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出版者:中国纺织大学出版社

作者:王群山

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-04

价格:24.00

装帧:平装

isbn号码:9787810382564

丛书系列:

图书标签:

• 民谣
• 欧美
• 摇滚
• 平面构成
• 设计原理
• 艺术基础
• 视觉传达
• 色彩理论
• 构图
• 形式美学
• 设计教学
• 艺术设计
• 平面艺术

材质的交响：现代雕塑的触觉与空间叙事 一卷关于材料的深度探索，一次对形态与肌理的沉浸式考察。 引言：超越视觉的感知维度 本书并非对既有雕塑流派的梳理，亦非对艺术史的简单回溯。它是一次深入材料本体的探险，一册致力于揭示“物质性”（Materiality）在当代雕塑语境中如何重塑空间、时间与观看体验的专业论著。我们在此探讨的“材质”，远超传统意义上的石头、青铜或木材，而是聚焦于工业废料、生物组织、光线本身，乃至数字编码如何被赋予实体形态，并在三维空间中构建意义的复杂过程。 第一部分：物质的本体论——从矿物到流体 本章将剖析材料的“在场性”（Presence）。我们不再将材料视为艺术家的工具，而是将其视为具有内在生命和历史的合作者。 1.1 惰性与活性：金属的记忆 深入研究铸铁、不锈钢在不同温度和压力下的形变能力。分析焊接和锈蚀过程如何成为雕塑叙事的一部分。探讨如理查德·塞拉（Richard Serra）作品中，钢铁的重量如何挑战观众对重力与平衡的既有认知。重点剖析抛光表面与粗粝边缘在光线折射下形成的“视觉噪音”。 1.2 有机体的脆弱与韧性：生物形态的引入 考察皮革、骨骼、蜡、甚至微生物培养皿如何在当代雕塑中被运用。分析这些材料带来的时间性——腐败、氧化、生长——如何迫使作品具备“生命周期”。探讨艺术家如何利用生物材料的腐朽过程，探讨生命、衰亡与循环的主题，将雕塑从静止的纪念碑转变为动态的生态系统。 1.3 工业的残骸：再语境化的废弃物 聚焦于塑料、橡胶、电子元件等现代工业副产品的艺术转化。分析这些“低价值”材料如何通过结构重组，挑战观众对“高雅艺术”材料的偏见。探讨“去语境化”的物品如何重新获得形式感与内在张力，揭示消费社会下物质循环的隐性结构。 第二部分：触觉的拓扑学——肌理、尺度与身体经验 本部分将理论工具聚焦于观者与作品的物理接触（或潜在接触）维度，探究肌理在构建心理空间中的作用。 2.1 表面哲学：光泽、粗糙与皮肤的对话 详细梳理各种表面处理技术（打磨、喷砂、酸蚀、真空镀膜）对材料感知的影响。通过对不同肌理的对比分析，阐述艺术家如何通过触觉的暗示来操纵观者的情绪反应。例如，极度光滑的表面如何暗示疏离与完美，而粗粝的表面则如何唤起原始的、未被驯服的触感。 2.2 尺度的人体学：从微观到纪念碑 研究雕塑尺度与人类身体尺寸的复杂关系。分析“微型化”作品如何通过极端的细节和精致的比例，强迫观众进入一种近乎冥想的近距离观察状态，以及“巨型化”作品如何通过压倒性的体量，重塑观众对自身位置的认知。这不仅是尺寸的比较，更是对主客体边界的测试。 2.3 内部的建构：结构的暴露与隐藏 探讨雕塑的“内部构造”——支撑系统、填充物、机械传动装置。分析某些作品为何选择将支撑结构完全暴露，使其成为形式的一部分；而另一些作品则精心隐藏，以维持其外壳的纯粹性。这关乎真实性、透明度以及对制造过程的坦诚度。 第三部分：环境的渗透——光、声与时间性介入 本章将雕塑的概念从孤立的物体扩展到其所处的环境，研究材料如何与非物质元素相互作用。 3.1 光影的雕塑：介质与折射 超越对光线作为照明工具的理解，本章将光线本身视为雕塑的物质媒介。研究透明树脂、磨砂玻璃、以及镀铬材料如何捕捉、扭曲和释放环境光。分析动态光线（如投影或自然日照的移动）如何使静止的雕塑产生“运动的错觉”，从而实现时间上的延展。 3.2 声音的形态学：振动与共振 探索声音作为一种材料形态在雕塑中的应用。分析利用材料的固有频率（如金属板的敲击声、特定木材的干燥裂纹声）构建听觉景观的作品。讨论声音如何渗透作品的物理边界，使雕塑成为一个“听觉场域”的中心。 3.3 场域的构建：环境与场地特定性 聚焦于“场地特定”（Site-Specific）艺术的材料选择逻辑。考察当材料必须回应特定的地质、气候或历史背景时，艺术家如何进行选择。这要求材料不仅要与环境在视觉上对话，更要在化学、物理层面上与之发生长期的、不可逆的交互作用。 结语：走向未定的未来形态 本书最终试图引导读者超越对雕塑“形象”的传统迷恋，转而关注其“生成过程”和“物质辩证法”。当代雕塑的活力正在于其对材料边界的不断试探与挑战。这并非一本提供答案的指南，而是一套观察和分析未来形态构建工具的深度手册。它要求从业者和研究者，以一种近乎炼金术士的审慎态度，去理解和驾驭我们所处的物质世界。

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翻开《光影的魔法师》，我立刻被它那种如同电影剧本般的叙事风格吸引住了。这本书完全颠覆了我对传统摄影教程的刻板印象，它不是枯燥地讲解光圈快门这些参数，而是将“光”本身当作一个有生命、有性格的角色来描绘。作者对自然光的理解已经达到了近乎诗意的境界，无论是清晨带着露水的柔和散射光，还是正午时分那种极具戏剧张力的硬光，他都能用细腻的文字捕捉到它们最细微的变化。我印象最深的是其中关于“侧光”的章节，书中通过分析伦勃朗、卡拉瓦乔等大师的画作，结合现代摄影实践，详尽阐述了如何利用侧光雕刻出物体的体积感和情绪张力。特别是作者提到，优秀的光影处理，不是“打光”，而是“发现”光影，这一点对我这个总想用复杂布光来弥补不足的新手来说，简直醍醐灌顶。读这本书，我感觉自己正在进行一场高雅的艺术鉴赏之旅，每一次翻页，都像是走进了一个由光线编织而成的梦境。对于那些希望照片更有故事感、更有灵魂的摄影爱好者来说，这本书无疑是一部珍贵的启示录。

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我对《数字时代的平面印刷工艺》这本书的期望值其实挺低的，本以为这又是另一本堆砌着CMYK值和网点增大率的冷冰冰的技术手册。然而，它竟然出人意料地充满了对“触感”的执着和对“手工感”的敬畏！在这个一切皆可屏幕化的时代，作者却用大量的篇幅去赞美油墨在纸张上的附着力，描绘凹版印刷的深刻纹理和凸版印刷的有力冲击。书中详细对比了从传统的手工起稿、制版、到现代激光雕刻等一系列工艺流程，并且配有高清的微距摄影，让你能真切地感受到不同工艺带来的质感差异。最精彩的是，作者将不同纸张的纤维结构与油墨渗透的原理相结合进行讲解，比如某种特种纸如何能更好地承载水性油墨而不洇色。这本书的价值在于，它提醒了我们，无论技术如何进步，媒介本身的物理属性——触感、重量、气味——仍然是设计体验中不可替代的关键部分。它让我开始重新审视每一次印刷品的诞生，真正理解了“呈现”的艺术远比“屏幕显示”复杂得多。

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说实话，一开始我对《字体设计中的几何哲学》这个书名有点犯怵，觉得“几何”和“字体”结合起来，肯定又是满篇的数学公式和生硬的规则。结果呢？完全出乎我的意料！这本书简直就是一本隐藏在理论外衣下的美学解密手册。它巧妙地将欧几里得的几何原理，比如黄金分割、斐波那契数列，与拉丁字母的结构、笔画的平衡感联系起来。作者没有停留在理论层面，而是通过大量的实例对比，清晰地展示了为什么某些字体看起来“舒服”，而另一些则显得“别扭”。比如，书中对衬线体中曲线和直线交接点的处理，以及无衬线体中字重（Weight）的微小调整如何影响整体阅读体验，都有着非常精妙的分析。它让我明白了，一个优秀的字体设计者，其实就是一个潜藏的数学家和建筑师。这本书的阅读体验非常流畅，图表清晰，论证严密，让我这个理工科背景的人读起来倍感亲切，同时也极大地提升了我对版式设计中“微调”重要性的认识。如果你想让你的排版从“能看”升级到“专业”，这本书是必读的。

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《叙事性空间：建筑中的时间印记》这本书，简直是为那些迷恋老建筑、对历史有莫名的情怀的人准备的“精神食粮”。它完全跳出了传统建筑学那种冰冷的结构分析，而是将建筑视为承载人类记忆和故事的容器。作者的文笔极其细腻、富有画面感，他会带你走过一座被遗弃的工厂，告诉你那些锈迹斑斑的栏杆和剥落的墙皮是如何记录下工人们的汗水与时代的变迁的。书中对于“时间流逝”在空间中留下的痕迹描绘得入木三分，比如光线在一天中不同时段投射在特定窗户上的角度变化，如何无声地标记着日升月落；又比如，不同年代的地面材料磨损程度不一，如何揭示出空间功能和人流密度的历史演变。我尤其喜欢其中关于“废墟美学”的探讨，它提醒我们，不完美的、残缺的才是最真实的生命状态。读完后，我再看任何一个空间时，都会不自觉地去寻找那些被忽略的“时间印记”，不再只是看它的外表有多光鲜亮丽。这本书真正做到了让建筑“会说话”。

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这本《色彩的交响》简直是为我这种对色彩理论懵懂的小白量身打造的教科书！我以前总觉得色彩搭配就是凭感觉，看到好看的就往一块堆，结果弄出来的东西总是差那么点意思，要么太花哨，要么太沉闷。这本书的厉害之处就在于，它把色彩的原理讲得透彻又生动，从色相、明度、饱和度这些基础概念入手，用大量的图例和实际案例告诉你，为什么某些颜色放在一起会产生和谐感，而另一些则会互相“打架”。尤其是关于互补色的应用那几章，作者没有简单地告诉你“红配绿”很抢眼，而是深入分析了它们在不同光照和比例下的视觉效果，甚至还涉及了心理学上色彩带给人的情绪影响。我记得有一章专门讲了如何利用色彩的冷暖对比来创造空间感和深度，这对我现在正在尝试的室内设计小项目帮助太大了。读完之后，我感觉自己对色彩的认知被彻底刷新了，不再是盲目地选择颜色，而是有了一套可以遵循的逻辑和方法论。它不仅仅是知识的堆砌，更像是一位资深设计师在你耳边耐心指导，让你在色彩的海洋里找到了航行的灯塔。强推给所有对视觉艺术有兴趣，但又苦于缺乏系统理论支撑的朋友们！

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