具体描述
本书是一本影视摄影专著。全书共五章，分别论述摄影造型表现手段、光线处理、摄影构图及影视各片种摄影创作的基本理论和具体技巧、方法。本书在保持专业理论论述完整与系统的基础上，尽可能广泛提供摄影创作上的不同观念、流派、创作方法，并且大量分析了中外影视摄影创作实例，特别是书中附录了相关片种具体摄影创作实例文章。这将使本书创作理论实在化，摄影语言运用具体化，也益于读者学习。
作者简介
目录信息
第一章 影视摄影造型表现手段
第一节 影视银屏视觉形象的建构
第二节 光线造型表现手段
……
第二章 影视光线处理
第一节 影视摄影光线处理
第二节 光线与光效
……
第三章 影视摄影构图
第一节 影视摄影构图的特点
第二节 影视摄影构图的结构元素
……
第四章 影视摄影艺术创作
第一节 非情节性影视作品摄影创作
第二节 情节性影视作品摄影创作
第三节 其它类型影视作品摄影创作
第五章 影视摄影艺术
第一节 影视综合艺术
……
· · · · · · (收起)
读后感
评分
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用户评价
拿到这本书后，我最先注意到的就是它那种沉甸甸的重量感和印刷质量，纸张的厚度和哑光处理，都给人一种“硬货”的感觉。我抱着一种学习电影语言的心态开始阅读，希望能从中挖掘出那些大师们不为人知的“秘密武器”。坦白说，这本书在“历史回顾”部分做得非常出色，对早期默片时代的光影运用，以及不同国家电影流派的视觉差异，都有着细致入微的描绘。作者似乎对早期电影史了如指掌，能够清晰地勾勒出技术演变对艺术表达的推动作用。然而，当我进入到关于现代数字摄影的章节时，内容突然变得有些分散和跳跃。一方面，他对胶片时代的色彩科学有着近乎迷恋的描述，另一方面，对新兴的HDR技术和虚拟制景的讨论却显得蜻蜓点水，不够深入。这让我感觉作者的重心明显偏向于经典的、模拟的时代。作为一个追求跟上时代步伐的爱好者，我感觉自己像是在听一位老教授讲述辉煌的过去，却对当下的技术革新有些力不从心。这本书更像是一部扎实的电影美学史，而非一本面向未来的技术手册。
评分这本书的结构安排有些出乎我的意料，它并没有按照我们通常理解的那种“认识器材——基础布光——高级技巧”的顺序来组织内容。相反，它更像是一系列围绕“视觉叙事动机”展开的散文集合。作者的文笔非常流畅，充满了文学色彩，阅读起来甚至带有一点点诗意。他擅长将抽象的意境转化为可感知的画面描述，比如用“冷冽的月光勾勒出背叛者的轮廓”这样的句子来代替简单的“使用侧逆光”。这种风格非常独特，极大地拓宽了我对“如何用光来表达情绪”的想象空间。但随之而来的问题是，逻辑推进的连贯性受到了影响。有时候，前一章还在深入探讨某一特定镜头的运动方式，下一章却跳跃到了不同文化背景下对色彩的解读，让人需要不断地在不同的知识点之间建立联系。对于习惯于线性学习的人来说，这种跳跃性阅读可能会带来一定的挫败感。总而言之，这是一本充满艺术气息的读物，它教会了我如何“感受”光影，但并未清晰地指引我如何“控制”光影。
评分这本书，说实话，拿到手的时候我就有一种莫名的期待感，封面设计得很有质感，那种深邃的蓝和一点点光影的对比，让人立刻联想到夜晚的城市或者电影片场的幕布。我本来是冲着它那个响亮的名字去的，想着里面应该会详尽地剖析那些经典电影的镜头语言、色彩运用和光线布局。但是读进去之后，我发现它更像是一本关于“如何讲故事”的工具书，只不过用的语言是视觉化的。作者花了大量的篇幅去探讨景深、焦距这些技术层面的东西，比如，他会详细描述为什么在某个特定场景下，用广角镜头会带来压迫感，而长焦镜头则能营造出疏离感。我个人比较关注叙事驱动，所以对那些纯技术参数的介绍略感枯燥，比如他花了三页纸来讲解不同滤镜对皮肤质感的细微影响，虽然专业，但对于一个非科班出身的爱好者来说，信息量有点过载。我更希望看到的是，如何用这些技术去服务于人物的情感转变，而不是单纯的技术展示。不过，书的后半部分，关于“光”的哲学思考倒是挺吸引人的，作者将光线比作情绪的载体，这一点我深表赞同，读起来让人对平时看电影的习惯都有了新的审视角度。总的来说，内容扎实，但节奏上略显偏重技术解析，导致情感代入感稍弱。
评分我这本书的阅读体验，可以说是一场漫长而曲折的“寻宝之旅”。我原本以为这会是一本可以快速翻阅，用以提升自己审美基调的速成指南，毕竟书名听起来就非常“高大上”，直指核心艺术层面。结果呢，它更像是一本需要耐心啃读的学术专著。作者的行文风格非常严谨，每一个观点都有清晰的理论支撑和案例引用，这一点值得称赞，体现了作者深厚的知识储备。然而，这种严谨性也带来了阅读上的门槛。比如，在讨论叙事结构时，他会大量引用一些晦涩的电影理论家的名字和他们的抽象概念，如果不去查阅背景资料，很多段落读起来就如同在云里雾里徘徊。我试图去寻找那些关于具体“如何打光”的实用技巧，比如如何在家庭场景中模拟自然窗光，但这些内容被极度稀释在了大段的关于“光线心理学”的探讨中。对我来说，这本书更像是一本理论基石的构建手册，适合那些希望从根本上理解视觉艺术原理的人。如果期待能从中找到“一招鲜吃遍天”的拍摄窍门，那可能会大失所望。我更倾向于将其视为一本参考字典，而非一本引人入胜的小说。
评分这本书的排版和设计感确实值得称道，大开本的印刷让那些理论插图能够得到充分的展示，看得出编辑在装帧上也下了不少功夫。然而，内容上给我的感受是“高屋建瓴，缺乏烟火气”。作者的视角非常宏大，他似乎总是在讨论“电影”作为一个整体的艺术地位，以及它在文化光谱中的作用。这固然提升了本书的格局，但对于我们这些在实际拍摄中摸爬滚打的实践者来说，就显得有些疏远了。我希望看到的是关于具体器材选择对画面质感的影响，比如，某个镜头在极端光线下会出现什么炫光，或者在低照度环境下，某个传感器的表现力如何。但书中对于这些“接地气”的讨论非常少，更多的是对“光与影的辩证关系”这种哲学命题的反复探讨。读完之后，我感觉自己对电影艺术的理解拔高到了一个理论的高度，但真要拿起摄像机准备实拍时，却找不到可以直接套用的操作指南。它更适合放在咖啡馆的桌子上，偶尔翻阅以激发灵感，而不是作为片场的工具书来参考。
评分概念讲得不错，例子太老了
评分概念讲得不错，例子太老了
评分比较专业的工具书，看完绝对可以像木卫二那样自称专业人士了。
评分概念讲得不错，例子太老了
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