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出版者:电子工业出版社

作者:飞思中视动漫产品研发中心编

出品人:

页数:262

译者:

出版时间:2002-9

价格:78.0

装帧:平装

isbn号码:9787505379763

丛书系列:

图书标签:

• 动漫设计
• 动漫
• 设计
• 绘画
• 插画
• 艺术
• 视觉艺术
• 创意
• 技法
• 教程

探寻视觉叙事的无限疆域：一部关于现代电影与动画技术革新的深度指南 书名：光影魔术师的炼金术：从手绘到数字，电影与动画的百年流变与未来趋势 简介： 这部厚重的专著，旨在剖析二十世纪初至今，电影与动画艺术在技术、美学及产业层面的深刻转型。它并非一本关于特定流派或风格的速成手册，而是一次对“如何用动态影像讲述故事”这一核心命题进行历史性、技术性与哲学性审视的宏大叙事。 本书的视角超越了单一媒介的界限，将真人电影（Live-Action）与动画制作（Animation）视为相互渗透、彼此驱动的视觉语言体系。我们聚焦于那些推动媒介边界拓展的关键技术里程碑，以及围绕这些技术所产生的艺术思潮。 第一部分：胶片时代的黄昏与数字黎明的微光（1900-1990） 本部分追溯了从默片时代到彩色宽银幕技术成熟的历程，重点探讨了早期特效的物理局限性及其所催生的创造力。 技术演进的脉络： 我们详细考察了光学合成技术（Optical Printing）在《星球大战》系列中如何构建宏大宇宙的实践，分析了定格动画（Stop Motion）从《金刚》到雷·哈里豪森手中所体现的“物质魔力”。同时，本书花费大量篇幅探讨了传统赛璐珞动画黄金时代的工业化流程，从迪士尼“九老画家”的工作室管理到前苏联和日本动画工业在叙事节奏和角色设计上的差异化探索。 美学哲学的碰撞： 在技术革新的背景下，不同的电影学派如何解读影像的本质？我们对比了基于蒙太奇理论的苏维埃电影语言与基于视觉奇观的荷属好莱坞叙事模式。在动画领域，探讨了如何用手工绘制的线条捕捉人类情感的微妙层次，例如对“动态模糊”的早期模拟，以及色彩理论在动画片情绪渲染中的决定性作用。 第二部分：三维革命：空间、计算与无限的可能（1990-2010） 进入数字时代，本书的核心转向对计算机生成图像（CGI）的深度解析。这不仅仅是关于软件操作的指南，而是关于如何用算法重塑现实与想象边界的哲学探讨。 从二维到三维的范式转移： 我们深入剖析了皮克斯（Pixar）等先驱工作室在建立完整的数字内容制作管线（DCC Pipeline）中所面临的挑战：从建模、纹理绘制到光影渲染（Rendering）的复杂数学基础。书中详细阐述了基于物理的渲染（PBR）技术如何使数字角色和环境获得前所未有的真实感，以及这种“真实性”对观众心理预期的重塑。 动作捕捉与数字替身： 本章重点分析了动作捕捉技术（Mo-Cap）从早期粗糙数据采集到高精度面部捕捉（Performance Capture）的发展。我们不仅展示了技术实现，更探讨了其对演员表演权限的界限模糊，以及这种“数字分身”对未来表演艺术的伦理影响。同时，对早期数字角色如《最终幻想：精神之子》中的尝试进行了技术失败分析，以期提供宝贵的经验教训。 第三部分：后数字时代的融合与边界消融（2010至今） 当前阶段，技术发展进入了深度融合与沉浸式的时代。本书探讨了虚拟制片、实时渲染和AI辅助创作如何共同定义新的视觉叙事标准。 虚拟制片（Virtual Production）的崛起： 详细介绍了LED墙技术与实时游戏引擎（如Unreal Engine）在电影制作中的应用。这不再是后期合成的补充，而是前期制作的革命。书中通过对几个标志性项目的案例分析，阐释了如何实现“所见即所得”的工作流程，极大地压缩了后期制作周期，并允许导演在拍摄现场即时调整光照和环境。 实时渲染与交互式叙事： 游戏技术与电影技术日益趋同，本书探讨了实时渲染能力如何催生了新的叙事形态——交互式电影和沉浸式体验。我们分析了这些技术对传统线性叙事结构构成的挑战，以及叙事设计师如何适应多路径、多结局的创作需求。 生成式艺术与创作者的未来： 最后一部分对生成式人工智能（Generative AI）在概念设计、故事板制作和资产生成方面的影响进行了冷静的评估。本书旨在帮助创作者理解，AI工具是增强创意而非取代创意的放大器。我们关注于“提示词工程”（Prompt Engineering）在美学指导中的作用，以及人类决策者在海量数据生成面前，如何保持原创性和艺术主导权。 本书的独特价值： 《光影魔术师的炼金术》的价值在于其跨学科的整合性。它汇集了电影史、计算机图形学、材料科学与叙事理论的知识，为所有致力于探索视觉艺术前沿的专业人士、学者和爱好者提供了一部全面、深刻、且具有前瞻性的参考巨著。它不教授如何操作某一个软件，而是教导读者如何理解隐藏在所有视觉奇观背后的物理定律、数学原理与艺术直觉的交汇点。这是一部关于“如何构建幻象”的严肃学术探讨。

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这本书的装帧和印刷质量真的让我感到惊喜，完全配得上其高昂的定价。纸张的磅数和光泽度都达到了艺术画册的级别，即便是那些细微的笔触和墨迹的层次感，都能清晰地还原出来，这对于研究大师级作品的笔触细节的读者来说，至关重要。我特意对比了书中几个经典作品的局部放大图，连画家下笔时的力度变化似乎都能通过纸张的纹理感应到。此外，书中的索引系统设计得非常人性化，查找特定知识点非常便捷，这在厚重的参考书中是难能可贵的优点。整体来看，这不仅仅是一本学习资料，更是一件值得收藏的艺术品，其物理形态本身就散发着一种对创作的敬畏感，让人在翻阅时就油然而生一种沉浸式的学习体验，是那种可以放在书架上，随时取阅，每次都能发现新东西的宝典。

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这本书的排版简直是艺术品，每一页都充满了对细节的极致追求。装帧的设计非常用心，那种厚重又不失质感的纸张拿在手里就让人心生欢喜。内容上，我尤其欣赏作者对于色彩运用的独到见解，那些案例分析深入浅出，即便是初学者也能迅速掌握其中的精髓。特别是关于光影处理的那几个章节，简直是打开了我对二维世界的新认知，原来光线不仅仅是照亮物体，更是塑造情感的无声语言。插图的质量极高，线条的流畅度和造型的准确性都达到了专业级别，让人忍不住想立刻拿起画笔去模仿实践。书中的理论阐述严谨而又富有启发性，它不像一本枯燥的教科书，更像是一位经验丰富的大师在耳边娓娓道来，让你在轻松愉快的阅读氛围中，悄然完成了技能的飞跃。我原本对某些复杂的透视关系感到头疼，但这本书通过直观的图示和循序渐进的步骤拆解，让我豁然开朗，现在我已经能自信地构建出更加复杂和富有张力的场景布局了。

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从内容的前瞻性来看，这本书展现了作者对于行业发展趋势的敏锐洞察力。它不仅仅停留在当下流行的技术层面，还探讨了如何将传统艺术理念与新兴的交互媒体设计相结合的可能性。我最欣赏的是其中对于“跨媒介叙事”的章节，它启发我去思考，如何在二维图像之外，构建一个更宏大、更具沉浸感的视觉世界。书中对于未来角色设计的趋势分析，也给了我很多启发，让我不再局限于固有的审美框架，而是敢于探索更具颠覆性的造型语言。阅读过程中，我多次被作者提出的问题所吸引，比如“当AI可以生成图像时，人类创作者的价值究竟在哪里？”这种对行业本质的追问，让这本书的厚度远超一本单纯的技法书，它更像是一份充满未来感的宣言。

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我不得不说，这本书的叙事方式非常引人入胜，它没有采用那种传统的、冷冰冰的知识点堆砌，而是将复杂的概念融入到一系列引人入胜的创作故事中。阅读体验非常流畅，仿佛在跟随一位老道的创作者进行一次奇妙的旅程。作者对于角色情感表达的捕捉能力令人惊叹，书中关于“眼神”和“肢体语言”的解析篇幅虽然不长，但其洞察力之深远，让人读后对角色的塑造有了全新的高度去考量。它不仅仅教你“怎么画”，更重要的是告诉你“为什么这样画”，这种深层次的思考引导，对于想从“画匠”晋升为“艺术家”的读者来说，价值无可估量。我特别喜欢其中关于“叙事性线条”的探讨，这部分内容直接提升了我对画面故事感的把握能力。而且，书中的文字充满了激情与人文关怀，能明显感受到作者对这个行业的真挚热爱，这种感染力是任何冰冷的教程都无法替代的。

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这本书的实用性超出了我预期的想象，我原本以为它会更偏向于理论探讨，结果发现它简直是一本行走江湖的“实战手册”。那些针对不同风格流派的技法演示，展示得极其详尽，从起稿到精修的每一步骤都有清晰的注释和对比图。我尝试着跟练了其中关于“赛博朋克城市夜景”的绘制流程，效果立竿见影，那种霓虹灯光与湿漉漉地面的反射效果，我以前怎么都画不出那种感觉，这本书给出的特定笔刷设置和图层叠加技巧简直是神来之笔。更棒的是，它还涉及到了后期数字绘画软件的高级功能运用，很多我一直忽略的快捷操作和效率工具，都在书中得到了系统的介绍，极大地优化了我的工作流程。对于需要快速出图的专业人士来说，这本书提供的效率捷径是无价之宝。

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