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出版者:

作者:古佳

出品人:

页数:176

译者:

出版时间:2011-12

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787565702600

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《影像的语言：镜头下的叙事与表达》 本书并非专注于某一特定专业方向的考前冲刺，而是致力于构建一种更宏观、更具普适性的影像认知框架。它深入探讨的是“影像”这一强大的信息载体，以及如何通过镜头语言来讲述故事、传递情感、引发思考。 核心理念： 我们相信，优秀的影像创作者，无论其具体职业领域如何，都应具备对影像本质的深刻理解。本书的核心理念在于，影像并非仅仅是画面的堆砌，而是由一系列精心设计的视觉元素、结构编排和情感引导所构成的动态叙事系统。理解并掌握这些构成要素，是解锁影像魅力的关键。 内容导览： 第一章：看见的力量——影像的本质与感知 本章将带领读者跳出“拍摄”的实际操作层面，回归影像的本源。我们将探讨视觉感知是如何运作的，光线、色彩、线条、形状等基础视觉元素如何直接影响观众的情绪和认知。从人眼的生理结构到心理学原理，深入解析影像如何“抓住”观众的注意力，并对其产生潜移默化的影响。我们将尝试回答：为什么某些画面令人过目难忘？为什么特定的色彩组合会唤起特定的情绪？ 第二章：镜头里的语法——构图、景别与运动的奥秘 本章是关于“如何看”以及“如何让观众看”。我们将系统梳理构图的黄金法则、三分法、对称构图等经典技巧，并深入分析不同景别（全景、中景、近景、特写等）在叙事中所扮演的角色。远景的宏大与渺小，近景的亲密与细节，特写的直白与强烈，我们将逐一剖析它们的功能性。同时，本书也将探讨镜头运动的艺术：推、拉、摇、移、跟、甩，每一种运动都承载着特定的情感指向和叙事节奏。我们不只是列举技巧，更会结合大量的视觉案例，阐述这些技巧背后的情感逻辑和叙事意图。 第三章：叙事的骨骼——蒙太奇与剪辑的节奏 影像之所以能成为“故事”，离不开剪辑的魔力。本章将深入解析蒙太奇的各种类型及其在叙事中的作用：从连续性蒙太奇的流畅叙事，到对比蒙太奇的戏剧张力，再到隐喻蒙太奇的深度挖掘。我们将探讨节奏的重要性，如何通过剪辑的长短、画面切换的频率来控制观众的情绪起伏，是让观众心潮澎湃，还是让他们陷入沉思。我们还将触及声音在剪辑中的关键作用，音乐、音效、对白如何与画面融为一体，共同构建完整的叙事。 第四章：情感的载体——光影、色彩与氛围的营造 本章将聚焦于如何通过技术手段来传递情感。我们将详细分析不同光源（自然光、人造光）的特性，以及如何运用布光来塑造人物性格、烘托环境氛围。高调的明亮与低调的阴郁，冷色调的疏离与暖色调的温暖，色彩不仅是视觉的呈现，更是情感的语言。我们将探讨色彩心理学在影像创作中的应用，以及如何通过色彩搭配来引导观众的情绪。同时，我们也将关注“氛围”的营造，包括但不限于画面质感、景深效果、虚实对比等，它们共同构成了影像作品的情感底色。 第五章：故事的灵魂——从观察到表达的转化 这是本书理论联系实际的升华。我们将探讨如何将生活中的观察、内心的感受，转化为具有影像表现力的内容。从一个简单的生活片段，到一个复杂的社会现象，如何提炼核心信息，构思镜头语言，构建叙事结构。本章鼓励读者培养敏锐的观察力，用影像的思维去审视周遭世界，并尝试用镜头去表达自己的观点和情感。我们将通过案例分析，展示优秀的影像创作者是如何将平凡的生活变得不平凡，如何用影像触动人心。 第六章：反思与前瞻——影像的未来与创作者的责任 在数字时代，影像的传播方式和生产形式日新月异。本章将引导读者思考影像的社会功能与伦理责任。在信息爆炸的时代，如何辨别真实与虚假？作为影像创作者，我们应该如何运用手中的工具，传递有价值的信息，承担起应有的社会责任？我们还将对未来的影像技术和创作趋势进行展望，激发读者对影像艺术的持续探索和创新。 本书的价值： 《影像的语言：镜头下的叙事与表达》并非一本“操作手册”，而是一本“思考手册”。它旨在帮助读者建立一套独立的、深刻的影像观看和创作体系。无论您是希望提升自己的视觉素养，还是渴望用影像更好地表达自我，抑或是对影像创作的底层逻辑充满好奇，本书都将为您提供一条清晰的路径。它不提供具体考试技巧，而是打磨您最核心的、最持久的“内功”。通过本书的学习，您将学会如何“看见”，如何“解读”，以及最重要的，如何“用影像说话”。

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作为一本考前辅导用书，它对“非技术性”的考察重点把握得非常不准。比如，编导专业考试中常常会考查对当下媒体热点、影视思潮的理解和个人评论能力。然而，这本书在“时事热点分析”这部分的内容更新速度明显滞后，引用的案例都是好几年前的，对于一个要求考生具备敏锐洞察力的考试来说，这简直是致命伤。我更希望看到的是针对近两年现象级作品的深度解析，以及作者对于未来影像趋势的预判，这才能真正帮助我们建立起自己的知识体系框架。此外，对于“面试技巧”的部分，也仅仅是套话连篇，完全没有提供针对性的、个性化的指导建议，比如如何应对评委对你作品集的尖锐提问，或者如何展示自己独特的艺术视角。如果只是背诵这些通用的说辞，在竞争激烈的考场上是没有任何优势的。

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这本书在“镜头语言与叙事技巧”这一块的讲解简直是流于表面，根本没有深入到如何将编导思维融入到具体的摄影画面构建中。我翻阅了关于运镜和景别选择的章节，里面罗列了一堆名词解释，像是高中语文课本里的术语汇编，但就是没有提供足够多的优秀范例来支撑这些理论。比如，讲到“主观镜头”时，它只是简单地定义了一下，却没有分析哪个经典电影片段是如何通过主观镜头来推动剧情发展，或者如何利用景深来引导观众视线。对于我这种需要通过大量实操案例来学习的视觉艺术类考生来说，这种“干巴巴”的理论灌输效率实在太低了。感觉作者可能对编导的整体流程非常熟悉，但在将这种流程“翻译”成摄影语言方面，明显力不从心。期待看到更多关于“如何用画面讲故事”的深度剖析，而不是停留在“应该怎么做”的表面描述。

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翻阅这本书时，最大的感受是内容组织缺乏逻辑连贯性，像是从不同的资料库里随机抽取内容拼凑而成的。前一章还在讨论严肃的影像哲学，下一章突然跳到了如何调试某个老旧摄像机的菜单设置，两者之间几乎没有任何过渡和关联。这使得学习过程非常跳跃和碎片化，难以形成一个完整的知识体系。一个好的辅导书，应该引导学生从宏观的艺术理念，逐步深入到具体的执行层面，最终再回到对作品的自我反思和批判。这本书显然没有做到这一点，它更像是一个知识点的堆砌，使得我在复习时，不得不花费大量的精力去自己构建它们之间的内在联系。如果不是我对这个考试的各个知识点已经有所涉猎，可能真的会被这种混乱的结构彻底劝退。它在“如何学习”和“如何应试”这两方面，提供的指导性意见都显得非常薄弱。

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这本书的排版简直是灾难，封面设计得平庸也就罢了，内页的字体和间距也让人看得非常吃力。感觉像是用最基础的Word文档随便设置了一下就拿去印刷了。特别是那些理论知识的章节，大段大段的文字堆砌在一起，没有任何图示或者清晰的结构划分，看得人昏昏欲睡。我本来是想找一本能快速梳理考点，并且能让我对摄影这个专业有更直观认识的辅导书，结果这本书给我的感觉更像是一本大学四年级学生整理的期末笔记，而且还是那种没怎么用心整理的。色彩理论部分讲得过于抽象，完全没有结合实际的拍摄场景去解释，导致我理解起来非常困难。更别提排版上的低级错误了，经常出现段落错位或者页码对不上的情况，这对于一本面向考试的辅导书来说，是完全不能接受的专业素养体现。如果光是看排版和印刷质量，我真的很难对它产生信任感。希望后续的版本能重视一下这些基础的阅读体验问题，否则内容再好，读者也坚持不下去。

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这本书在介绍摄影的“技术参数”时，处理得过于机械化了，完全没有体现出技术为艺术服务的核心理念。光圈、快门、感光度的讲解，无非就是教科书上的标准定义，然后给出了一个非常基础的“大光圈虚化背景”之类的简单例子，就草草收场了。这对于已经接触过单反或微单的考生来说，信息量实在太少了。我更想了解的是，在特定光线环境（比如极暗室内或逆光强烈的户外）下，优秀的编导摄影师是如何在这些参数之间进行“权衡取舍”的，以及他们是如何利用这些技术细节来烘托情绪的。比如，为了追求一种梦幻感，故意使用略微过曝的曝光值，这种艺术处理的界限在哪里？这本书更像是一本给零基础小白的入门手册，对于目标是冲刺专业院校的考生来说，缺乏深度和挑战性。

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