中国古代陶瓷色釉瓷（下） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:新疆美术摄影出版社

作者:褚毅

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-01

价格:39.80

装帧:平装

isbn号码:9787805477886

丛书系列:

图书标签:

• 陶瓷
• 古董
• 陶瓷
• 色釉
• 中国古代
• 瓷器
• 艺术
• 收藏
• 历史
• 文化
• 工艺
• 宋瓷

翰墨丹青：中国古代绘画艺术的流变与审美 图书简介 本书深入探讨了中国古代绘画艺术的宏大历史脉络，聚焦于其在不同历史时期的风格演变、技法创新以及背后所蕴含的哲学思想与审美情趣。本书旨在为读者构建一个清晰、立体的中国古代绘画图景，涵盖从早期岩画的萌芽到宋元明清的巅峰，力求展现中国文人画的精神内核及其对世界艺术史的独特贡献。 --- 第一部：源起与奠基——先秦至魏晋的探索（约350字） 本书首先追溯中国绘画的史前渊源，详述新石器时代彩陶和岩画中所蕴含的原始生命力与图腾象征意义。进入信史时期，重点剖析商周时期青铜器纹饰所体现的神秘主义色彩与礼制观念对早期绘画的影响。 转折点落在魏晋南北朝时期，这一时期被视为中国绘画理论的形成与独立发展的关键阶段。本书细致梳理了顾恺之“以形写神”的美学原则，阐释了其理论对后世人物画的深远影响。同时，佛教艺术的传入与本土化过程，如敦煌莫高窟早期壁画的风格演变，如何丰富了中国绘画的叙事手段和色彩运用，也得到了详尽的论述。我们还将考察谢赫“六法”的提出及其在中国古代绘画批评史中的崇高地位，将其置于玄学思潮与士人阶层兴起的时代背景下进行解读。 第二部：黄金时代——唐宋的成熟与高峰（约450字） 盛唐气象为中国绘画注入了磅礴的生命力。本书将重点分析吴道子、韩干等大家在人物、鞍马画领域的突破，探讨盛唐风格中那种雄浑、饱满、外放的时代精神如何转化为视觉语言。同时，青绿山水画的成熟，标志着风景画开始独立承担重要的艺术使命。 进入宋代，绘画艺术迎来了其无可争议的黄金时期。宋徽宗倡导的院体画，以其对自然物象的极致观察与精细描摹，将花鸟画推向了写实主义的巅峰。本书将深入对比徽宗院体画的“格律”与文人画的“意趣”。 文人画在宋代的勃兴是本书叙述的核心之一。以苏轼、米芾为代表的士大夫画家，强调“不求形似，但求神似”，将书法笔墨的“写”性引入绘画，使绘画成为表达个人性情、寄托政治抱负的载体。米芾的“雨后之雾”技法，以及对水墨晕染的探索，被视为中国山水画由工丽向写意转型的里程碑。我们将通过具体作品的笔墨分析，揭示“诗中有画，画中有诗”的文人画审美体系是如何建立和完善的。 第三部：笔墨的革命——元明清的多元化发展（约450字） 元代是“笔墨精神”得到彻底解放的时代。本书将集中讨论“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——他们对早期山水画传统的批判性继承。特别是倪瓒的“一笔画”和极简主义风格，如何体现了元代士人在异族统治下的隐逸情怀与精神自适。本书会详细辨析元代书画家对笔墨语言的自觉强化，探讨“以书入画”如何使线条本身成为审美的主体。 明代绘画呈现出高度的多元与交融。晚明时期，董其昌提出的“南北宗论”虽然具有一定的主观性，却深刻地影响了后世对绘画史的划分与评价体系。本书会梳理吴门画派的典雅秀逸，追溯浙派的雄健写实，并分析以徐渭为代表的写意花鸟画，如何将个人情感的抒发推向了极致的狂放与恣肆，为明末清初的变革积蓄了能量。 清代绘画则在守正与创新中寻求出路。宫廷画家如“四王”在追摹古人、集大成的努力中，确立了正统的审美标准。与此同时，扬州八怪等地方画派以其反叛传统、追求个性的艺术姿态，展现了中国绘画在僵化趋势下依然不息的生命力。 第四部：审美与哲学——超越技法的思考（约250字） 本书的收束部分，不再专注于年代更迭，而是提升至理论和哲学的层面。我们探讨了中国绘画中“虚实相生”、“计白当黑”等独特的空间处理手法，这些手法根植于道家和禅宗思想，体现了中国人对宇宙本体的认知方式。 此外，本书还将详细分析“外师造化，中得心源”这一核心命题，阐释了中国画家如何在“师法”与“创新”之间寻求平衡。通过对历代题跋、印章的解读，读者将更能理解绘画作品不仅仅是视觉的再现，更是文人修身养性的载体，是中国传统士人精神气质最直观的物化形态。本书力图让读者在欣赏古代山水、人物、花鸟画的精妙笔墨之余，触摸到中华文化深邃的审美基因。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本《中国古代陶瓷色釉瓷（下）》的装帧设计实在让人眼前一亮，封面那深邃的藏青色调，配上烫金的书名，透露出一种沉稳而典雅的历史厚重感。我本来对古代陶瓷的了解仅限于书本上那些模糊的插图，但翻开这本书后，那种扑面而来的真实感和细节之丰富，简直是视觉的饕餮盛宴。特别是关于明清时期景德镇官窑彩瓷的研究部分，作者不仅仅是罗列了器物的名称和年代，而是深入剖析了不同时期釉料配方的细微变化，以及这些变化背后所蕴含的政治、经济和审美风尚的更迭。比如，对康熙、雍正、乾隆三朝粉彩的对比分析，简直是教科书级别的细致，从“硬彩”到“软彩”的演变轨迹，再到不同时期画工的笔触特点，都有大量高清的彩图佐证，每一页都像是在进行一场私人导览。这本书的排版布局也极为考究，图文并茂的原则被执行得淋漓尽致，即便是初学者，也能通过那些详尽的图注和清晰的图例，迅速建立起对不同釉色体系的直观认知。阅读过程中，我常常会不自觉地停下来，对着那些青花或五彩的细节图端详许久，仿佛能透过屏幕触摸到那穿越了数百年的温度和匠心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术价值和实用性达到了一个非常难得的平衡点。我之前收藏了一些晚清民国时期的仿古瓷片，一直对它们的真伪和断代心存疑虑。这本书中关于“仿古热潮”和“民间窑场对官窑技艺的吸收与改造”的论述，给了我极大的启发。它不再把焦点仅仅集中在“官窑的辉煌”，而是坦诚地探讨了在社会动荡时期，那些民间匠人如何继承并发扬了传统釉色工艺，甚至在某些方面做出了突破性的创新。书中对龙泉青瓷釉色的分期描述尤其精妙，从初期的厚重翠绿，到中期的“梅子青”和“粉青”，再到后期更偏向于淡雅的浅青色，那种渐变的审美倾向被描述得丝丝入扣。这种对“釉色谱系”的梳理，远比单纯的器型分类来得更有助于我们理解中国陶瓷艺术的内在逻辑和时代的精神面貌。

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书给我的感觉是“宏大叙事下的微观洞察”。它在展现中国陶瓷釉色体系的磅礴历史脉络时，从未忽略了任何一个细微的工艺节点。我特别喜欢其中对某些地方窑口特色釉色的独立章节介绍，比如耀州窑的橄榄绿釉，或者磁州窑的黑白对比釉。这些“地方名片”的出现，让整个陶瓷史的图景不再是景德镇“一枝独秀”，而是呈现出一种百花齐放的繁荣景象。作者的文笔极其老练，行文流畅自然，即便是描述复杂的化学反应和温度控制，也能用富有画面感的语言来呈现，让读者在学习知识的同时，也能享受到阅读的乐趣。它无疑是建立一套完整的中国古代陶瓷釉色知识体系的必备参考书，无论是专业人士还是业余爱好者，都能从中汲取到超越预期的养分。

评分☆☆☆☆☆

我必须提及这本书在学术引用和注释系统上的严谨态度，这对于一个希望深入研究的读者来说至关重要。每当涉及到某一特殊釉料的烧制温度、所含微量元素，或者某个特定窑址的发掘报告时，脚注都标注得清晰明确，几乎可以追溯到原始文献。这种“可验证性”极大地增强了文本的可信度。尤其欣赏作者在讨论某些釉料的命名问题时所采取的谨慎态度，比如对“祭蓝”和“天蓝”釉在不同历史时期称谓的区分，以及对文献记载与考古实物差异的讨论，都体现了作者深厚的文献功底和实地考察经验。读起来，丝毫没有那种为了“制造史学权威”而故作高深的空洞感，而是充满了扎实的证据链支撑，让人信服。它不仅仅是知识的传递，更像是一次严谨的治学过程的分享。

评分☆☆☆☆☆

对于一个长期关注宋代五大名窑的爱好者来说，这本书的后半部分简直是惊喜连连。我原以为“下册”会更侧重于晚期的、相对“世俗化”的瓷器，但没想到对汝窑、官窑、哥窑、定窑和钧窑的专题研究，其深度和广度完全不输于任何专门研究宋瓷的权威著作。作者对于汝窑天青釉的“雨过天青”之境，有着非常富有诗意的描述，但更重要的是，他引用了最新的考古发现和科学分析数据，试图还原那种失传的釉料秘方。书中对于钧窑“入窑一色，出窑万彩”的变幻莫测，用大量的对比图谱进行了梳理，那些紫斑、月白、朱红的交融，被细致地归纳成了几种主要的窑变类型，这对于我们理解“火的艺术”提供了极具操作性的参考。阅读这些章节时，我感觉自己仿佛置身于一座古代的釉料实验室，充满了对未知和完美的探索欲。这本书的严谨性体现在对不同学派观点的平衡引用上，没有偏激地推崇某一家之言，而是提供了一个开放的、多角度的思考平台。

评分☆☆☆☆☆

这个系列还比较实用 公用一个isbn 读过色釉瓷 和 彩绘瓷

评分☆☆☆☆☆

这个系列还比较实用 公用一个isbn 读过色釉瓷 和 彩绘瓷

评分☆☆☆☆☆

这个系列还比较实用 公用一个isbn 读过色釉瓷 和 彩绘瓷

评分☆☆☆☆☆

这个系列还比较实用 公用一个isbn 读过色釉瓷 和 彩绘瓷

评分☆☆☆☆☆

这个系列还比较实用 公用一个isbn 读过色釉瓷 和 彩绘瓷