具体描述
《美国摄影教程(第10版)》是一本紧随时代和社会发展的摄影教程，内容广泛，实用性与科学性强。书中的叙述生动易懂，图例清晰准确，充分体现出几代摄影教育家的集体智慧。《美国摄影教程(第10版)》系统、完整、深入浅出地讲述了摄影的各个方面，包括相机、镜头、曝光、暗房、色彩、数码暗房的建立、图像编辑、数码打印、组织与存储照片、图片展示、用光、图像效果的延展等。此外，还详细讲述了大画幅相机、区域曝光法、照片欣赏以及摄影历史等方面的知识，是集硬件设备、拍摄与照片制作技巧、后期处理与照片存储、摄影历史于一体的摄影知识的百科全书。
《美国摄影教程(第10版)》几乎涵盖了当今摄影界中所有的基础技术和前沿技术，是一本难得的优秀摄影书籍。
《美国摄影教程(第10版)》适合所有摄影从业人士以及摄影爱好者阅读，同时也适合各类专业院校作为教材使用。
作者简介
Barbafa London，纽约现代艺术博物馆(Moma N.Y.，纽约现代艺术博物馆可以说是引导世界现代艺术潮流最重要的美术馆)副馆长，摄影与影像部主任。
Jim Stone，美国新墨西哥大学摄影专业教授，美国马萨诸塞艺术委员会及美国国家艺术基金会大奖获得者。作品曾被纽约现代艺术博物馆、美国国家艺术馆、汉堡工艺美术馆等多家艺术机构收藏。
John Upton，自1951年起在加州艺术学院（现为旧金山艺术学院）学习摄影。1963年开始在橙色海岸学院教授摄影课程并就任摄影系主任，任职期间学院发展成为全美幽最大的摄影教育机构。他曾在麻省理工学院等地举行过4次个人作品展，作品被大都会艺术博物馆、麻省理工学院等机构和学校收藏。他在1988年获得加州摄影博物馆“摄影历史和教育有贡献成员奖”。
目录信息
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读后感
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用户评价
这本书《美国摄影教程》为我提供了一个系统学习摄影的完整框架。我之前尝试过阅读一些零散的摄影文章和观看视频教程，但总感觉知识点比较碎片化，缺乏连贯性。而这本书则像一条清晰的脉络，将所有摄影相关的知识点串联起来。从相机的硬件组成和工作原理，到各种拍摄模式的原理和适用场景，再到曝光、对焦、白平衡等基础参数的设置，这本书都做了非常详尽的讲解。我特别喜欢书中关于“景深合成”的介绍，这是一种非常高级的拍摄技巧，能够帮助我在需要大景深的情况下，仍然保持主体和背景的清晰度。虽然我目前还在初级阶段，但了解了这些高级技巧，让我对摄影的未来充满了期待。书中还涉及了对不同类型镜头的特性分析，比如定焦镜头和变焦镜头的优缺点，以及它们在不同拍摄题材中的应用。这让我对镜头有了更深刻的认识，也让我更清楚自己需要什么样的镜头来满足我的拍摄需求。此外，它还为我们介绍了如何建立自己的摄影作品集，以及如何在社交媒体上分享和推广自己的作品，这对于想要将摄影作为一种爱好甚至事业的人来说，非常有价值。
评分这本书《美国摄影教程》为我提供了一个全面而深入的摄影学习路径。它不仅仅停留在技术层面，更深入地探讨了摄影的艺术性和人文性。我发现，书中关于“人像摄影”的章节尤其精彩，它详细讲解了如何与拍摄对象沟通，如何捕捉人物最自然、最动人的表情，以及如何利用光影来塑造人物的立体感和情感。它还介绍了不同类型的人像摄影风格，比如肖像摄影、环境人像摄影、抓拍人像等，以及它们各自的特点和拍摄技巧。这让我意识到，拍摄人像不仅仅是按下快门，更重要的是与被摄者建立联系，捕捉他们内在的美。书中还提及了“纪实摄影”和“新闻摄影”的伦理和技巧，让我理解了摄影作为一种记录和传播方式所肩负的责任。它鼓励我们用镜头去观察世界，去记录那些有意义的瞬间，去传递真实的信息。此外，它还分享了如何进行摄影创作的思考过程，比如如何从一个想法到一个完整的作品，这对于培养我的创作能力非常有帮助。
评分这本《美国摄影教程》就像一把金钥匙，为我打开了摄影世界的大门。在我拿到这本书之前，我对摄影的认知仅限于“按下快门”，觉得相机就是个复杂的玩具，拍出好看的照片全凭运气。然而，翻开这本书的第一页，我就被它严谨又不失趣味的讲解方式深深吸引。从基础的曝光三角——光圈、快门速度和ISO——到更深层次的景深控制、运动捕捉，再到构图的黄金分割、三分法，书中讲解得细致入微，并且配有大量精美的示例图片，这些图片不仅展示了理论的应用，更是激发了我强烈的拍摄欲望。我特别喜欢它关于“光线”的章节，那里面详细介绍了自然光和人造光的特性，以及如何运用它们来塑造画面氛围，比如逆光下的轮廓光、侧光下的立体感，还有顺光下的平坦细腻，每一种光线都有其独特的魅力，而这本书教会了我如何去观察和捕捉它们。更让我惊喜的是，书中还涉及了不同题材的拍摄技巧，无论是风光摄影中如何捕捉壮丽的景色，还是人像摄影中如何展现人物的情感，亦或是街头摄影中如何抓住转瞬即逝的瞬间，都有非常实用的指导。它不像一些纯理论的书籍那样枯燥乏味，而是通过大量的实践案例和技巧分享，让我觉得摄影不再遥不可及，而是可以掌握的技能。我迫不及待地想带着我的相机，按照书中的指导去实践，去发现生活中的美。
评分这本书《美国摄影教程》不仅仅是一本技术手册，更是一扇通往摄影艺术世界的大门。它以一种非常人性化的方式，引导我理解摄影中的“意境”和“氛围”。我发现，很多时候，一张照片之所以能够打动人心，不仅仅是因为它的技术多么精湛，更在于它所传达的情感和意境。书中详细讲解了如何利用色彩、光线、构图以及拍摄时机来营造不同的氛围，比如温馨、宁静、紧张、神秘等等。它还分享了一些关于“决定性瞬间”的理念，让我理解了街头摄影大师卡蒂埃-布列松的经典理论，如何在纷繁复杂的现实场景中，捕捉到那个最能代表事件本质的决定性瞬间。这种对摄影“灵魂”的探寻，让我觉得摄影不再仅仅是技术活，更是一种对生活的观察和感悟。书中还介绍了一些著名的摄影师及其代表作品，并对他们的作品进行了深入的解读，让我得以从大师们的作品中汲取灵感，学习他们的创作思路和艺术表达方式。阅读这些内容，我仿佛能与那些伟大的摄影师进行跨越时空的对话，他们的智慧和经验，也都在这本书中得到了传承。
评分《美国摄影教程》以其卓越的实践指导性和深厚的理论基础，让我对摄影的理解更上了一个台阶。我过去在拍摄时，常常会遇到一些技术上的瓶颈，比如拍出的照片噪点过多，或者在弱光环境下拍摄时画面模糊不清。这本书在“高感光度拍摄”这一章节中，给了我非常详细的指导，它不仅解释了高感光度对画质的影响，还教授了如何在尽量避免噪点的情况下，使用高ISO进行拍摄，比如利用大光圈镜头、寻找充足的光源，以及在后期软件中进行降噪处理。这让我能够在昏暗的室内环境或傍晚时分，也能大胆地尝试拍摄，并且获得相对满意的效果。书中对“手动对焦”的讲解也让我受益匪浅，尤其是在拍摄运动物体或需要精确控制焦点时，手动对焦比自动对焦更加可靠。它教会了我如何通过观察画面中的细节，比如眼睛、边缘等，来判断焦点是否准确，这对于提高拍摄的成功率至关重要。更重要的是，这本书鼓励读者不断尝试和实践，它提供了大量的练习项目和挑战，让我能够在学习理论的同时，也能够通过实际操作来巩固和提升自己的摄影技能。
评分这本书《美国摄影教程》为我提供了非常实用的后期处理技巧，让我能够将拍摄的照片提升到更高的艺术水平。我之前对后期处理的印象停留在简单的亮度、对比度调整，但这本书让我了解了后期处理的无限可能性。它详细介绍了Lightroom和Photoshop等主流后期软件的基本操作和常用工具，比如如何进行RAW文件导入和管理，如何进行曝光、色彩、细节的精细调整，以及如何使用蒙版和图层来实现复杂的创意效果。我尤其喜欢书中关于“色彩校正”和“锐化”的讲解，它让我学会了如何准确地还原画面中的色彩，以及如何通过适度的锐化来增强画面的清晰度。书中还提供了一些常见的后期处理模板和流程，可以帮助我快速地提升照片的质感。此外，它还强调了“适度原则”，告诫我们在后期处理时要保持克制，避免过度修饰，以免破坏照片的自然感。这本书让我明白了，好的后期处理能够锦上添花，而不是画蛇添足。它让我对摄影后期处理充满信心，并且迫不及待地想将这些技巧应用到我的实际拍摄中。
评分《美国摄影教程》是一本我愿意反复阅读和珍藏的书籍。它在基础知识讲解的同时，更注重培养读者的摄影思维和审美能力。书中对“白平衡”的讲解，让我摆脱了之前拍摄时照片偏黄或偏蓝的困扰。它不仅解释了白平衡的概念，还介绍了不同场景下应该如何设置白平衡，以及如何在后期进行白平衡的校正。这使得我在拍摄不同光线环境下的照片时，能够更加自信，并且保证色彩的准确性。书中还详细介绍了“RAW格式”与“JPEG格式”的区别，以及RAW格式在后期处理中的优势，这让我明白了为什么专业摄影师都倾向于使用RAW格式拍摄。它还提供了RAW格式文件的基本后期调整流程，比如曝光、对比度、色彩饱和度等的调整，让我对后期处理有了更清晰的认识。我尤其喜欢书中关于“滤镜”的介绍，它不仅讲解了各种常用滤镜（如偏振镜、ND镜、渐变镜）的作用和使用方法，还强调了滤镜在创作中的重要性，如何利用滤镜来增强画面的表现力，比如使用偏振镜来消除反光，或使用ND镜来拍摄长曝光效果。
评分《美国摄影教程》是我在摄影道路上遇到的最得力的助手。它不仅传授了丰富的摄影知识和技巧，更重要的是，它激发了我对摄影的热爱和探索精神。书中关于“风光摄影”的章节，让我学会了如何去观察大自然的色彩和光影，如何选择最佳的拍摄时机和角度，以及如何利用三脚架和快门线等附件来创作出令人惊叹的风光大片。它还介绍了如何在旅行中进行风光摄影，如何克服恶劣的天气条件，以及如何打包摄影器材。让我印象深刻的是，书中强调了“敬畏自然”和“保护环境”的摄影理念，让我明白，作为摄影师，我们应该以负责任的态度去记录自然，而不是破坏它。它还提及了“星空摄影”和“延时摄影”等特殊题材的拍摄技巧，让我对摄影的世界有了更广阔的视野。这本书的语言风格非常富有启发性，它不仅仅是教你“怎么做”，更是引导你思考“为什么这么做”，这让我能够真正理解摄影的精髓，并将其内化为自己的创作理念。
评分在我对摄影理论知识感到一片茫然的时候，《美国摄影教程》犹如及时雨般出现。这本书的逻辑性非常强，它不是简单地罗列各种技巧，而是循序渐进地引导读者理解摄影的本质。初学者最容易被相机上琳琅满目的按钮和菜单弄得不知所措，这本书在介绍相机操作时，非常贴心地从最基本的功能开始讲解，比如如何对焦、如何选择拍摄模式，以及不同模式下相机的响应。我印象最深刻的是关于“景深”的讲解，它用非常形象的比喻解释了光圈大小如何影响景深，以及如何利用虚化背景来突出主体，这对于我拍摄人像非常有帮助。书中还详细介绍了不同焦距镜头的特点和应用场景，让我明白了为什么有时需要广角镜头来捕捉宏大的场面，有时又需要长焦镜头来压缩空间或拍摄远处的景物。它还花了不少篇幅来讲解色彩理论在摄影中的应用，比如色彩的搭配、冷暖色的运用以及如何利用色彩来传达情感。读完这部分，我才意识到，原来照片不仅仅是记录，更是一种视觉语言。此外，书中对后期处理的介绍也让我眼前一亮，虽然它不是一本纯粹的后期教程，但它提供了后期处理的基本思路和常用工具的介绍，让我知道如何通过后期来进一步优化照片，使其达到更好的艺术效果。
评分《美国摄影教程》的魅力在于它对摄影艺术的深度挖掘和对实践操作的细致指导。这本书的语言风格非常平易近人，即使是摄影新手也能轻松理解。我尤其欣赏它在讲解构图时，不仅列举了各种经典的构图法则，还深入分析了这些法则背后的原因，以及在不同场景下如何灵活运用。比如，书中关于“引导线”的运用，让我学会了如何利用画面中的线条，比如道路、河流、建筑的边缘，来引导观众的视线，增强画面的纵深感和引导性。另外，它对“负空间”的运用也进行了深入的阐述，让我理解了留白的重要性，如何通过留白来突出主体，营造宁静、简洁的氛围。这本书的另一大亮点是它对“情绪和故事”的强调。它不仅仅教你如何拍出清晰、曝光准确的照片，更重要的是教会你如何通过照片来表达情感，讲述故事。书中分享了许多摄影师的经验，他们是如何通过对题材的深入理解和对人物的细腻观察，来捕捉那些触动人心的瞬间。这让我意识到，摄影是一门艺术，也是一种沟通方式，它能够超越语言，直接触及观者的心灵。这本书的阅读过程，本身就是一次心灵的洗礼和艺术的熏陶。
评分通常在阳光明媚的户外感光度数值为100或200，在昏暗的情况下感光度数值为400或更高。 采用感光度400足以应对日常抓拍（因为有较快的快门速度）。大光圈，浅景深。摇拍加较快的快门速度使被摄物比较清晰背景较为模糊。手持摄影的情况下配合中长焦镜头快门速度不低于1/125s。中午色彩对比最为强烈，在白天拍摄时，白平衡最好设定为5200K。可以采用较慢的快门速度拍摄运动物表现动感（会模糊运动）。
评分不知是不是心理作用，感觉翻译很生硬，不容易懂。
评分胶片和数码各占一半，当中很多关于进光量啊什么的原理的确让人对手里的设备有了更清楚的认识，图和解说都好看
评分比较与时俱进的一本儿标准教材，比纽摄管用也比其他动不动就敢号称“圣经 ”的靠谱儿。
评分按需。
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