具体描述
该书汇集了内地、港澳台美术设计专家的文章,站在世界的角度回望传统,梳理传统图形的脉络,重新解读图形的意义,并将其精神转化为现代视觉语言。
作者简介
目录信息
序
田自秉 吴淑生
“岁寒三友”与工艺美术设计
汪大伟 胡建军
“岁寒三友”的理念
宋建明
中国传统图形与现代视觉设计观念问题的思考
何洁 张学忠
有容自从容
许平
从禅的图形到东方文化中的主体间性
胡平
中国设计文化的创造性转化
赵农
鉴古知今――中国传统图形的现代化
周小瓯 周筱馨
在传统中探寻本土设计
汪燕翎
关于现代设计中传统境域的思考
刘贲
守望传统图形的心灵乐章
张娜
传统文化符号的设计学意义
武祥永
“国际化”催生的传统再发现
尼跃红
在图形的诗意中畅游――关于图形含义的探讨
……
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这是一本真正能激发灵感的书,尤其适合那些在创意瓶颈期徘徊的设计师们。书中的案例展示非常精妙,不是那种教科书式的标准图例,而是充满了生命力的应用实例。我印象最深的是关于“流动性”主题的章节,作者通过分析山水画的笔触和云纹的形态,探讨了如何用动态图形来表达“气韵生动”的概念。这种跨媒介的联想能力,正是好设计所需要的。而且,作者的文风非常流畅,即使是阐述复杂的设计原理,也总能找到恰当的比喻,读起来毫不费力,有一种如沐春风的感觉。它巧妙地搭建了一座沟通古今的桥梁,让我看到了传统元素在未来设计中的无限可能,而不是简单地被当作怀旧的工具。
我是一个平面设计爱好者,平时比较关注国际前沿的趋势。坦白说,对于本土文化的研究书籍,我有时会抱持一种警惕,担心内容会过于陈旧或视角单一。然而,这本书彻底打消了我的顾虑。它的国际视野非常开阔,作者在介绍中国传统图形时,会不自觉地将其置于全球设计史的坐标系中进行对比和对话,例如它会讨论中国纹样与装饰艺术运动(Art Deco)中几何抽象的异同。这种比较让传统图形的价值得到了更清晰的凸显。全书的结构组织得非常好,逻辑清晰,层次分明,从宏观的文化背景到微观的线条处理,层层递进,让人能够建立起一个完整的知识框架。对于任何希望在全球设计领域中,赋予作品独特“中国身份”的设计师来说,这本书是不可多得的宝贵财富。
说实话,这本书的深度超出了我的预期。我原本是冲着“视觉设计”的实操性去的,但它却给我带来了一场关于文化基因的溯源之旅。作者在追溯某些几何图案的起源时,引用了大量古代文献和出土文物作为佐证,那种扎实的研究功底令人敬佩。虽然有些部分涉及到了古代工艺的细节,比如织锦、雕刻的技法,对于纯粹的数字设计师来说可能略显专业,但我认为正是这些细节,构筑了传统图形坚实的美学基础。这本书最棒的地方在于,它没有将传统图形神圣化或束之高阁,而是用一种非常现代、去神秘化的语言去解构它们,最终目的是为了更好地服务于今天的创意实践。它更像是一部高级的设计方法论教材,而不是简单的图册。
我花了周末的时间细细品读了这本书,最大的感受是它提供了一种看待中国传统文化资源的新视角。很多设计师在做国潮设计时,往往会陷入“符号堆砌”的误区,这本书恰恰提供了解构这些符号的有效方法。作者似乎带着一种考古学家的严谨和艺术家的浪漫,把复杂的图形演变过程讲得清晰明了。特别是它对“留白”和“负空间”在传统图案中的运用进行了深入的剖析,这一点在现代极简主义设计大行其道的今天,显得尤为珍贵。我特别喜欢其中关于“意境”如何转化为视觉语言的讨论,这超越了单纯的图形美学,触及到了东方哲学层面。读完后,我立即尝试着用这种思维去审视我手头正在进行的一个项目,发现思路一下子开阔了很多,不再局限于表面的元素挪用,而是着眼于神韵的传承。
这本关于中国传统图形和现代视觉设计的书,实在是让我眼前一亮!我本来以为这会是一本枯燥的理论探讨,没想到作者的切入点如此新颖和富有活力。书中对于传统纹样的解读,不仅仅停留在历史考据的层面,而是深入到了它们在当代设计语境下的“活化”可能性。比如,书中有一章专门讲了如何将宋代的窗格元素拆解、重构,并应用到界面设计和品牌视觉识别中,那些案例的分析真是细致入微,让我这个科班出身的设计师都感到受益匪浅。作者对色彩的敏感度也值得称赞,他探讨了中国传统色彩体系,比如“青、赤、黄、白、黑”的哲学意蕴,并对比了它们在数字媒体上的呈现效果,提供了很多非常实用的色彩搭配建议,完全不是那种陈词滥调的“传统就是大气”的空话,而是有理有据的实操指南。整体装帧设计也很有品味,纸张的质感、印刷的精良度,都体现了对“设计”本身的尊重,让人爱不释手。
异常精彩和丰富的论文集
像个论文集,写的人多是国内院校在平面或者设计史论有声望的人。开头几篇写得很棒,里面也有一些观点对设计学习者颇有裨益。
很多人的看法与想法,中国传统图形,要理解不要浮躁的去照搬。
很多人的看法与想法,中国传统图形,要理解不要浮躁的去照搬。
很喜欢勒埭强先生。