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出版者:中国世界语出版社

作者:张念潮

出品人:

页数:190

译者:

出版时间:1999-07

价格:48.00

装帧:软精装

isbn号码:9787505204348

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《古韵流光：中国传统器物中的美学密码》 内容简介 《古韵流光：中国传统器物中的美学密码》是一部深度探索中国古代器物之美、技艺精髓与文化内涵的专著。本书并非关注当代艺术思潮，而是将时间之轴拉回千年，聚焦于那些穿越历史长河、沉淀着民族精神的物质载体——从精巧的玉器、庄重的青铜器，到温润的陶瓷、考究的家具，乃至日常生活中的漆器、金银器。 本书以“美学密码”为核心，旨在揭示中国古代匠人如何在实用功能之外，融入宇宙观、哲学思想、伦理道德与审美情趣，从而使每一件器物都成为解读古代文明的一把钥匙。全书结构严谨，内容丰富，力求以细腻的观察和扎实的考据，为读者构建一个立体、多维度的古代器物世界。 第一部分：天地初铸——史前与先秦器物的精神内核 本部分追溯中国器物文明的源头。重点剖析新石器时代以红山文化、良渚文化为代表的玉器，探讨其在原始宗教仪式中的象征意义，以及“礼器”概念的初步形成。 随后，进入青铜时代。我们详细考察了夏、商、周三代的礼器制度。与关注当代艺术流派不同，本书深入剖析了商代兽面纹（饕餮纹）的威严与神秘，周代“克明德慎罚”思想在鼎、簋等重器上的铭文体现。不再停留于对器物外形的描述，而是探究其所承载的“国之重器”的政治哲学。例如，通过分析西周礼器组合的严格规范，揭示了宗法制度如何物化为可触摸的秩序感。 特别辟出章节讨论春秋战国时期的“器物革命”。随着诸子百家的兴起，礼器的僵化被打破，出现了大量反映世俗生活、追求精巧工艺的实用器。曾侯乙编钟的复杂结构、楚国漆器的浪漫主义色彩，都标志着器物从单纯的政治工具向审美载体的转变。 第二部分：流光溢彩——汉唐盛世的工艺与生活美学 汉代是兼具雄浑与务实的时代。本书细致梳理了汉代陶俑、画像石（砖）所展现的世俗生活图景，它们是理解汉代社会结构和民间信仰的直观材料。同时，重点研究了汉代漆器的髹饰技法及其所体现的对“长生久视”的追求，这与魏晋玄学的兴起有着微妙的联系。 进入魏晋南北朝，文化交融达到高峰。本部分将分析佛教艺术对器物造型与装饰的影响，特别是石窟造像中的衣褶处理如何影响到同期金银器皿的线条走向。 唐代，是本书浓墨重彩的一笔。唐代器物的美学特征是“雍容大气”与“兼容并蓄”。我们详尽考察了唐三彩的釉色科学与烧制难度，分析了长安城内西域文化输入对金银器皿（如葵花口盘、束腰罐）造型的颠覆性影响。陶瓷部分则聚焦于邢窑的“类雪似冰”与越窑的“千峰翠色”，探讨了“南青北白”的审美分野及其背后的地域文化差异。 第三部分：内敛沉思——宋元明清的精致化与文人趣味 宋代是中国古典美学的成熟期，其特征是“简、雅、静”。本书将宋代器物置于理学复兴的背景下审视。汝窑的“雨过天青云破处”的釉色哲学，哥窑的“金丝铁线”的自然开片，不再是盲目追求富丽堂皇，而是对事物本质与内在秩序的极致探求。宋代的家具（如圈椅、条案）强调结构与线条的逻辑性，体现了文人阶层对“格物致知”的推崇。 元代器物体现了草原民族的豪迈与汉族工艺的结合。本书特别关注元青花的崛起，分析其钴料来源、纹饰的叙事性，以及它作为外销瓷如何初步奠定了中国陶瓷的全球影响力。 明清两代，器物工艺达到了技术上的巅峰，但审美倾向有所不同。明代永乐、宣德官窑的端庄雄浑，与后期文人士大夫对“古拙”的回归（如仿古铜器、紫砂壶的兴起）形成对照。清代，特别是康雍乾三朝，代表了技术的集大成者，无论是景德镇的粉彩、珐琅彩，还是官式家具的繁复雕饰，都体现了高度的程式化与精细入微的写实能力。本书将分析这种极致的精细化如何服务于皇权，以及其与晚明时期追求自然野趣的“反差美学”。 第四部分：技艺的传承与断代 本书的第四部分侧重于技术层面，深入解构特定工艺的复杂性，这部分内容严谨且专业。 陶瓷烧造：从泥料选择、拉坯成型、素烧、上釉到还原焰的控制，详细解析了不同窑口在温度曲线与气氛控制上的关键技术差异。 木作结构：以明式家具为例，系统介绍榫卯结构的科学性，如“燕尾榫”、“十字枨”在抗震与受力上的巧妙平衡，这完全是结构工程学在木器上的体现。 金属冶铸与鏨花：探讨失蜡法在青铜器铸造中的应用，以及金银器上的錾花、错金银等冷加工技艺，展示古代匠人在材料科学上的高超智慧。 结语：器物与时间的对话 全书最终回归到器物与人、器物与历史的关系。每一件被精心保存至今的器物，都是特定时代背景下人力、物力、思想相互作用的结果。它们是沉默的史书，记录了社会形态的变迁、审美理想的迭代以及民族精神的流转。本书力图带领读者超越对器物表面的物质欣赏，进入对中国传统文明深层逻辑的理解。 本书适合对中国古代史、工艺美术史、文物鉴赏及传统文化有浓厚兴趣的读者，提供了一种区别于当代艺术评论的、扎根于物质文明的深度阅读体验。

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我花了周末整整一天时间来翻阅这本《中国新锐艺术》，试图从中捕捉到一些真正能让人眼前一亮的观点，毕竟“新锐”二字意味着颠覆、突破与时代的前沿。然而，阅读体验却像是在走一条铺设了漂亮瓷砖却空无一物的长廊。书中似乎更热衷于罗列那些已经被主流艺术圈广泛认可的作品，对于那些仍在边缘探索、尚未被市场完全驯服的真正“野蛮生长”的力量，着墨甚少。我尤其关注了关于媒介转换的章节，期待看到对数字艺术、虚拟现实等新兴艺术形式在中国本土化过程中的特殊挑战和机遇的探讨。结果，这部分内容处理得过于保守，更多地是在重复一些国际上早已被讨论透彻的概念，缺乏立足于中国独特社会语境的创新阐释。阅读过程中，我不断地在寻找那种能击中时代痛点、迫使读者重新审视既有美学标准的“刺点”，但它更像是一份温和的、旨在取悦大众的导览手册，它的“新锐”似乎只是风格上的新潮，而非思想内核上的革命。这本书更像是一份对现状的总结，而非对未来的宣言。

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对于一本聚焦于“新锐”群体的书籍来说，我最看重的是其文献性和批判性。我本以为《中国新锐艺术》能提供一个详尽的口述历史档案，记录下这些艺术家在创作初期所经历的挣扎、误解与突破时刻。想象中，这里应该充斥着关于工作室的汗水、与策展人的激烈辩论，以及他们如何对抗体制化审美的话语。可惜，书中呈现的叙事路径过于顺畅和线性，几乎没有展现出艺术生态中固有的摩擦与冲突。每一位被介绍的艺术家，都仿佛是真空包装下完美呈现的艺术品，他们是如何在资源匮乏、观念先行与市场诱惑之间做出抉择的艰辛历程被刻意地淡化了。这使得整本书读起来缺乏一种“现场感”，变成了一部脱离了泥土气息的、悬浮在空中的艺术史速览。我更希望看到对“新锐”这一标签本身的解构，探讨这种标签化是否恰恰是扼杀真正自由探索的枷锁。这本书未能提供这种深层次的自我反思，它满足了对“看热闹”的需求，却辜负了对“看门道”的期待。

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这本《中国新锐艺术》的书名倒是挺抓人眼球的，我本来是想找一本关于当代中国艺术发展脉络的深度解读，希望能看到一些关于艺术市场、政策导向以及新一代艺术家群体崛起的综合性分析。然而，这本书给我的感觉，更像是一本精美的画册，里面收录了不少色彩鲜艳、造型奇特的当代作品图片，但文字部分的论述却显得有些单薄和零散。我尤其期待能看到一些关于“新锐”背后驱动力的剖析，比如他们如何看待传统与现代的张力，如何在全球化的语境下构建自身的文化身份。遗憾的是，书中更多的是对作品表象的描述，缺乏对创作理念和时代背景的深入挖掘。例如，对于某个装置艺术的解读，作者只是轻描淡写地提及其材料的创新性，却完全没有触及作品所隐喻的社会议题，这让习惯了批判性阅读的我，感到意犹未尽。整体来说，如果你只是想快速浏览一下当前市场上比较热门的视觉符号和艺术家的名字，这本书或许可以作为一本快速入门的图录，但若想探究中国当代艺术的深层结构和未来走向，恐怕需要寻找其他更具学术深度的著作来补充阅读了。它的装帧和印刷质量毋庸置疑是上乘的，但内容上的厚度，着实与书名所承诺的“新锐”力量的磅礴气势不太相符。

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这本书的排版和字体选择的确是现代化的，体现了对当代审美的某种尊重，这在视觉上是舒适的。但是，阅读的深度远远不能与外在的精致相匹配。我原本以为《中国新锐艺术》会提供一份关于“新锐”背后的理论支撑和哲学基础，比如他们对后现代主义的反思，或是对本土文化符号重构的理论依据。结果，理论分析部分显得非常浅尝辄止，像是匆忙塞进章节末尾的脚注，而非贯穿始终的骨架。很多作品的展示，缺乏关键的上下文介绍——艺术家创作的动机、在哪个阶段完成了它、与他同期其他艺术家的关系等等，使得读者很难将单个作品置于一条清晰的、具有演变性的艺术发展线索中去理解。这种信息上的碎片化，让学习者很难建立起系统的认知框架。对于想系统学习当代艺术史的学生来说，这本书的价值更多体现在“图片索引”上，而非“深度解析”。它就像是提供了一张精美的地图，却遗漏了所有的地标说明和历史典故，徒留空旷的轮廓，令人深感遗憾。

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我拿起《中国新锐艺术》时，心中对“新锐”的理解是：那些在语言、材料或观念上具有高度实验性和前瞻性的探索者。我希望这本书能像手术刀一样精准地剖开当代艺术的肌理，揭示出隐藏在华丽视觉表象下的权力结构与意识形态流动。然而，读完之后，我感到我的感官被大量信息轰炸，但我的智识却如同饥饿般地在知识的荒漠中游荡。书中大量的篇幅被用于对那些色彩饱和度极高、视觉冲击力强的作品进行冗长而趋同的描摹，这些描述往往停留在“令人震撼”、“充满活力”这类形容词的循环使用中，如同未经筛选的滤镜。更让我感到困惑的是，书中对于艺术家的社会责任和艺术介入公共领域的尝试讨论不足。在一个社会议题层出不穷的时代，新锐艺术难道不应是发出时代强音的场所吗？这本书似乎有意无意地将艺术与社会现实做了一个精明的切割，使得它更像是一本为国际买家准备的“安全”读物，而非一本敢于直面本土问题的思想载体。

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