具体描述
日本戏剧通常在色彩、形体、音感和动作方面充满了独特的美，但是我们由于有时并不能了解戏剧情节和场面，归根到底还是接受不了。但是人类的戏剧是具有普遍性的，而证实了“共同点”的存在，也就明确了彼此的“差异”。作者河竹登志夫在本书中探讨了日本传统戏剧如歌舞伎、能乐的美感，并从舞台布置、音乐、表演、道具等方面探讨真正的日本戏剧的美。
作者简介
目录信息
河竹登志夫
序章 如何认识日本戏剧的“美”
（一）从歌舞伎访美演出谈起
历史上的首次访美演出――“切
腹”场面的是非论争――我的体
验和观众意见调查
（二）具有典型的日本风情的《娘
道成寺》――为什么不受欢
迎？
外国记者的疑问――蛇女的舞蹈
并不像蛇――日本舞蹈难理解
（三）人类戏剧的普遍性――《俊
宽》和《忠臣藏》为什么受
欢迎？
狂热的苏联观众――美国人的激
动和川端康成的惊异――外国评
论家的眼力
（四）历史积累下来的文化――
应慎重地进行比较
首先找出共同点――要纵横交叉
地进行比较――外来文化和日本
固有文化
（五）对外来文化的调理法――
寻求固有的精华
什么是日本烹调的味道――取
舍、变形与创造――鬼怪的含义
和歌舞伎的脸谱
第一章 自由的时空
（一）空的空间――想像力任意
飞翔
自由地变换空间――能乐《高
砂》――欧洲戏剧是“再现”――
莎士比亚戏剧场面的流动性
（二）变化自如的舞台―― 从机
关布景到一块黑布
立体装置的《弥次和喜多》――
文乐的私奔场面――歌舞伎的舞
台结构和技巧――“毯子戏”――
日本的居室文化
（三）转台――日本人的创造
当场变换的生理快感――转台的
创造和对欧洲戏剧的影响
（四）花道――海外公演的难题
表演空间的花道――巴黎和伦敦
的花道――外国有没有花道？
（五）双花道的临场感――同化
和异化的变幻境界
《妹背山妇女庭训》和《刃伤与三
郎》――空间的延长和扩大――
想像力的自由发挥――布莱希特
与歌舞伎
第二章 造型美与音乐感
（一）眼睛和耳朵的快感―― 追
求程式美
七五韵律与“声音、扮相”――创
造视、听觉美的境界
（二）亮相的画面―― “序、破、
急”的规律
亮相、眼神――菊五郎的“夫妻
吵架”场面――画面的构思――
与“插花”艺术相似
（三）生动的色彩与风韵――脸
谱、能乐面具等
红色的含义――岸田刘生的粗俗
美论――中间色与风土人情――
日本绘画的意境――色彩的象征
（四）七五韵律和鼓点一―― “顿
挫”的文化
日语的音乐感――《俊宽》里的
水绸子和浪声――各种鼓点的表
现力――梆子和“顿挫”――瓦
格纳与综合艺术
第三章 主情与咏叹
（一）别离与眼泪――离别和无
常感的戏剧
卡秋莎的悲伤――欧洲情节剧与
日本――程式性与主情性
（二）悲叹场面―― 以情感和情
趣为主
“剧”和“戏”――“序、破、急”来自
歌舞伎理论――五段体结构与“悲
叹”的位置――以情感和情趣为主
（三）家庭悲剧――《熊谷阵屋》
的剧作艺术
强调家族关系的日本――不砍杀
“敦盛”的理由――能乐与文乐、
歌舞伎的区别――父爱与母爱
――日本的感情净化
（四）“私奔”场面――余韵和旅
情
《曾根崎情死》――从《万叶集》
到《私塾》――欧洲为什么没
有？――行乐与色情――私奔与
自然界
第四章 舞台艺术与自然界
（一）“鲜美的应时鲤鱼”――戏
剧与季节
四季鲜明的国土――梳头匠新三
的应时鲜鱼――能乐演员世阿弥
的“花”――狂言的“黑雪”――
“节庆戏剧”―― 重视“四季心
情”的变化
（二）人工的自然美――现实与
虚构
维也纳会议的盆裁花卉――模型
的自然美――庭园的对称和菲对
称――歌舞伎与自然界――是爱
情还是无情？
（三）自然回归的心情――和谐
与对立
日本的自然是温和的吗――挪威
的雪山――“和”与日本文化――
“私奔”与自然回归――安心立命
的境界
第五章 “美才是真”的美学
（一）鬼怪戏的妙趣―― 东西方
的流血场面
开在悬崖上的鲜花――《刀砍义
平次》与残酷的美――东西方的
流血场面――血的表现方法
（二）丑怪凄惨场面的美化
是日本人喜欢残酷场面
吗？
东西方谁表现得残酷呢？――残酷
的目的不同 美化的方法――妖
魔与冤魂 和平生活的产物
（三）虚与实之间――理想美的
表现形式
“花”与“虚实皮膜论” 名演
员柯克兰和小猪的故事 坂田
藤十郎的草鞋――旦角的奥秘
（四）美优先于真――“花”与
“慰藉”
写实的《底层》与有趣的盗贼故
事――死在观众手里的演员――
日常生活中的美――东 西方的
盔甲――死的美化
末章 充满生命力的传统
（一）“型”与祖传绝技――人体
性传统
人体性和文学性――《哈姆莱
特》和能乐舞台的四根柱子――
“型”的形式――祖传技艺
（二）人体性传统是如何形成
的？――歌舞性、显现、仪
式性
作为显现理想美的“型”――仪
式性的生命力
（三）“道”的文化――世代相传
与斋戒净身
艺道的形成――一子相传的奥秘
――广场文化与艺道文化――重
叠性、多样性及其因由
（四）古老而有新意的传统美
――在国际文化交流的潮
流里
直至近代仍在继续的重叠性――
原点回归的超近代――传统美的
普遍性与特殊性
后记
资料（世界戏剧史年表）
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
从这本书中，我获得了一种全新的审美体验，它彻底颠覆了我过去对舞台艺术的刻板印象。作者以一种极为审慎的态度，对日本戏剧舞台上的每一个细节进行了剖析。我被书中对“寂静之美”的描写所深深吸引。在日本的戏剧舞台上，寂静不是空无一物，而是充满了张力，充满了暗示，甚至充满了生命力。我仿佛能听到寂静中细微的声响，感受到寂静中涌动的暗流。这种对“无”的深刻理解和运用，是中国传统哲学中“道可道，非常道”的另一种体现，却在日本的舞台艺术中，焕发出了别样的光彩。书中对“留白”的讨论，同样令我茅塞顿开。舞台上的留白，不是简单的空置，而是艺术家们精心设计的空间，让观众的想象力得以自由驰骋。我看到了那些被省略的场景，被隐去的细节，反而比事无巨细的呈现，更能引发观众的思考和情感投入。这种“少即是多”的艺术哲学，在书中得到了淋漓尽致的展现。
我对这本书的喜爱，已经超越了简单的“读完”，更像是一种“体验”和“感悟”。作者用她/他敏锐的观察力和深厚的文化底蕴，为我揭示了日本戏剧舞台上那些看似简单却蕴含深意的构成元素。我尤其被书中对“余韵”的强调所打动。在许多戏剧表演结束后，观众往往会久久不能平静，这正是因为艺术家们在表演中留下了足够的“余韵”。这种余韵，可能来自于一个意味深长的眼神，可能来自于一段悠扬的旋律，也可能来自于一次戛然而止的动作。它们在观众心中留下想象的空间，让戏剧的意义得以延伸。我开始意识到，好的艺术作品，不应该是一蹴而就的，而应该像陈年的美酒，需要时间去回味，去品味。书中对“不动”与“动”的辩证关系的阐释，也让我受益匪浅。日本戏剧舞台上，既有静止不动、看似僵化的姿态，又有瞬间爆发的强烈情感。这种对比，反而更能突出情感的张力，更能引发观众的共鸣。我开始明白，真正的力量，有时就蕴藏在静默之中，而瞬间的爆发，则需要长久的积淀。
这本书对我来说，是一次充满惊喜的阅读体验，它让我看到了日本戏剧舞台上，那些隐藏在表象之下的深刻含义。作者以一种非常独特的方式，解读了日本戏剧的“仪式感”。这种仪式感，不仅仅是形式上的重复，更是精神上的传承，是情感的寄托，是文化的积淀。我看到了演员们如何通过对每一个动作、每一个表情的精准把握，来完成一场庄重而又充满神圣感的表演。这种对“仪式”的尊重，让我感受到了艺术家们对艺术的虔诚，以及对观众的敬意。书中对“无我”境界的探讨，也让我深思。日本戏剧中的许多表演，都追求一种“无我”的状态，将个人的情感融入到角色之中，将个人的意志服从于整体的艺术表达。我看到了演员们如何超越自我，去塑造一个更加完美的艺术形象。这种“忘我”的奉献精神，是值得我们每个人学习的。
我必须说，这本书的内容对我而言，就像是一扇突然开启的窗户，让我得以窥见一个我从未想象过的艺术世界。作者在开篇便以一种近乎虔诚的态度，带领读者步入日本戏剧的殿堂。书中对“物哀”精神的解读，尤其让我印象深刻。这种对生命短暂、世事无常的深刻感悟，是如何体现在舞台上的？作者通过对具体剧目片段的分析，以及对演员表演方式的细致描述，给出了令人信服的答案。我看到了角色在短暂的生命中，如何展现出极致的悲喜，如何用有限的时间去体验最深刻的情感，然后在生命的尽头，留下令人唏语的余韵。这种“哀而不伤”的美学，在现代社会快节奏的生活中，显得尤为珍贵。我开始反思，我们是否也应该在匆忙中，停下脚步，去感受生命中那些稍纵即逝的美好，去体味那些无声流逝的时光？书中对“侘寂”美学的融入，也为我打开了新的视野。那些不完美、不完整、甚至有些残缺的美，在舞台上却能散发出独特的光芒。一个陈旧的道具，一个磨损的背景，在恰当的灯光和演员的演绎下，却能承载着厚重的历史感和人性的温度。这让我开始重新审视我们对“美”的定义，不再局限于光鲜亮丽，而是看到了隐藏在朴素与自然之中，更为深邃的艺术魅力。
拿到这本书的那一刻，我就被它散发出的独特气息所吸引，而阅读的过程也完全没有辜负我的期待。作者的文字功底非同一般，她/他能够用最简洁、最精准的语言，捕捉到日本戏剧舞台上那些转瞬即逝的瞬间。我特别着迷于书中对于“型”的阐释。无论是演员的肢体语言，还是舞台道具的摆放，亦或是音乐的起承转合，似乎都遵循着一套严谨而又充满艺术张力的“型”。但这种“型”并非死板的教条，而是一种将情感、故事、以及哲学思想凝练为形式的美。我从中看到了日本艺术家们对传统技艺的极致追求，以及如何在传承中不断创新。书中对演员表演的细节描绘，让我仿佛置身于剧场之中，能感受到演员每一次呼吸的力度，每一次眼神的聚焦，以及每一次情感爆发前的酝酿。这种对“内敛”与“张力”的巧妙平衡，是日本戏剧最令人着迷的地方之一。我开始思考，在我们的日常生活中，是否也能学习这种“型”的智慧，用更为克制而有力量的方式来表达自己？书中对“寂静”在舞台上的运用，更是让我耳目一新。那种在寂静中蕴含的无限可能，那种留白带来的想象空间，都让我感到震撼。我明白了，有时候，最强大的力量，恰恰来自于最沉静的时刻。
这本书为我打开了通往日本戏剧艺术世界的一扇大门，我从中领略到了前所未有的美学魅力。作者的语言风格极其细腻，她/他能够用最恰当的词语，描绘出那些难以用言语形容的情感和意境。我尤其对书中对“虚实相生”的解读深感认同。日本戏剧舞台上的许多元素，都遵循着虚实结合的原则。一个简单的道具，在演员的演绎下，可以变成千军万马；一段悠扬的音乐，可以勾勒出壮阔的风景。这种“化虚为实，化实为虚”的艺术手法，展现了艺术家们非凡的创造力。我开始思考，在我们现实生活中，是否也能用这种“虚实相生”的智慧，去创造更丰富的生活体验？书中对“不对称”之美的运用，也让我耳目一新。许多日本传统艺术，都推崇不对称的美感，这种不规则、不完美，反而更能体现出自然的生命力和艺术的动感。我看到了舞台上道具的摆放，演员的站位，甚至服装的设计，都充满了这种对“不对称”的巧妙运用，让整个舞台呈现出一种生动而富有张力的画面。
阅读这本书，我仿佛经历了一场心灵的洗礼，对日本戏剧舞台的美学有了全新的认识。作者在书中展现了她/他渊博的学识和深厚的艺术功底，将复杂的概念讲解得通俗易懂，又充满艺术的感染力。我被书中对“物寂”的阐释所深深打动。这种在静寂中感受到的，一种超越形式的，对生命本身存在的深刻体悟，在日本戏剧的舞台上，得到了最完美的体现。我看到了演员们如何通过最简单、最朴素的动作，去传递最深刻的情感，去触及观众内心最柔软的部分。这种“无为而为”的境界，让我感到由衷的敬佩。书中对“侘寂”美学的融合，也让我看到了艺术的另一种可能性。那些残缺、不完整、甚至有些粗糙的美，却能散发出一种独特的魅力，一种洗尽铅华的宁静。我开始反思，我们是否也应该学会在不完美中寻找美，在残缺中发现价值。
这本书就像是一场精美的日本艺术之旅，每翻一页，都让我对日本戏剧舞台的美学有了更深一层的认识。作者的叙述方式非常独特，她/他不是简单地罗列事实，而是通过深入的分析和生动的例子，将抽象的美学概念具象化。我印象最深刻的是书中对“幽玄”的探讨。这个词本身就带着一种难以言喻的神秘感，而作者却能通过对舞台效果、音乐氛围、以及演员情感的层层剖析，让我切实地感受到了“幽玄”所带来的那种深邃、飘渺、又充满吸引力的美。我仿佛能看到舞台上投下的朦胧灯光，听到远方传来的悠远钟声，感受到一种超越视觉和听觉的，直达心灵深处的震撼。书中对“假名手本忠臣藏”等经典剧目的解读，也为我提供了全新的视角。我不再仅仅关注情节的跌宕起伏，而是开始体会其中蕴含的忠义、复仇、以及人性的复杂。演员们如何通过高度程式化的表演，去传递那些永恒的情感，这本身就是一种令人叹为观止的艺术。我开始理解，日本戏剧之所以能流传至今，不仅仅是因为其精湛的技艺，更是因为它触及了人类情感中最深层、最普遍的共鸣。
这本书的阅读过程，对我来说，是一次深入的文化探索，它让我领略到了日本戏剧舞台上，那种独特的、难以复制的美学风格。作者的叙事风格非常流畅，她/她能够将深奥的理论，用生动的故事和贴切的比喻展现出来。我尤其被书中对“侘寂”美学在舞台上的具体体现所吸引。那些陈旧的道具，磨损的布景，甚至演员脸上岁月的痕迹，在恰当的灯光和编排下，都散发出一种动人心魄的美。我看到了艺术家们如何从自然的衰败和短暂中，提炼出一种永恒的美感。这种对“无常”的深刻理解，也体现在演员的表演中。他们并不刻意追求完美，而是接受并拥抱生命中的不完美，并从中展现出一种更加真实、更加动人的力量。我开始理解，真正的美，往往不是表面的光鲜，而是蕴含在时间的长河中，经过沉淀和洗礼后，所散发出的独特韵味。
一本能让我深深沉浸其中，仿佛身临其境的读物，终于被我翻阅完毕，心中涌起一股难以言喻的满足感。书中对戏剧舞台的描绘，不仅仅是简单的场景搭建，更是一种对传统文化精髓的深度挖掘与呈现。作者以极其细腻的笔触，勾勒出日本传统戏剧，如能剧、歌舞伎、净瑠璃等，在舞台上的视觉与听觉盛宴。我尤其被其中对“间”的阐释所吸引。“间”——这个在日式美学中至关重要的概念，在这里被具象化为舞台上的留白、节奏的停顿、情感的积蓄，甚至演员之间无声的交流。这种“无声胜有声”的艺术表现形式，通过文字传递出来，让我深刻体会到一种含蓄而深沉的美。我仿佛能看到那白色的能面，在幽暗的灯光下，传递出复杂而难以名状的情感；能听到那鼓点与三味线交织出的韵律，在观众心中激荡出层层涟漪。书中对服装、道具、化妆的描述也绝非流水账，而是充满了对每一处细节的考究。一件和服的层叠，一种妆容的象征，都在无形中诉说着故事的背景、人物的身份、甚至他们内心的世界。我从中看到了日本艺术家们如何将自然万物，将四季更迭，将人生哲理，巧妙地融入舞台表演之中。每一个动作，每一次眼神的流转，都仿佛经过了千年的打磨，蕴含着深刻的文化底蕴。读罢此书，我感觉自己不仅仅是读了一本书，更像是进行了一次跨越时空的文化朝圣，对日本戏剧舞台的理解上升到了一个全新的高度。
通俗易懂
是值得今后奉为圣经的书。条理清晰，简洁明了，例子都很有意思，完全打开我视野。和1968文化论以及近代能乐论有人物+事件重叠，从不同人口中得知那个年代的风物，感觉真是太妙了。（必定要整一本日文原版随时诵读，以及这段时间的最好消息就是河竹登志夫先生原先是早大演剧科的，泣）
【把非日本独创的要素演绎为“日本、过于日本”的艺术特色】
前面的部分更有趣，整本书没有强行套用文化研究理论，都是本着作者自身的经验、对于观众的调查和观察所得出的结论。不给任何朴质的体验加上符号的标签，对于东西方的比较，多是分析产生差异的原因，连气候方面都涉及了多次，却不牵强附会，对于影响研究都很慎重。后边的几章关于戏剧情感、舞台艺术，美学与传统，感觉涉及分析观众的部分就比较少了，趣味便没有前面强。
可读性非常强的同时又能收获补充到很多知识！就是我看戏看的太少啦！
