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出版者:人民音乐出版社

作者:周青青

出品人:

页数:358

译者:

出版时间:1993-12

价格:17.60元

装帧:简裝本

isbn号码:9787103011287

丛书系列:音乐自学丛书·音乐学卷

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《大地回响：中国传统音乐的传承与创新》 引言： 音乐是人类情感最直接的表达，更是文化传承的重要载体。在中华文明源远流长的历史长河中，音乐始终扮演着不可或缺的角色。从宫廷雅乐的庄严肃穆，到民间曲艺的活泼生动，再到民族器乐的千姿百态，中国传统音乐以其独特的魅力，记录着民族的喜怒哀乐，传递着民族的精神与智慧。本书《大地回响：中国传统音乐的传承与创新》，旨在深入探索中国传统音乐的丰富内涵，梳理其发展脉络，并审视其在当代社会面临的机遇与挑战，以及如何通过创新实现可持续发展。我们并非聚焦于某一类具体的音乐形式，而是力求展现中国传统音乐作为一个宏观艺术体系的整体风貌，以及其背后所蕴含的文化基因。 第一章：源远流长——中国传统音乐的根基与演变 本章将追溯中国传统音乐的起源，探究其在漫长的历史进程中是如何形成、发展并不断演变的。我们将考察早期音乐的萌芽，例如原始社会的歌唱与节奏活动，以及它们在宗教祭祀、农耕劳作中的功能。随后，我们将重点关注先秦时期音乐的规范化与理论化，如《礼记》中关于乐制的记载，以及早期乐器的出现，如钟、磬、瑟、筝等。 进入秦汉，音乐开始与政治、社会生活更紧密地结合。宫廷音乐体系的建立，如太乐署的设立，标志着音乐的专业化与制度化。佛教音乐的传入，也为中国音乐增添了新的色彩。魏晋南北朝时期，战乱频仍，但音乐并未因此沉寂，反而涌现出玄学与音乐相结合的思潮，士人阶层的音乐审美与创作也得到了发展。 隋唐时期是中国音乐的鼎盛时期，丝绸之路的畅通带来了东西方音乐文化的交流与融合。宫廷燕乐、宗教音乐、民间俗乐等百花齐放，乐器种类更加丰富，如琵琶、胡琴等外来乐器的广泛使用，极大地拓展了音乐的表现力。同时，唐诗与音乐的结合，催生了许多著名的乐府诗篇。 宋元时期，商业经济的繁荣促进了民间音乐的活跃。词的出现与发展，与曲调的结合，形成了宋词演唱的独特艺术形式。元代杂剧的兴起，更是将音乐、唱念、表演融为一体，成为一种重要的戏剧艺术。明清时期，戏曲艺术发展至顶峰，昆曲、京剧等地方戏曲剧种逐渐成熟，它们的音乐体系也日益完善。与此同时，器乐创作也日益丰富，如江南丝竹、广东音乐等地域性器乐流派逐渐形成。 在考察这些历史阶段时，我们将着眼于音乐形式、乐器发展、音乐理论、以及音乐与社会文化背景的互动关系，展现中国传统音乐生生不息、不断演进的生命力。 第二章：万象纷呈——中国传统音乐的多元表现 本章将从宏观视角出发，梳理中国传统音乐的多样化表现形式。我们并不局限于单一的音乐类型，而是力求呈现一个包罗万象的图景。 1. 宫廷与士人音乐： 探究古代宫廷音乐的典雅与庄重，它们在国家庆典、祭祀活动中的作用，以及其严谨的音乐规制。同时，我们将关注士人阶层的音乐活动，如文人雅集的琴、瑟、箫、笛演奏，以及它们所体现的清雅、高逸的审美情趣。这部分内容将着重体现音乐作为一种礼仪和精神寄托的功能。 2. 民间音乐的活力： 深入挖掘中国广袤土地上孕育的丰富多彩的民间音乐。这包括劳动号子中蕴含的原始力量，节日庆典中洋溢的喜庆气氛，以及婚丧嫁娶仪式中所表达的情感。我们将探讨民间音乐的即兴性、地域性以及其与日常生活紧密相连的特点。这部分内容将是展现人民群众生活状态与精神面貌的生动画卷。 3. 戏曲音乐的综合性： 戏曲作为一种综合艺术，其音乐是其灵魂所在。我们将分析不同剧种的唱腔特点，如板腔体、曲牌体等，以及京胡、二胡、京二 G等主要伴奏乐器的运用。我们将看到戏曲音乐如何通过唱、念、做、打等多种艺术手段，塑造人物形象，推动剧情发展。 4. 器乐的独立发展： 探讨中国传统器乐的发展，包括独奏、合奏等形式。我们将介绍古琴、古筝、琵琶、二胡、笛子、箫等经典乐器的演奏技法与表现力，以及不同地域性器乐流派的特色，如江南丝竹的细腻婉转，广东音乐的明快热烈，以及北方吹打乐的粗犷豪放。 5. 佛教与道教音乐： 考察佛教音乐（梵呗、经文唱诵）与道教音乐（科仪音乐）在中国传统音乐中的地位和影响。它们在宗教仪式中的独特功能，以及对后世音乐产生的间接影响。 通过对这些不同音乐领域的梳理，本书旨在展现中国传统音乐的“万象纷呈”，即其形式的多样性、风格的丰富性以及功能的广泛性，从而构建一个立体而全面的中国传统音乐图谱。 第三章：灵魂深处——中国传统音乐的文化意蕴 音乐不仅仅是声音的组合，更是文化的载体，是民族精神的映射。本章将深入挖掘中国传统音乐所蕴含的深层文化意蕴。 1. 哲学思想的体现： 探讨中国传统哲学思想，如儒家的“乐教”思想，认为音乐能够修身养性、陶冶情操、和谐社会。道家的“大道至简”、“天人合一”等思想如何体现在音乐的追求与意境中，如古琴音乐的空灵、静谧。阴阳五行学说在中国音乐理论中的应用，如宫商角徵羽与五行、五色的对应关系，以及音乐如何体现宇宙的和谐平衡。 2. 情感的表达与寄托： 中国传统音乐擅长含蓄、内敛地表达情感。我们将分析乐曲如何通过旋律的起伏、节奏的变化、以及音色的运用，传递喜悦、哀伤、思念、忧愁等复杂的情感。许多器乐曲，如《高山流水》，其命名本身就蕴含着深厚的友情与知音难觅的感慨。戏曲中的唱词更是直接抒发人物内心的情感世界。 3. 历史记忆与民族叙事： 许多音乐作品，尤其是那些源自民间或与历史事件相关的乐曲，承载着民族的历史记忆。例如，一些反映战争、抗争的乐曲，能够激起民族自豪感和凝聚力。音乐也常常作为一种叙事手段，讲述着历史故事、神话传说，传递着民族的集体记忆。 4. 审美范式的解读： 分析中国传统音乐所追求的审美范式，如“意境”的营造，即通过音乐创造出一种超然物外、情景交融的艺术境界。对“气韵生动”、“韵味”的追求，强调音乐的内在生命力与余韵。对“中和之美”的推崇，追求音乐的和谐、均衡与适度。 5. 人与自然的和谐： 许多中国传统音乐作品以自然景物为灵感，如《梅花三弄》、《平沙落雁》等，它们不仅仅是对自然景象的模仿，更是借景抒情，表达对自然的敬畏与热爱，体现了“天人合一”的哲学理念。 通过对这些文化意蕴的解读，本书将揭示中国传统音乐为何能够历经千年而不衰，它如何深刻地影响着中国人的思维方式、情感模式和价值观念。 第四章：时代变迁——中国传统音乐的传承与挑战 进入近现代，中国社会发生了翻天覆地的变化，中国传统音乐也面临着前所未有的挑战与机遇。 1. 现代化冲击与保护困境： 城市化、工业化以及西方音乐的广泛影响，使得许多传统音乐形式面临生存危机。老一辈艺人的凋零、技艺传承的断层、以及市场经济的冲击，都给传统音乐的生存带来了巨大压力。保护传统音乐的紧迫性日益凸显。 2. 传承的探索与实践： 尽管面临挑战，但中国传统音乐的传承并未停止。我们将考察各种传承模式，包括： 师徒传承： 依然是重要的传承方式，但面临招生难、学艺周期长等问题。 院校教育： 各类音乐院校开设了民族音乐专业，培养了大量音乐人才，但也存在教学内容与实践脱节的争议。 民间保护组织与文化机构： 积极开展抢救性挖掘、资料整理、演出推广等工作。 数字化保存与传播： 利用现代科技手段，对传统音乐进行录音、录像、建立数据库，方便保存与传播。 3. 创新与发展之路： 面对时代的要求，中国传统音乐并非只能固守，而是需要创新与发展。本章将重点探讨： 融合与嫁接： 如何将传统音乐元素与现代音乐创作技巧相结合，创作出既有民族特色又不失时代感的作品。例如，将民族乐器引入流行音乐、摇滚乐，或者借鉴西方音乐的配器与和声技法。 舞台呈现的革新： 尝试新的演出形式、舞台设计，使传统音乐演出更具观赏性和吸引力，吸引更广泛的观众群体。 跨界合作与国际交流： 与其他艺术门类（如舞蹈、戏剧、电影）进行跨界合作，拓展传统音乐的表现空间。积极参与国际音乐交流，让世界了解中国传统音乐的魅力。 理论研究与学术推广： 加强对传统音乐的深入研究，挖掘其更深层的价值，并通过学术会议、出版物等方式进行推广，提升社会对传统音乐的认识。 结论： 中国传统音乐是一座宝藏，它承载着民族的历史、文化与精神。在新的时代背景下，我们既要警惕其消亡的危机，更要积极探索其传承与创新的道路。本书《大地回响：中国传统音乐的传承与创新》的写作，正是希望通过梳理其源流、展现其多元、解读其意蕴、并审视其挑战与机遇，为读者提供一个认识和理解中国传统音乐的窗口。我们相信，通过不懈的努力与智慧的实践，中国传统音乐必将在新的时代焕发出更加绚丽的光彩，继续谱写属于中华民族的音乐传奇。

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这本书给我最大的触动，在于它成功地将“宏大叙事”与“个体情感”无缝对接起来。我们常常在历史课本上学习到某个朝代的更迭，但在《中国民歌》中，我看到了这些历史变迁是如何通过一个个普通百姓的口中传唱的歌谣而留存下来的。那些关于战争的、饥荒的、或仅仅是关于一次远行的小小哀怨，都凝聚在了几句朴素的唱词里，比任何史书的记载都要鲜活和震撼人心。书中对“哭嫁歌”的专题分析尤其让我动容，作者不厌其烦地记录了不同地区哭嫁歌中重复的主题——对原生家庭的不舍、对未知未来的忐忑，以及对新身份的复杂接纳。这些歌谣如同时间的胶囊，将那个时代女性最私密的情感世界完整地保存在了旋律中。阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一次次深刻的“共情”。它提醒我们，历史不仅仅是帝王将相的功过，更是无数凡人琐碎生活和不灭情感的集合。这本书让我对“人民性”的艺术有了更深层次的理解和尊重，它是一部记录民族灵魂深处低语的百科全书。

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这本《中国民歌》的封面设计简直是艺术品，那种淡雅的墨绿色调配上古朴的隶书字体，一下子就把人拉进了一种沉静而悠远的历史氛围中。我原本是抱着了解一下中国民间音乐基础知识的心态翻开的，但很快就被它那种深入骨髓的文化气息所吸引。书里对不同地域民歌的流派划分和其背后的社会生活图景的描绘，简直是教科书级别的严谨，但文字的叙述方式却丝毫没有学究气。比如，书中对陕北信天游那种粗犷豪迈的旋律是如何与黄土高原的地理环境和农民的生命哲学紧密结合的分析，细致到每一个转音、每一个换气，都像是现场为你演唱了一遍。我尤其欣赏作者在考察民歌的传承过程中，对那些已经几近失传的歌种所付出的心血，那种对文化“抢救”的紧迫感和敬畏之心，透过字里行间清晰可辨。阅读的过程中，我仿佛跟着作者的笔触，穿梭在巴蜀的烟雨朦胧中，感受着侗族大歌那种多声部交织的震撼力，再到江南水乡小调的婉约细腻。这本书不只是简单地罗列歌词和曲谱，它是在重构一种失落的生活方式，还原那些在田间地头、婚丧嫁娶中自然流淌出来的生命之声。对于任何一个对中国传统文化有深层兴趣的人来说，这本书都是一份值得珍藏的宝藏，它提供的知识密度和情感共鸣是极其罕见的。

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我不得不说，《中国民歌》这本书展现了一种近乎偏执的求真精神。作者在考证某些古老歌谣的源流时，所采用的比对方法，简直像是侦探小说里的逻辑推理，将不同地域、不同时期的文献碎片进行交叉验证，最终还原出一个相对可靠的“真相”。这种对细节的锱铢必较，使得全书的论据非常扎实，让人读起来有极强的信服力。尤其是关于祭祀性民歌的章节，作者谨慎地避开了过度神秘化的倾向，而是冷静地分析了其符号意义和功能性转变，这体现了作者极高的学术素养和客观立场。不过，我个人觉得，这本书的某些地方在语言运用上略显晦涩，尤其是在讨论到复杂的音阶模式和调式转换时，对于非音乐专业背景的读者来说，需要反复阅读才能领会其精髓。但这或许是这种深度研究的必然代价。总而言之，如果你只是想找一本轻松的读物来消磨时间，这本书可能不太适合；但如果你渴望深入理解中国民间音乐的“骨骼”和“血肉”，并愿意为之投入时间和精力，那么这本书无疑是极具价值的投资，它提供的知识壁垒和深度，是其他任何入门读物都难以逾越的。

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这本书的装帧和排版给我一种非常愉悦的阅读体验，这对于一本内容如此扎实的专业书籍来说，实属不易。纸张的质感很好，拿在手里有一种沉甸甸的踏实感。内容上，它最大的亮点在于其宏大的历史视野和微观的文化细节之间的完美平衡。作者显然花费了数十年时间在田野间行走，书中的很多引文和故事，听起来就像是邻家老奶奶在炉火边娓娓道来的私房话，亲切自然，却又句句珠玑。比如，对某个特定省份的“山歌对唱”习俗的描述，不仅记录了歌词的内容，还细致勾勒了男女双方在特定场合下眼神、手势乃至衣着的变化，这些“非音乐”的元素，恰恰是理解民歌生命力的关键。这种全景式的文化描绘，让我这个对民歌知之甚少的“门外汉”也能迅速进入情境。我特别喜欢书中那些插图，虽然不是高清彩印，但那些手绘的乐器图谱和服饰速写，带着一种旧时光的韵味，与文字形成了极佳的互动。这本书成功地将一项严肃的学术研究，转化为了一场引人入胜的文化漫游，让人在学习知识的同时，也收获了精神上的愉悦和对民间艺人的深深的敬意。

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说实话，我一开始对这种音乐专著是持保留态度的，毕竟很多同类书籍要么过于学术化，晦涩难懂，要么就是流于表面，蜻蜓点水。然而，《中国民歌》这本书完全颠覆了我的预期。它的叙事视角非常独特，它不是从音乐理论的框架去解构民歌，而是像一个资深人类学家在观察一个鲜活的部落。书中很多案例分析，比如对特定村落中用于祭祀或劳作的特定曲目的田野记录，那种细节的捕捉和旁白，简直是文学级的享受。我印象最深的是关于“号子”的部分，作者没有仅仅停留在介绍其功能性，而是深入探讨了不同行业（如伐木、采茶、筑坝）的号子如何通过节奏的细微变化来协调人力，这其中蕴含的集体智慧和韵律美学，是任何现代管理学都无法企及的。更难得的是，书中对于民歌在近现代社会转型中所面临的困境和适应性的探讨，保持了一种冷静而富有同理心的批判姿态，没有简单的褒贬，而是呈现了复杂的现实图景。读完后，我对“音乐”这个概念的理解都得到了拓宽，它不再是舞台上的表演，而是渗透在柴米油盐中的生命节奏和集体记忆的载体。这本书的厚重感和思想的穿透力，绝对不是市面上那些“速食文化读物”可以比拟的。

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