京剧集成(第一集) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:新世界出版社

作者:

出品人:

页数:201

译者:

出版时间:1989-01

价格:3.80

装帧:平装

isbn号码:9787800050978

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• JPOP
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好的，这是一部名为《清代戏曲研究：从宫廷到民间》的学术专著的详细简介，完全不涉及《京剧集成（第一集）》的内容： --- 清代戏曲研究：从宫廷到民间 导言：一个转型中的剧场世界 《清代戏曲研究：从宫廷到民间》是一部深度聚焦于中国清代（1644-1911年）戏曲艺术发展脉络的综合性学术著作。清代是中国传统戏剧由成熟走向繁盛，并最终孕育出京剧这一“国剧”的决定性历史时期。本书的撰写旨在超越传统上仅关注声腔或剧本的局限，而是将清代戏曲置于其复杂的社会、政治、经济和文化背景中进行考察。 本书的核心论点在于，清代的戏曲生态并非铁板一块，而是在官方主导的“雅”文化与民间自发兴盛的“俗”文化之间，通过不断的张力、融合与地方化，完成了向近代剧场的艰难转型。我们通过对清代不同历史阶段——从入关初期的宫廷雅戏到乾隆盛世的徽班进京，再到晚清都市剧场的蓬勃发展——的细致梳理，力求构建一个立体而动态的清代戏曲图景。 全书共分为六大部分，系统地探讨了清代戏曲的制度、美学、传播与接受的诸多维度。 --- 第一部分：宫廷戏曲的体制与权力的表演 本部分着重考察清代作为统治集团的满族如何利用戏曲作为巩固政权、彰显“圣德”和维护民族文化平衡的工具。 一、南府与升平署的设立与职能演变： 详细分析了清廷两大御用戏班——南府和升平署的组织结构、人员选拔机制以及它们在宫廷祭祀、朝会庆典和皇帝寿辰中的核心地位。我们审视了这些机构如何从早期的吸收与融合，逐渐形成一套高度规范化、服务于皇权的表演体系，并探讨了其在维持满汉文化交流中的双重作用。 二、清宫剧目的政治解读与美学规范： 研究了清宫演出的剧目选择倾向，特别是大量采纳“得国史”题材和“劝诫”主题的作品。通过对《升平宝鉴》等内廷刊刻本的文本分析，揭示了宫廷戏曲在舞台调度、服饰规范和演员训练上所推崇的“典雅”标准，以及这种标准如何影响了当时的整体戏曲风尚。 三、戏班与“内廷供奉”的社会地位： 探讨了在宫廷服务的戏曲艺人及其家族的社会流动性。他们是官方认证的“匠人”，享受俸禄，但同时在民间又因其职业身份而受到一定的社会歧视。这种身份的矛盾性，构成了清代戏曲人复杂生存状态的一个侧面。 --- 第二部分：地方戏的崛起与声腔的流变 清代是地方戏曲全面勃发，并最终实现声腔大融合的时代。本部分聚焦于昆曲的式微、花部的兴盛及其与地方文化的深度绑定。 一、昆曲的“雅化”与民间化： 昆曲作为前朝正宗，在清代经历了“文人化”和“士大夫化”的精致打磨。本书分析了苏州、南京等地的文人园林戏与地方科班对昆曲的继承与改造，并论证了其在特定精英阶层中如何逐渐脱离大众的观看热情。 二、徽班与乱弹的冲击： 这是本书的关键论述点之一。详细考察了徽州商帮的流动性如何促进了以徽调为核心的戏班向外传播。本书梳理了徽班在地方码头、庙会和城市商业区的演出实践，分析了徽调如何吸纳弋阳腔、昆腔、梆子腔等元素，形成具有强大生命力的“乱弹”基础。 三、声腔的融合与“合流”的初步形态： 探讨了清代中期各地戏班之间为争夺市场而进行的模仿、学习和融合的动态过程。这种跨区域的声腔交流，为后来的京剧“老生三鼎足”及各行当的定型奠定了基础，是理解中国近代戏曲形成的重要前提。 --- 第三部分：城市剧场与商业化运营 随着人口向城市和商业中心的集中，戏曲逐渐完成了从“祭祀娱乐”到“大众消费品”的转变。 一、专业戏园子的诞生与空间构建： 研究了以北京、广州、南京为代表的城市剧场建筑的演变。从早期的露天棚子到固定砖木结构的戏园子，戏园子的设计（如楼座、包厢、茶棚）如何影响了观众的观看行为和阶层区隔。 二、戏班的契约关系与经营模式： 考察了清代戏班内部的“班主制”和与业主（“东家”）之间的经济往来。通过分析票单、收入记录，揭示了戏曲商业化进程中，艺人、班主和场地方之间的利益分配与权力制衡。 三、都市观众群体的分层与审美趣味： 剖析了清代城市中不同社会阶层（士绅、商人、胥吏、普通市民）对戏曲的需求差异。商品经济的繁荣催生了对“新奇”和“刺激”的追求，这直接推动了剧目题材的世俗化和表演技巧的“炫技化”。 --- 第四部分：剧本创作与文学性研究 本部分聚焦于清代戏曲文本的生产、流传及其文学价值的评估。 一、文人编剧与职业编戏匠人的分工： 区分了由文化名流（如李玉和、洪昇）创作的“书单戏”与由戏班内部人士为演出实际需要而编写的“戏衍”。研究了后者的快速创作机制及其对舞台表演的适应性。 二、清代“花部”剧作的题材转向： 探讨了清中后期戏曲如何大量引入民间故事、侠义传奇和市井生活题材，并分析了这些作品在反映社会矛盾和民间情感方面的力度。 三、版本流传与文本的“活态”： 强调戏曲剧本并非一成不变的“圣典”。通过比较不同时期、不同地区演出的剧本抄本和刊本，展示了剧本在口传心授和舞台实践中如何不断被修订、增删和地方化。 --- 第五部分：戏曲与清代其他文化形式的互动 戏曲在清代社会中并非孤立存在，而是与其他艺术形式和信仰体系紧密交织。 一、戏曲与民间宗教祭祀： 研究了戏班在春节、中元节、城隍诞辰等重要节日中，如何通过在庙会、祠堂的演出，参与到地方的宗教仪式和社区建设中，扮演了文化中介的角色。 二、戏曲与小说、弹词的互文关系： 考察了《聊斋志异》、侠义小说等文学作品如何为戏曲提供创作源泉，反之，流行的戏曲如何被改编或融入弹词唱本中，形成跨媒介的文化传播现象。 三、服饰、器乐与舞台美术的革新： 讨论了清代戏曲在服装、化妆和伴奏乐器上的“集大成”特征。例如，宫廷对戏服的严格要求如何与民间为了突出角色身份而进行的夸张设计之间的张力。 --- 结语：清代戏曲留下的遗产 本书的结论部分总结了清代戏曲转型期的历史意义。清代并非仅仅是明代昆曲的延续，更是一个充满活力、不断自我更新的剧场实验场。正是清代中后期在地方的剧场实践中，完成了对声腔、表演程式和审美趣味的根本性重塑，为二十世纪初京剧的最终定型、走向成熟并最终确立其近代国剧地位，提供了不可或缺的物质基础与文化准备。 《清代戏曲研究：从宫廷到民间》试图为研究者提供一个全面、细致且富有批判精神的框架，以理解中国戏曲史上最为复杂和决定性的一百年。 --- 关键词： 清代戏曲、升平署、昆曲衰落、徽班进京、花部、城市剧场、戏曲商业化、声腔融合。

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初读这本书，最大的感受是它对于“脉络”的梳理，展现出一种令人惊叹的宏大视野。它不满足于讲述一个剧目的得失，而是将京剧的发展放在清代中后期乃至更早期的戏曲生态中去考察，像是在给京剧这棵大树做基因测序。阅读过程中，我频繁地被拉回到不同的历史情境中去理解艺术的“偶然”与“必然”。比如，作者如何论证徽班进京后，如何吸收融合了昆曲、秦腔等诸多元素，最终完成一次“化学聚合”的过程，而不是简单的“嫁接”。这种层层剥茧的分析，让我对京剧的“集成”二字有了更深层次的理解——它不是某一个天才的横空出世，而是无数次艺术碰撞、地域融合和时代选择的共同结果。书中对于早期“老生”、“小生”等行当的舞台规范和声腔基础的探讨，简直是细致入微，很多我过去以为是理所当然的程式，在这里都被追溯到了最初的雏形。这套书的厉害之处就在于，它构建了一个完整的理论体系，让你从“看戏”的感性层面，提升到了“解构艺术”的理性层面，非常有启发性。

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这本书的装帧和排版，给我的第一印象是“资料库”而非“故事集”。如果你期待读到一些伶人之间跌宕起伏的八卦轶事，或者舞台幕后的风云变幻，这本书可能要让你失望了。它的笔触极其克制，几乎是百科全书式的罗列和梳理，像一位严谨的史官在记录一场宏大的历史进程。我注意到它在阐述某个流派的形成时，很少用形容词去渲染艺术感染力，而是用大量的、近乎枯燥的程式化描述来界定其声腔特点、板式变化以及主要代表剧目。这种叙事方式，初读起来确实有些晦涩难懂，尤其是对于那些对京剧术语不太熟悉的读者来说，就像是进入了一个充满专业黑话的封闭圈子。但坚持读下去，你会发现这种“枯燥”恰恰是它最大的价值所在——它提供了一个可以反复参照的、近乎客观的框架。它没有过度美化历史的残酷或艺术的艰辛，而是冷静地记录了艺术的演变轨迹，就像是在绘制一张精确到毫米的京剧艺术的地理图谱。我甚至想，这本书可能更适合放在图书馆的参考阅览室，供研究者随时查阅某个具体的历史节点或剧目版本，而不是放在床头伴我入眠。

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坦白讲，这本书的深度和广度让我感到有些压力，但更让我感到的是一种知识被系统性填补的满足感。它对京剧艺术的梳理，完全脱离了舞台的喧嚣，直击其内核。我注意到书中对于不同历史时期，文场和武场的比例变化，以及它们如何影响剧目的走向，都有深入的剖析。这让我意识到，京剧的美学建立在一个非常精密的平衡之上，任何一方的偏重都会导致整体美感的倾斜。阅读这本书，就像是得到了一副高倍显微镜，让你能够观察到构成京剧肌理的那些微小细胞。它没有用煽情的笔触去描绘艺术家的心路历程，而是聚焦于艺术本体的演化规律。每读完一个章节，我都会忍不住合上书本，在脑海中重新构建起京剧艺术的一条清晰的、带有年代标记的发展曲线。这种知识带来的秩序感和确定性，比任何华丽的赞美词都要来得实在和震撼，它真正做到了“集成”的承诺——为我们留下了一个扎实、可供后人检验和继承的艺术基石。

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这本书的书名是《京剧集成（第一集）》，我来分享一下我的阅读感受。 说实话，我拿到这本书的时候，心里是带着点忐忑的。毕竟“集成”二字，听起来就意味着内容的庞杂和厚重，像是一座需要攀登的高山。我原本对京剧的了解，大多停留在舞台上那些浓墨重彩的脸谱、铿锵有力的锣鼓点上，以及偶尔在电视上看到的几段经典唱段。这本书的封面设计很朴素，没有花哨的插图，反而有一种沉静的力量，仿佛它不是一本娱乐性的读物，而是一部严肃的学术档案。翻开扉页，映入眼帘的是密密麻麻的文字和一些年代久远的剧照，立刻就能感觉到它想做的事情——不是让你轻松欣赏，而是要带你深入挖掘京剧艺术的根源和脉络。它似乎在对读者说：“欢迎来到京剧的殿堂，这里有你需要知道的一切历史、行当、剧目和理论，准备好沉下心来学习了吗？”这种开篇的姿态，就注定了它不是那种可以随手翻阅的小品文集，更像是一部需要反复研读的工具书。我特别留意了它对于早期剧目和流派形成阶段的论述，那种细致入微的考据，让人不得不佩服作者的功力，这不是一般爱好者能写出来的东西，它带着一股子扎实的学院派气息，让人肃然起敬，也让我对自己以往的浅薄认知有了一次深刻的自我审视。

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这本书的文字风格，我得说，是典型的“老派文风”，极其讲究逻辑的严密性和表述的准确性，丝毫没有现代流行读物中那种追求口语化、亲近感的倾向。它更像是一份历经数代人打磨的官方文献汇编，用词考究，句式也相对复杂，常常需要我停下来，反反复复咀嚼才能完全消化一句的深意。这种阅读体验，对于习惯了碎片化信息接收的我来说，无疑是一种挑战，但同时也是一种沉浸式的训练。它强迫你放慢速度，去尊重每一个句子的分量。尤其是一些关于腔韵转换、身段规范的描述，精确到了仿佛能听到舞台上的声音，又能看到演员的每一个关节动作。我甚至想象，如果我是一个初学的武生，拿着这本书对照练习，也许能避免走很多弯路。它不是在“教”你如何唱，而是在“告诉你”这个艺术体系的内在法则和运行逻辑。这使得这本书的价值超越了普通介绍性读物，更像是一部内行的“圣经”，对行内人士而言，它可能提供了权威的参考系；对门外汉来说，则是一扇通往严谨学问的沉重木门。

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