古典剧曲鉴赏辞典

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出版者:湖北辞书
作者:吕薇芬
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2004-1
价格:50.0
装帧:精装
isbn号码:9787540306922
丛书系列:
图书标签:
  • 戏曲
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具体描述

《古典剧曲鉴赏词典》即是以古典戏曲作品中的曲词为鉴赏对象,论析其内容的深幽与艺术的精妙。由于古代戏曲作品数量众多,加之因年代不同和流派有别而丰富多彩,因此,本书所收作品难以包罗万象,只能以名家名作为主。但是,既然名为“辞典”,当然要有较广的选择面,既收录思想健康、艺术上乘的著名伤口以及在戏曲史上有一定影响的作品,又照顾到广泛性、全面性,收录那些具有某种特色或代表性的作品,以期反映中国古典戏曲的总体面貌。

《二十世纪中国小说艺术史论》 作者: 王建华 出版社: 人民文学出版社 出版时间: 2018年10月 定价: 88.00元 --- 内容简介 《二十世纪中国小说艺术史论》是一部系统梳理和深入剖析二十世纪中国小说发展脉络及其艺术演变历程的重量级学术专著。本书超越了传统仅关注题材或流派的简单分类法,聚焦于“小说艺术”这一核心范畴,旨在探讨在剧烈社会变革与文化转型时期,中国小说家如何应对时代挑战,革新叙事技巧、拓展表现领域,并最终形成具有世界影响力的现代文学形态。 全书共分六大部分,约五十余万言,结构严谨,论证扎实,力求展现二十世纪中国小说的复杂性和丰富性。 第一部分:绪论与奠基(1900-1920年代初) 本部分首先界定了“二十世纪中国小说”的起始标志与研究范畴,并着重分析了清末民初“小说界革命”的理论准备与初步实践。重点探讨了从谴责小说到“人情小说”的过渡中,小说语言现代化、叙事视角初步确立的艰难历程。特别深入剖析了对西方现实主义、自然主义思潮的早期接受与本土化改造,例如李伯元的讽刺艺术与吴沃尧的“写实”倾向如何为现代小说奠定初步的写实基础。研究指出,此阶段的核心艺术任务是完成“文”与“白”的转化以及构建现代意义上的“故事性”。 第二部分:新文化运动与现代叙事的初步确立(1920年代) 本卷是全书的理论高地之一。作者详细考察了“五四”新文学运动中,小说被赋予的启蒙使命,以及这种使命对艺术形式提出的内在张力。核心议题围绕“文学革命”对古典叙事范式的颠覆展开。 白话的成熟与语言的解放: 分析了鲁迅的“意象语言”如何突破白话文初期的平白直叙,形成独特的象征性与心理刻画深度。 新人与新的结构: 深入辨析了早期小说在人物塑造上如何从“类型人物”转向“复杂个体”,特别是对“娜拉出走”后女性意识的艺术呈现。 流派的兴起与技法的交锋: 重点比较了创造社、新月派在小说形式探索上的差异,如对象征主义、印象主义在小说结构中应用的尝试,揭示了现代主义技法在中国早期萌芽的曲折路径。 第三部分:文学的转型与地域性的拓展(1930年代) “三十年代”被作者视为中国小说艺术的第一个高峰期。本部分将叙事艺术的创新置于社会复杂性的背景下进行考察。 城市叙事的深化: 分析了茅盾、老舍等作家如何运用城市空间作为人物心理和命运的隐喻。特别是对“意识流”在特定语境下的本土化实践进行了细致的文本分析,例如对上海都市背景下个体异化与精神困境的描摹技巧。 乡土文学的艺术自觉: 探讨了沈从文、废名等作家如何构建不同于主流革命叙事的“田园世界”,他们在语言的音乐性、意境的营造和对传统文化精神的继承与超越方面的卓越成就。本书认为,沈从文的“灵性笔法”是中国小说美学史上的重要一笔,它成功地将现代意识融入了古典的抒情传统。 现实主义的转型: 考察了左翼文学在叙事上如何从早期的口号式宣传转向对底层人民复杂心理和集体经验的精微刻画,技术上对全景式结构和多声部叙事的探索。 第四部分:战争年代的艺术坚守与嬗变(1937-1949) 此阶段小说的核心矛盾在于如何平衡国家叙事需求与个体经验的真实表达。作者着重分析了战争环境对小说体裁和篇幅的影响。 短篇小说的黄金时代: 研究了抗战时期小说在短小精悍的篇幅内实现强烈情感冲击的艺术手法,如寓言化叙事、强烈的戏剧性冲突设置等。 流亡与“他乡”叙事: 分析了流亡作家(如台湾、西南联大作家)在地理和精神上的双重疏离感如何转化为独特的、带有悲剧色彩的冷静叙事风格。 第五部分:新中国成立初期的艺术规范与探索(1949-1970年代) 本书对这一时期的研究持审慎的学术态度,强调在既定意识形态框架下,小说家仍在进行的艺术“内在呼吸”。 “社会主义现实主义”的中国化: 剖析了这一文学思潮对小说结构、人物塑型(如“英雄典型”)的具体要求,以及作家们在恪守规范的同时,如何巧妙运用象征、细节描写来保存人性温度。 “集体叙事”中的个体声音: 关注“十七年文学”中,小说家在描写集体劳动和英雄事迹时,对细节真实和环境描写的深化,力求使宏大主题在微观层面获得可信度。 第六部分:反思与回归:文学的重塑(1970年代末至世纪之交) 本书的收束部分,详细论述了“文革”结束前后,小说艺术的爆发性复苏与多元化发展。 “伤痕”与“反思”文学的叙事策略: 探讨了这一时期小说在揭露历史创伤时,如何运用“回忆体”结构、模糊的时间线索,以及对过去叙事模式的颠覆性重写。 先锋文学的艺术实验: 深入分析了先锋派作家(如余华、苏童、格非等)对语言本身的解构、对情节逻辑的断裂、以及对西方后现代主义思潮的激进吸收,如何为中国小说注入了新的活力,并极大地拓展了其表现的边界。 世纪末的回归与整合: 总结了世纪末,中国小说在经历了狂热的实验后,如何逐渐回归到对日常生活、个人经验的深沉关怀,并实现了对百年艺术探索的阶段性整合。 本书特色 1. 技术导向的分析: 突破了以政治运动为核心的传统史观,将焦点集中于叙事学、修辞学和文本结构等艺术层面。 2. 跨越断层的整合: 首次将二十世纪初的白话小说探索与八十年代的先锋实验置于同一艺术演化谱系中进行考察,揭示了中国现代小说的内在“连续性”。 3. 丰富的案例支撑: 引用了大量一级文本进行细致的技法剖析,包括对鲁迅、沈从文、王安忆、莫言等不同代际大师的代表作进行深度文本细读。 4. 学术的严谨性: 充分吸收了国内外小说理论研究的最新成果,兼顾了历史的宏观把握与细节的微观考证,为专业研究者提供了可靠的参照系。 《二十世纪中国小说艺术史论》是理解中国如何在一百年内创造出与世界文学并驾齐驱的小说传统的关键性读本。它不仅是一部历史,更是一部关于“如何讲述故事”的艺术指南。

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这本书的厚重感,不仅仅体现在它的物理重量上,更体现在它所承载的文化分量。我一直是个对中国古典戏剧情有独钟的普通读者,虽然也看过不少名家演唱的录音录像,但总觉得隔靴搔痒,难以真正体会其中的精妙。这本《古典剧曲鉴赏辞典》,就像一位经验丰富的引路人,将我从浅层的水面,一步步引入到深邃的海洋。它不仅仅是关于剧目本身,更是关于剧目所处的时代、所反映的社会、所蕴含的文化。书中对每一个剧目的介绍,都力求全面而深刻,从历史背景的梳理,到作者生平的介绍,再到剧本艺术特征的分析,都做得非常到位。我尤其喜欢书中对人物塑造的解读,它能够清晰地描绘出每一个角色的性格特征、心理活动,以及他们在剧中的命运走向。例如,在解读《霸王别姬》时,书中不仅讲了项羽和虞姬的悲剧爱情,更深刻地分析了虞姬的忠贞、项羽的悲壮,以及这些情感在戏曲表演中是如何被具象化的。书中的语言风格非常独特,既有学术的严谨,又不失文学的感染力,读起来丝毫不觉得枯燥,反而引人入胜。

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初次翻开这本《古典剧曲鉴赏辞典》,便被它沉甸甸的质感和精心设计的封面所吸引,仿佛握住了一段穿越时空的钥匙。我一直对中国古典戏剧,尤其是那些流传千古的经典剧目,抱有浓厚的兴趣,但常常因为对戏曲的门道了解不深,只能浅尝辄止,品不出其中的真味。这本书恰好填补了我在这方面的知识空白。它并非简单地罗列剧目名称,而是以一种极其详尽且充满人情味的方式,为读者娓娓道来每一个经典故事的来龙去脉。从剧本的创作背景,到作者的生平,再到每一个角色的塑造,乃至其中蕴含的深刻思想和艺术价值,都进行了深入浅出的剖析。我尤其喜欢书中对不同剧种(如京剧、昆曲、越剧等)的区分和介绍,这让我了解到同一个故事在不同剧种中的演绎方式会如此不同,各有千秋。例如,对于《牡丹亭》,书中不仅详细介绍了汤显祖的创作意图,还特别提到了不同年代、不同名家的演绎版本,甚至附上了当时演出的一些轶事,这让枯燥的文字变得鲜活起来,仿佛亲身经历了那些辉煌的舞台瞬间。书中对唱腔、念白、身段的描述也极具匠心,即使不懂戏曲术语的读者,也能通过书中生动的比喻和类比,大致领略到戏曲表演的魅力。它不是一本冷冰冰的学术著作,更像是一位资深戏曲研究者,耐心而热情地引导着我这位初学者,一步步探索古典剧曲的璀璨世界。这本书的价值,远不止于知识的普及,更在于它点燃了我对中国传统文化的敬畏与热爱,让我看到了隐藏在历史长河中,那些经久不衰的艺术瑰宝。

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当我第一次接触到这本书时,就被它厚重的份量和典雅的设计所吸引。我一直对中国古典戏剧情有独钟,但总是感觉自己像是隔着一层纱,难以真正窥探到其精髓。《古典剧曲鉴赏辞典》就像一位经验丰富的向导,带着我一步步深入了解那些伟大的剧目。书中对每一个剧目的介绍都非常详尽,从创作背景、作者生平,到情节梳理、人物分析,再到艺术手法的探讨,都做得面面俱到。我特别喜欢书中对人物性格的深度剖析,它不仅仅是简单地描述人物的性格特征,而是深入挖掘人物的内心世界,解释他们的行为动机,以及他们是如何在戏剧冲突中成长的。例如,在解读《贵妃醉酒》时,书中不仅讲述了杨贵妃的美貌,更深刻地分析了她作为一个女性,在后宫争宠中的无奈与孤独,以及她如何通过醉酒来宣泄内心的情感。书中的语言风格也非常吸引人,既有学术的严谨,又不失文学的感染力,读起来让人仿佛置身于那个充满诗情画意的时代。

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对于我这样一个常年与古籍打交道的人来说,一本能够兼顾学术严谨性与阅读趣味性的工具书是极为难得的。《古典剧曲鉴赏辞典》无疑做到了这一点。它不仅仅是一本“辞典”,更是一部充满智慧的“鉴赏”指南。书中收录的剧目种类繁多,涵盖了从元杂剧到清代传奇的众多经典,每一个条目都经过了细致的考证和深入的解读。我尤其欣赏书中对于剧本的分析,它不仅仅停留于故事内容的复述,而是深入挖掘了剧作者的创作意图、思想表达,以及那个时代独特的审美情趣。例如,在解读《窦娥冤》时,书中不仅详细讲述了窦娥的冤屈,更深刻阐释了关汉卿通过这个故事所批判的社会现实和对正义的呼唤。对于那些我原本以为已经了如指掌的剧目,通过这本书的解读,我竟然发现了许多之前从未注意到的细节和深层含义。书中对演员表演技艺的描述也十分到位,它能够用文字勾勒出那些复杂的程式化动作所蕴含的情感力量,以及演员如何通过肢体语言来塑造人物的内心世界。这种对细节的关注,使得这本书的鉴赏性大大提升,不再是简单的知识罗列,而是充满了对艺术的尊重与热爱。

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这本书的出现,无疑是我在探索中国古典戏剧道路上的一次重大发现。我一直对那些流传千古的剧曲心怀景仰,但往往因为对时代背景、文化内涵的了解不够,而难以真正体会其精髓。《古典剧曲鉴赏辞典》以其极为详尽的内容和严谨的学术态度,为我提供了系统性的知识。我尤其欣赏书中对每一部剧作的“解构”,它不仅仅是简单地复述剧情,而是深入到剧本的结构、语言的运用、人物的刻画等各个层面。例如,在解读《铡美案》时,书中详细分析了包拯的刚正不阿,秦香莲的忠贞隐忍,以及陈世美的负心薄情,并将这些人物置于当时的社会背景下进行解读,让我更能理解人物行为的动机。书中对于戏曲艺术表现手法的描述也极其到位,它能够用文字描绘出那些难以言传的动作和神情,让我即使不曾亲临剧场,也能想象出舞台上的精彩瞬间。这种对艺术细节的关注,使得这本书不仅仅是知识的传授,更是一种审美的引导。

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当我拿到这本《古典剧曲鉴赏辞典》时,就被它沉甸甸的分量和精致的装帧所吸引。作为一名对中国传统戏曲怀有浓厚兴趣的普通读者,我常常在欣赏精彩的表演时,却对剧本的来龙去脉、人物的深层情感把握不清。这本书恰好弥补了我的这一遗憾。它并非一本简单枯燥的学术著作,而是以一种极为生动、充满人情味的方式,为我打开了通往古典剧曲艺术殿堂的大门。书中对每一个剧目的介绍,都力求全面而深入。我尤其喜欢书中对剧本创作背景的梳理,它能够将我带回到那个特定的时代,去理解当时的社会风貌、文化思潮,以及这些如何影响了剧作家的创作。同时,书中对人物塑造的分析也极其细腻,它能够深入挖掘人物的内心世界,解释他们的行为逻辑,以及在舞台上是如何通过唱、念、做、打来展现这些复杂的性情。例如,对于《苏三起解》,书中不仅讲了苏三的冤屈,更深入分析了她从一个被侮辱的女子,成长为坚强反抗者的心路历程,以及这些情感是如何通过唱词和身段来传递给观众的。

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这本书的问世,对于我这样的古典剧曲爱好者来说,无疑是一份珍贵的礼物。我长期以来都在寻找一本能够系统性地、深入地了解中国古典戏剧的书籍,《古典剧曲鉴赏辞典》恰好满足了我的这一需求。它的内容之丰富,条理之清晰,都让我爱不释手。书中对每一个剧目的解读,都力求做到全面而深刻。我尤其欣赏书中对剧本的“解构”,它不仅仅是简单地复述故事,而是深入分析了剧本的结构、语言的运用、人物的刻画,以及其背后所蕴含的时代精神和文化价值。例如,在解读《二度梅》时,书中详细介绍了故事的缘起,三度梅的寓意,以及剧作者如何通过这一故事来表达对忠贞不渝的赞颂。书中对于戏曲的表演程式、唱腔特点的描述也十分到位,它能够用文字形象地勾勒出那些复杂的动作和韵律,让我即使不通戏曲,也能感受到其独特的艺术魅力。

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我一直深信,对任何一种艺术形式的欣赏,都离不开对其背景和内涵的深入理解。中国古典戏剧,作为中华民族传统文化的重要组成部分,自然也需要我们去细细品味。《古典剧曲鉴赏辞典》这本书,正是这样一本能够引导我深入探索古典剧曲世界的优秀著作。它所涵盖的剧目范围之广,内容之详尽,都足以令我惊叹。我特别赞赏书中对每一个剧目所进行的“全方位”解读,它不仅仅局限于故事梗概的介绍,而是深入到了剧本创作的时代背景、作者的思想情感、人物性格的塑造,以及其中的艺术表现手法。例如,在解读《蝴蝶梦》时,书中详细分析了宋代的社会背景,以及“浪子回头”这一主题在剧本中的体现,并深入剖析了庄子和田氏的复杂关系,以及他们各自的内心挣扎。书中对于戏曲中那些程式化的动作和唱腔的解释,也十分到位,它能够将那些看似晦涩的技艺,通过生动的文字描述,变得易于理解和欣赏,让我能够更深刻地体会到戏曲表演的魅力。

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我一直认为,真正的鉴赏,是在充分了解的基础上,去发现和体会那些细微之处的艺术魅力。《古典剧曲鉴赏辞典》正是这样一本能够满足我求知欲的书。它的内容之丰富,条理之清晰,都让我惊叹。书中对每一个古典剧曲的介绍,都如同一次细致入微的“解剖”,让我能够从多个维度去理解一部作品。我尤其欣赏书中对剧本结构、情节安排的分析,它能够清晰地揭示出编剧是如何通过层层递进的叙事,来制造矛盾冲突,推动剧情发展,最终达到感人至深的效果。对于那些我曾反复观看的经典剧目,通过这本书的解读,我竟然发现了许多过去忽略的精彩之处。书中对于唱词的品析也十分到位,它能够挖掘出那些看似朴素的文字背后所蕴含的深刻情感和哲学思考。例如,某段唱词是如何通过比喻、象征等手法,来表达人物内心的痛苦与挣扎,或者如何通过音韵的变化,来营造出特定的氛围。这种深入的解读,让我对古典剧曲的理解,不再停留在表面,而是能够真正体会到其中的艺术匠心。

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这本书的装帧设计便足以让人爱不释手,厚重而典雅,每一页都散发着浓郁的文化气息。作为一名长年浸淫在中国古典文学的爱好者,我对戏曲的接触也算颇多,然而,真正能够系统性、深入地理解其中的精髓,却也常感力不从心。许多时候,仅仅是读懂了字面意思,却未能领会到其中“唱、念、做、打”的精妙之处,以及编剧在字里行间所寄托的深层情感和时代印记。《古典剧曲鉴赏辞典》的出现,如同及时雨,它以一种极为专业却又不失亲和力的笔触,为我打开了一扇通往戏曲艺术更高层次的大门。书中对于每一个剧目的解读,都力求做到全面而细致。从故事梗概的梳理,到人物命运的剖析,再到艺术手法的探究,都显得格外有条理。我惊喜地发现,书中对于一些大家耳熟能详的剧目,如《长生殿》、《桃花扇》,都进行了非常深入的“解剖”,不仅讲清楚了故事本身,更挖掘出了其背后丰富的历史文化内涵。作者对于词汇的运用也十分考究,能够精准地描述出戏曲表演中那些难以言传的微妙之处,比如某个角色的神情,某个唱段的情感起伏,都通过文字被鲜活地呈现出来,让我仿佛置身于现场,聆听那余音绕梁的唱腔,感受那跌宕起伏的剧情。

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