴洛克晚期的“风格转换”（Empfindsamer Stil）到成熟古典主义风格的过渡。 我们详尽阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）作为古典主义音乐“语法”的重要性。本书通过对比海顿、莫扎特和贝多芬早期作品中呈示部、发展部和再现部的结构差异，清晰地展示了这一形式如何被发展成为承载复杂戏剧冲突的载体。 海顿，被誉为“交响曲之父”，其在维也纳建立的交响曲和弦乐四重奏传统是分析的重点。我们探讨了他如何系统化地扩展了管弦乐队的编制，并巧妙地运用幽默感和动机发展技巧。沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特的音乐则代表了古典主义的完美典范，本书特别关注其歌剧创作中的人物塑造——从《费加罗的婚礼》中对社会阶层的讽刺，到《唐璜》中对人性复杂面的刻画，展现了音乐与文学的完美融合。 贝多芬，作为连接古典与浪漫的桥梁，其早期作品的清晰结构与后期作品中突破界限的表达方式形成了鲜明对比。本部分着重分析了其晚期弦乐四重奏和钢琴奏鸣曲中对传统形式的颠覆性处理，预示了下一个时代的来临。 第三部分：浪漫主义的激情迸发——主体性与无限的渴望 (约 1820-1910 年) 浪漫主义音乐是个人情感、民族精神和超验追求的集中爆发。本书深入剖析了浪漫主义美学的基础——对自然、异域、超自然以及“自我”体验的迷恋。 在体裁上，艺术歌曲（Lied）作为人声与钢琴的完美结合，得到了空前的重视。舒伯特和舒曼的歌曲创作被细致分析，探讨了钢琴伴奏如何超越单纯的伴奏职能，成为表达诗歌意境的关键元素。此外，李斯特开创的“交响诗”（Symphonic Poem）标志着标题音乐的胜利，它利用管弦乐队的音色和织体来描绘文学叙事或视觉场景。 作曲家的个性在浪漫主义时期达到了极致。肖邦对钢琴这种乐器的独特理解，使其作品充满了细腻的情感和创新的技巧。瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论及其在拜罗伊特歌剧中的实践，彻底改变了歌剧的结构和听觉体验。本书详细讨论了“主导动机”（Leitmotif）在《尼伯龙根的指环》等巨著中的系统运用。 最后，本书考察了民族主义流派的兴起，如俄国的“强力集团”（The Mighty Handful）和捷克的德沃夏克、斯美塔那，他们如何从民间音乐和本国史诗中汲取灵感，丰富了欧洲音乐的多元性。勃拉姆斯的回归传统与马勒的宏大交响曲，则共同为这个辉煌的世纪画上了句号，为二十世纪的现代主义变革埋下了伏笔。 本书特色： 跨学科视角： 每一时期均与当时的文学、哲学、艺术和政治事件相互参照，提供立体化的历史理解。 深入的乐曲分析： 选取了每个时期最具代表性的作品，采用易于理解的分析方法，引导读者“听懂”音乐的结构与表达。 丰富的图表与索引： 包含详细的作曲家年表、风格对比图表以及专业术语的清晰解释。 本书是所有希望系统了解西方古典音乐发展脉络的求知者的理想读物。它不仅是一部历史记录，更是一张通往巴洛克、古典与浪漫三百年音乐奇迹的邀请函。

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我必须强调，这本书不仅仅是针对初学者或中级演奏者的“练习手册”，它更像是一本吉他演奏哲学的阐述。其中关于“放松与张力”的探讨，对我触动最大。我们常常被教导要“用力”，要“稳定”，但这本书用了大量的篇幅来解释，过度紧张是如何扼杀音乐的。作者细致地分析了肩膀、手腕甚至呼吸的微小紧张是如何传导到指尖，最终影响到音色的“干净度”和演奏的持久力。书中提供了一系列非常规的练习，比如要求在极度放松的状态下尝试演奏一些高难度的琶音，这迫使你必须找到肌肉在“有效发力”与“过度僵硬”之间的那个黄金分割点。这种训练初期非常痛苦，因为你必须打破过去几十年养成的肌肉记忆。但一旦成功，你会发现演奏的流畅度有了质的飞跃，原本需要费力才能完成的段落，现在变得毫不费力，仿佛吉他成为了你身体的自然延伸。这本书教会我的，是如何与自己的身体和乐器和谐共处，达到一种近乎冥想的演奏状态。

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这本书的结构编排堪称一绝，它并非线性递增难度，而是采取了一种螺旋上升的模式。初看之下，某些章节的难度跳跃似乎有点大，但深入阅读后才会明白，作者是在不断地用新的技术点去“复习”和“深化”旧有的概念。比如，在基础指法训练之后，紧接着就引入了对和弦内音的独立发声练习，这迫使你回顾和巩固之前学过的指尖力量分配。这种设计极大地避免了学习者在某个阶段停滞不前的问题。更重要的是，它对“爬音阶”的理解进行了颠覆性的重构。我过去总是用“匀速”的概念来对待音阶，而这本书提出了“加速度”和“减速度”在音阶练习中的应用，这对于演奏快速的乐句至关重要。它不再是机械地要求手指运动速度一致，而是鼓励你在乐句的起承转合处进行微妙的速度调整，从而模仿出更富有人情味的演奏风格。这种对细微差别的捕捉和训练，是真正区分业余和专业演奏的关键所在，而这本书恰恰把这些“秘密”毫不保留地展示了出来。

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坦白讲，我最开始是被这本书的封面设计吸引的，那种简约中带着一丝古典韵味的排版，让人觉得这不是一本速成指南，而是一本可以伴随我多年的工具书。然而，真正让我震撼的是它对“节奏感”的处理部分。很多教材把节奏当成一个刻板的节拍器符号，要求你必须精确地卡在那个点上。但这本书却强调了“律动”和“弹性”。作者用非常形象的比喻，比如将手指的运动比作潮汐的起伏，将重音的处理描述为一次深呼吸，这一下子就让那些原本僵硬的节奏练习变得生动起来。我过去总是为了追求速度而牺牲了音乐性，弹出来的东西总像是在赶火车。读了这一章后，我开始尝试放慢速度，去体会每一个音符在时间轴上的“呼吸空间”。结果令人惊讶，当我不再急于把音符“弹完”，而是让它们“自然流淌”时，音乐的层次感立刻就出来了。那些原本需要反复练习才能勉强达到的连贯性，竟然在理解了这种内在的律动后，奇迹般地改善了。这本书的价值，在于它教你如何“听见”音乐内部的脉搏，而不仅仅是用眼睛去“看”谱子。

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作为一名业余学习者，我最大的困扰就是对“技巧”与“音乐表现”之间的平衡感到困惑。我总是在想，是应该先把技术练到炉火纯青，再来谈情感表达，还是在练习中就融入感情？这本书提供了一个非常实用的解决方案，那就是通过系统性的“音色塑造”练习来统一两者。它里面有一组专门针对不同指法组合下音色变化的练习，要求学习者不仅要弹奏出正确的音高，还要精确控制音量的强弱变化——但这种强弱变化不是简单的渐强渐弱，而是对单个音符内部动态的把握。比如，如何让一个长音的前半部分保持稳定，而在结尾处自然而然地衰减，仿佛琴弦的震动慢慢归于寂静。我发现，当我开始关注每一个音符的“色彩”时，我的手指动作自然而然地变得更加精准和富有目的性。这本书没有回避技术训练的艰苦，但它给出的每一步训练都有明确的“音乐目标”，让人觉得所有的汗水都是值得的，因为你知道你正在朝着一个清晰的、可感知的音乐效果迈进。

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这本书，光是翻开扉页，那股墨香和纸张的质感就让人心头一震，仿佛一下子被拉进了一个专注于技艺打磨的殿堂。我原本对手头的古典吉他练习有些迷茫，总觉得自己的手指像是被什么无形的力量束缚着，无法真正做到“随心所欲”。市面上那些教材，大多是枯燥的音阶和琶音堆砌，看得人昏昏欲睡。但这本书，它有一种魔力，它不仅仅是在教你怎么弹奏，更像是在雕琢你的“乐感”和“控制力”。特别是关于左右手配合的章节，作者的讲解深入浅出，不是那种冷冰冰的理论阐述，而是带着一种老派匠人的耐心和坚持。我尤其欣赏它对于拨弦力度控制的细致入微的分析，那不仅仅是“用力”或“不用力”这么简单，而是涉及到指甲的切入角度、与琴弦的接触点甚至是手臂的微小摆动。读完第一部分，我立刻去试着弹奏那些练习曲，惊喜地发现，原本模糊不清的音色变得清晰、圆润，连最简单的C大调音阶，也像是焕发了新的生命力。这感觉就像是，你终于拿到了那把通往更高阶演奏的钥匙，而且这把钥匙的铸造工艺本身就值得反复品味。

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