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出版者:吉林美术出版社

作者:（英）De Agostini出版公司

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2001-06

价格:15.00元

装帧:铜版纸彩印平装

isbn号码:9787538608441

丛书系列:西洋美术家画廊

图书标签:

• 艺术
• 波洛克
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• 观念性的
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探索历史深处的辉煌与变革：世界建筑艺术的宏伟画卷 一本跨越时空的建筑史诗，带你领略人类智慧与美学的极致表达。 本书并非聚焦于个体画家的创作生涯与个人风格，而是将目光投向更为宏大、更为结构化的领域——人类文明的物质载体与空间叙事：世界建筑艺术的演进史。我们致力于描绘一幅由砖石、木材、钢铁与玻璃交织而成的壮丽画卷，揭示建筑如何作为时代精神的凝固、社会结构的镜像，以及技术革新的试验田，影响并定义了我们的生存环境与文化认同。 第一部分：起源与基石——古代文明的永恒回响 从美索不达米亚的泥砖神塔，到古埃及金字塔的几何学精确性，建筑的初始形态即承载着对神权、王权以及永恒的深刻思考。本章将深入剖析两河流域的“之”字形塔庙（Ziggurat）如何反映了阶层化的社会结构；通过对吉萨大金字塔群的结构分析，探讨古埃及人对天文学、几何学以及大规模工程组织能力的掌握。 我们将细致考察爱琴文明（如克里特的宫殿建筑）的有机布局与色彩运用，对比古希腊城邦的理性之光。重点在于解析多立克、爱奥尼与科林斯柱式的严格比例关系，这不仅仅是装饰符号，更是古希腊哲学中对“和谐”（Harmonia）与“尺度”（Kanon）追求的物质体现。帕特农神庙如何通过人眼视觉修正（Entasis）达到完美的视觉平衡，将是本部分的高潮。 紧接着，罗马人以其工程学的无畏精神，彻底改变了建筑的可能性。本书将重点剖析拱券（Arch）、筒形拱顶（Barrel Vault）和穹顶（Dome）技术的成熟如何促成了万神殿（Pantheon）这一奇迹的诞生。罗马道路、引水渠和公共浴场的系统性布局，展示了建筑如何服务于帝国治理与公民生活，塑造了西方城市规划的底层逻辑。 第二部分：信仰的营造与文化的交融——中世纪的垂直向上 中世纪的建筑艺术，是欧洲从古典向现代过渡的磅礴篇章，其核心主题是“向上帝靠近”。本书将详尽阐述拜占庭式建筑的独特贡献，尤其是圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）中，如何利用“鼓座”（Pendentives）技术将巨大的圆形穹顶无缝衔接到方形基座上，创造出流动、光线充盈的内部空间体验，这标志着空间定义艺术的重大飞跃。 随后，我们将进入西欧的罗马式（Romanesque）时期。这一时期的教堂和修道院以其厚重的墙体、深陷的窗洞和坚固的拱顶，展现出防御性与坚实感。这种“堡垒”般的结构，反映了当时社会对安全的需求。 中世纪建筑的巅峰，无疑是哥特式（Gothic）的崛起。本书将用大量篇幅解析哥特式建筑的三大核心创新：尖拱（Pointed Arch）、肋架拱顶（Rib Vault）和飞扶壁（Flying Buttress）。这些技术的结合，使得墙体从承重结构中解放出来，得以被巨大的彩色玻璃花窗所取代。沙特尔大教堂、巴黎圣母院的结构解析，将揭示这些“光之教堂”如何通过光影的几何学，重构信徒的精神体验，将世俗空间转化为神圣的象征性宇宙。 第三部分：复兴、秩序与装饰的盛宴——文艺复兴到巴洛克 文艺复兴是建筑师们重新发现古典原则、倡导人文主义精神的时代。本章聚焦于布鲁内莱斯基（Brunelleschi）在佛罗伦萨大教堂穹顶上的技术革命，这不仅是工程学的胜利，更是对古典智慧的重新肯定。我们将剖析阿尔伯蒂（Alberti）将建筑视为“美与和谐的科学”的理论建树，以及帕拉第奥（Palladio）如何通过对古罗马遗迹的系统研究，确立了后世沿用数百年的古典主义范式。 进入17世纪，随着绝对君主制的巩固和天主教会反宗教改革的需要，巴洛克（Baroque）建筑应运而生。它不再满足于古典的静止与平衡，而是追求运动、戏剧性和强烈的情感冲击。本书将解析贝尼尼（Bernini）和波罗米尼（Borromini）如何在罗马的教堂与广场设计中，运用曲线、凹凸墙面、复杂的雕塑元素和强烈的透视错觉，创造出一种令人目眩神迷的“全方位艺术”（Gesamtkunstwerk）。凡尔赛宫的镜厅，则成为权力意志通过空间语言进行表达的极致案例。 第四部分：理性与工业化的碰撞——古典主义的延续与现代的萌芽 18世纪的新古典主义（Neoclassicism）是对巴洛克奢靡的审美反叛，它重新拥抱古希腊罗马的简洁、清晰和道德感。从英国的罗伯特·亚当到美国的国会大厦，这种风格成为启蒙运动理想在物质形态上的投射。 然而，真正的颠覆性力量来自工业革命。19世纪，铸铁、钢材和玻璃的批量生产，彻底解放了建筑的结构潜力。本书将探讨水晶宫（The Crystal Palace）和埃菲尔铁塔（Eiffel Tower）的出现，如何引发了关于“形式追随功能”的深刻辩论。建筑师们开始直面新的材料和新的社会需求。 第五部分：功能至上与空间的解放——现代建筑的诞生与发展 20世纪初，建筑界爆发了一场旨在彻底抛弃历史包袱的革命。本部分将梳理现代主义建筑的几大核心流派和理论基石： 1. 风格的纯粹化： 勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“新建筑五点”（底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗、屋顶花园），以及他对机器美学的推崇。 2. 国际风格（International Style）： 密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）的“少即是多”（Less is More）哲学，以及他对玻璃幕墙和清晰结构逻辑的极致追求。 3. 有机建筑的探索： 弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）如何通过“草原学派”的低矮水平线条和与自然环境的融合，提供了一种对抗城市疏离感的替代方案。 最后，我们将展望20世纪下半叶至当代建筑的发展脉络，包括对现代主义教条的反思，后现代主义对符号与历史引用的回归，以及解构主义对稳定性的挑战。通过对毕尔巴鄂古根海姆博物馆等案例的分析，探讨建筑如何通过其自身的复杂形态，成为城市身份和文化消费的焦点。 本书的最终目标是，让读者不仅能识别不同风格的建筑符号，更能理解每一栋伟大建筑背后所蕴含的社会动力、技术限制、哲学思辨以及时代精神的深刻烙印。它是一部关于人类如何通过建造来定义自身存在意义的史诗。

评分☆☆☆☆☆

抽象表现主义画家J·波洛克评介 “现代艺术家生活在一个机器时代，我们有机器手段来逼真地描绘客观对象，如相机、照片。在我看来，艺术家的工作是表现内在世界——换句话说——是表现活力、运动以及其他的内在力量。……现代主义艺术家的着眼点是时间和空间，他表现情感，而...  

评分☆☆☆☆☆

抽象表现主义画家J·波洛克评介 “现代艺术家生活在一个机器时代，我们有机器手段来逼真地描绘客观对象，如相机、照片。在我看来，艺术家的工作是表现内在世界——换句话说——是表现活力、运动以及其他的内在力量。……现代主义艺术家的着眼点是时间和空间，他表现情感，而...  

评分☆☆☆☆☆

知道波洛克這個美國現代抽象表現主義大畫家已經很久了。記得那時對吳冠中很著迷。找了很多關于他的作品和評論來看。在一些懷疑和否定吳先生的聲音裏知道了這位大畫家。 在那個時候，能找到的介紹現代外國畫家的出版物就兩種。一種是河北教育出版社出的何政廣主編的《世界名畫家...

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知道波洛克這個美國現代抽象表現主義大畫家已經很久了。記得那時對吳冠中很著迷。找了很多關于他的作品和評論來看。在一些懷疑和否定吳先生的聲音裏知道了這位大畫家。 在那個時候，能找到的介紹現代外國畫家的出版物就兩種。一種是河北教育出版社出的何政廣主編的《世界名畫家...

评分☆☆☆☆☆

抽象表现主义画家J·波洛克评介 “现代艺术家生活在一个机器时代，我们有机器手段来逼真地描绘客观对象，如相机、照片。在我看来，艺术家的工作是表现内在世界——换句话说——是表现活力、运动以及其他的内在力量。……现代主义艺术家的着眼点是时间和空间，他表现情感，而...  

评分☆☆☆☆☆

这本《西洋美术家画廊》是一部真正意义上的艺术百科全书，但它并没有因此而显得枯燥乏味。相反，作者以其独具匠心的叙述方式，将冰冷的艺术史知识赋予了鲜活的生命力。每一次翻阅，都像是与一位位伟大的艺术家进行着跨越时空的对话。从古希腊罗马的雕塑，到中世纪的宗教绘画，再到文艺复兴的辉煌，以及之后一系列蓬勃发展的艺术运动，书中对每一个时期、每一个流派的介绍都详实而精准。 我尤其钟情于作者对色彩和光影的解读。例如，在分析委拉斯开兹的《宫娥》时，作者不仅阐述了其复杂的构图和空间处理，更深入地描绘了画家如何巧妙运用光线来突出人物的层次感和心理状态，以及他对色彩的微妙运用如何营造出一种既真实又富有诗意的氛围。又或者，在探讨莫奈的光影世界时，作者如同一个敏锐的观察者，细致地捕捉了莫奈笔下每一缕光线在不同时间、不同天气下的变化，并将其转化为文字，让我仿佛能感受到那种身临其境的光影流动。 这本书的价值还在于它能够引导读者去思考艺术的本质。作者在介绍艺术家生平时，常常会触及他们所处的社会背景、哲学思想以及个人经历，这些都深刻地影响了他们的艺术创作。例如，在谈到表现主义艺术家时，作者详细分析了他们如何通过扭曲的线条和强烈的色彩来表达内心的情感和对现实的批判，这让我对艺术与社会、艺术与人生的关系有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，无疑为我打开了一个全新的艺术视野。在阅读之前，我对西方艺术的认识或许还停留在一些耳熟能详的作品和名字上，但这本书就像一位渊博的向导，带领我深入到西方艺术的每一个重要角落。作者的叙述风格非常独特，他能够以一种引人入胜的方式，将复杂的艺术史知识转化为生动的故事，让我们在轻松愉悦的阅读中，不知不觉地吸收了大量宝贵的艺术信息。 我特别欣赏作者在处理不同艺术运动之间的关联性和演变性时所展现出的高超技巧。他能够清晰地指出前一艺术流派如何影响了后一艺术流派，以及艺术家们在继承传统的同时又如何寻求突破和创新。比如，在描述从印象派到后印象派的过渡时，作者对塞尚、梵高、高更等艺术家的论述，不仅分析了他们各自的艺术语言，更重要的是揭示了他们如何在前人的基础上，开创了通往现代艺术的道路。 书中对许多艺术家创作过程中的细节描写也十分精彩。例如，在谈到伦勃朗的肖像画时，作者不仅分析了他如何运用光影来塑造人物的性格和心理，还提及了他创作过程中对模型光线的反复调试，以及他对颜料和画布纹理的独特运用，这些细节的呈现，让作品的生命力仿佛跃然纸上。这本书不仅仅是知识的堆砌，更是一种艺术精神的传递，让我对艺术创作本身有了更深的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这是一本真正能触动人心的艺术读物，它如同一个私人艺术顾问，引导我一步步走进西方艺术的殿堂，去感受那些跨越时空的灵魂碰撞。作者的叙述方式非常独特，他能够以一种极为引人入胜的语言，将复杂的艺术史知识转化为生动的故事，让我如同置身于一个巨大的艺术展厅，与每一位艺术家进行近距离的交流。从古代的雕塑和壁画，到中世纪的插画，再到文艺复兴的革新，以及之后的学院派、浪漫主义、现实主义，书中对每一个重要阶段和流派的介绍都细致入微。 我尤其喜欢作者对印象派画家们创作技法的分析。他不仅详细解释了他们如何运用短促的笔触来捕捉光线的瞬间变化，更深入探讨了他们对色彩学的研究和运用，以及这种创新如何彻底改变了人们对绘画的认知。例如，在描绘莫奈的《日出·印象》时，作者如同一个忠实的记录者，细致地描述了那朦胧的光影和跳跃的色彩，以及这幅画作如何被冠以“印象派”之名，从而开启了一个全新的艺术时代。 这本书的魅力还在于它能够启发读者对艺术创作的思考。作者在介绍每一位艺术家时，都会穿插讲述他们的创作理念、人生经历以及与其他艺术家的互动，这些细节让艺术家们的形象更加鲜活立体，也让我们更深刻地理解他们的作品为何会成为传世之作。它是一本能够滋养心灵、提升审美的读物，每次阅读都能带来新的发现和惊喜，让我对艺术的理解更加深入。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值不仅仅在于知识的传授，更在于它能够点燃读者内心深处对艺术的渴望和探索欲。它不是一本需要死记硬背的教科书，而是一本能够与你对话、激发你思考的伙伴。每一次翻开，我都能从中获得新的启发和感悟。作者在解析每一位艺术家时，都仿佛在与我们进行一场深刻的灵魂交流，他们对生活的热爱、对美的追求、对真理的探索，都通过他们的作品和作者的文字传递给我们。 我特别喜欢作者在分析印象派作品时的细致入微。他不仅仅解释了光线和色彩的运用，更深入地探讨了他们如何捕捉转瞬即逝的瞬间，以及这种对“当下”的强调如何反映了那个时代人们生活节奏的变化。读到马奈的《奥林匹亚》时，作者的分析更是令人拍案叫绝，他不仅揭示了画作在艺术史上的突破性意义，更探讨了它在当时社会引起的巨大争议，以及艺术家如何挑战传统审美的勇气。 这本书就像一个精心挑选的艺术画廊，每一页都承载着一位伟大灵魂的印记。它让我明白，艺术并非遥不可及，而是与我们的生活息息相关，它能够触动我们最敏感的神经，唤醒我们内心深处的情感。无论是对艺术史有浓厚兴趣的老手，还是刚刚开始接触西方艺术的初学者，这本书都能提供无与伦比的阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，为我打开了一扇通往西方艺术世界的大门，而作者则扮演了那位最称职、最渊博的向导。他并非只是简单地罗列艺术家和作品，而是以一种极为细腻且富有情感的方式，将我们置于艺术家的创作语境之中。从古希腊罗马的雕塑艺术，到中世纪的宗教壁画，再到文艺复兴时期对人性的解放和对自然的赞美，以及之后一系列艺术运动的繁荣与变革，书中对每一个时期、每一个流派的介绍都清晰而富有逻辑。 我特别喜欢作者在描述艺术家创作过程中的细节。例如，在谈到达芬奇时，作者不仅仅分析了《蒙娜丽莎》神秘的微笑和《最后的晚餐》的构图，更深入地探讨了达芬奇作为科学家、工程师、解剖学家等多重身份对其艺术创作的巨大影响。这种多维度的呈现方式，使得艺术作品不再是冰冷的物件，而是鲜活生命的载体。又如，在介绍梵高时，作者没有回避他晚年的精神困境，而是将其作为理解其艺术创作的重要视角，深入分析了他在极端情绪下的色彩运用和笔触表达。 这本书的价值在于它能够引导读者去思考艺术的意义。作者在介绍艺术家时，常常会触及他们所处的时代背景、哲学思想以及个人经历，这些都深刻地影响了他们的艺术创作。例如，在谈到表现主义艺术家时，作者详细分析了他们如何通过扭曲的线条和强烈的色彩来表达内心的情感和对现实的批判，这让我对艺术与社会、艺术与人生的关系有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我重新认识西方艺术的殿堂之书，它并非简单罗列画作或艺术家生平，而是如同一场精心策划的艺术朝圣之旅。作者以其深厚的学识和细腻的笔触，将我们带入了一系列西方艺术大师的创作世界。从文艺复兴时期那些塑造了我们对美、对人性的理解的巨匠，到巴洛克时期充满戏剧张力和情感的杰作，再到印象派那颠覆传统的色彩革命，以及后印象派、象征主义、野兽派、立体派等等现代艺术的先声，书中几乎涵盖了西方艺术史上的每一个重要节点和风格流派。 我尤其欣赏的是，作者并没有将艺术家们孤立地展示，而是巧妙地将他们置于他们所处的历史、社会和文化背景之下。因此，我们看到的不仅仅是画布上的颜料，更是艺术家们在特定时代背景下的思考、挣扎与创新。比如，在讲述达芬奇时，作者不仅细致地剖析了《蒙娜丽莎》神秘的微笑和《最后的晚餐》的构图，更深入探讨了达芬奇作为科学家、工程师、解剖学家等多重身份对其艺术创作的巨大影响。这种多维度的呈现方式，使得艺术作品不再是冰冷的物件，而是鲜活生命的载体，承载着那个时代的精神脉搏。 书中的语言也极富感染力，作者善于运用生动形象的比喻和诗意的描绘，让复杂的艺术理论变得易于理解，让那些沉睡在历史长河中的艺术作品重新焕发生机。阅读过程中，我仿佛能听到米开朗琪罗在雕刻西斯廷教堂天顶画时的呼吸，感受到梵高在星空下挥洒笔触时的激情，甚至能触摸到莫奈笔下朦胧的光影。这种沉浸式的阅读体验，是许多艺术类书籍难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

这本书并非仅仅是一部艺术作品的堆砌，它更像是作者为我们精心编织的一张西方艺术史的时间网。通过对各个时代、各个流派的梳理，以及对每一位重要艺术家的深度挖掘，作者成功地勾勒出了西方艺术发展的清晰脉络。从古希腊罗马的理性之美，到中世纪的宗教情怀，再到文艺复兴对人性和自然的重新发现，以及之后巴洛克、洛可可、新古典主义、浪漫主义等一系列艺术运动的蓬勃发展，书中对每一个阶段的介绍都既有宏观的视野，又不乏微观的细腻。 我特别欣赏作者对细节的捕捉能力，这使得艺术家的形象更加生动。例如，在谈到印象派画家雷诺阿时，作者不仅仅描绘了他笔下那些充满阳光与幸福感的少女和家庭场景，更深入地探究了他对童年美好回忆的眷恋，以及他对女性柔美曲线和肌肤质感的独特描绘，这些细节让他的作品充满了温暖的人情味。又例如，在介绍梵高时，作者没有回避他晚年的精神困境，而是将其作为理解其艺术创作的重要视角，深入分析了他在极端情绪下的色彩运用和笔触表达。 这本书的价值在于它能够引导读者去思考艺术的意义。作者在介绍艺术家时，常常会触及他们所处的时代背景、哲学思想以及个人经历，这些都深刻地影响了他们的艺术创作。例如，在谈到表现主义艺术家时，作者详细分析了他们如何通过扭曲的线条和强烈的色彩来表达内心的情感和对现实的批判，这让我对艺术与社会、艺术与人生的关系有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

初次捧读这本书，我就被其厚重而精美的装帧所吸引，这似乎预示着其中蕴含的价值非凡。翻开第一页，便如同推开了一扇通往西方艺术瑰丽世界的大门，作者以其极为流畅且富有深度的笔触，引领读者穿越时空，领略不同时期、不同风格的艺术大师们的风采。从古典主义的严谨与理性，到浪漫主义的奔放与情感，再到现实主义的直观与客观，书中对每一个流派的梳理都清晰且逻辑严密，仿佛在为我们构建一个完整的西方艺术发展脉络图。 我尤其被书中对一些标志性作品的解读所打动。例如，在谈到德拉克洛瓦的《自由引导人民》时，作者不仅仅描述了画面的宏大场景和人物的鲜明个性，更深入挖掘了作品所蕴含的政治寓意和民族精神，让我对这幅画作的理解提升到了一个全新的高度。又如，在剖析鲁本斯那些充满生命力的画面时，作者对色彩的运用、光影的对比以及人物动态的描绘都做了极为细致的讲解，让我仿佛置身于那充满力量与激情的巴洛克时代。 这本书的魅力还在于它不仅仅是艺术作品的陈列，更是一种思想的传承。作者在介绍每一位艺术家时，都会穿插讲述他们的创作理念、人生经历以及与其他艺术家的交往，这些细节让艺术家们的形象更加丰满立体，也让我们更深刻地理解他们的作品为何会成为传世之作。它是一本真正能滋养心灵、提升审美的读物，每次阅读都能带来新的发现和惊喜。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本《西洋美术家画廊》时，我并没有预设自己将要面对一本怎样的书，但接下来的阅读体验却远超我的想象。作者以一种极为独特且富有感染力的方式，将我们带入了一个又一个艺术家的世界。他不仅仅是在介绍画作，更是在讲述那些创造出画作的灵魂的故事。从文艺复兴时期对人体比例和透视学的极致探索，到巴洛克时期戏剧性的光影和宏伟的叙事，再到印象派对光与色的革命性发现，书中对每一个重要阶段和流派的介绍都细致入微。 我尤为着迷于作者对色彩和光影的解读。例如，在分析委拉斯开兹的《宫娥》时，作者不仅阐述了其复杂的构图和空间处理，更深入地描绘了画家如何巧妙运用光线来突出人物的层次感和心理状态，以及他对色彩的微妙运用如何营造出一种既真实又富有诗意的氛围。又或者，在探讨莫奈的光影世界时，作者如同一个敏锐的观察者，细致地捕捉了莫奈笔下每一缕光线在不同时间、不同天气下的变化，并将其转化为文字，让我仿佛能感受到那种身临其境的光影流动。 这本书的价值还在于它能够引导读者去思考艺术的意义。作者在介绍艺术家时，常常会触及他们所处的时代背景、哲学思想以及个人经历，这些都深刻地影响了他们的艺术创作。例如，在谈到表现主义艺术家时，作者详细分析了他们如何通过扭曲的线条和强烈的色彩来表达内心的情感和对现实的批判，这让我对艺术与社会、艺术与人生的关系有了更深的理解。

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正如书名所昭示的那样，这本书构建了一个宏大而精致的西洋美术家画廊，它并非简简单单的图录，而是对西方艺术史进行的一次深度梳理和解读。作者以其深厚的学养和细腻的笔触，将那些曾经影响世界的艺术巨匠们一一呈现在读者面前。从文艺复兴时期对人体比例和透视学的极致追求，到巴洛克时期戏剧性的光影效果和宏伟的叙事，再到印象派对光与色的全新探索，书中对每一位艺术家的介绍都力求全面而深刻。 我尤为赞赏作者在分析具体作品时的独到之处。例如，在解读米开朗琪罗的《大卫》时，作者不仅仅描绘了其雄伟的造型和完美的肌肉线条，更深入探讨了这尊雕塑所蕴含的英雄主义精神和人文主义理想，以及它在当时社会中所扮演的重要象征意义。又或者，在欣赏伦勃朗的自画像时，作者对光线如何穿透画布，勾勒出艺术家脸上岁月的痕迹和内心的沉思，进行了极为动人的描绘，让我感受到艺术背后人物的真实情感。 这本书的另一个亮点在于其对艺术史发展逻辑的清晰梳理。作者能够准确地把握不同艺术运动之间的传承与革新，以及艺术家们如何在前人的基础上进行创新。例如，在描述从洛可可的精致华丽到新古典主义的回归理性时，作者清晰地勾勒出了时代审美观念的转变，以及艺术家们在其中扮演的角色。它不仅仅是一本介绍艺术家的书，更是一本带领我们理解艺术是如何随时代演变的著作。

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