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出版者:五南图书出版股份有限公司

作者:Boris Berman

出品人:

页数:237

译者:廖皎含

出版时间:2009-9

价格:新台币 300元

装帧:平装

isbn号码:9789571156651

丛书系列:

图书标签:

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《指尖上的奇迹：感受音乐的共振》 这并非一本枯燥的教程，更不是一套刻板的练习集。它是一扇通往音乐世界的窗口，邀请你用指尖去探索那片流淌着情感与故事的无垠海洋。如果你曾被一曲悠扬的旋律触动心弦，如果你曾在某个瞬间渴望将内心的澎湃化为指尖的跳跃，那么，《指尖上的奇迹：感受音乐的共振》将是你最忠实的旅伴。 本书将带你超越单纯的按键与音符，去领略音乐最本质的魅力。我们将一同探寻那些隐藏在黑白琴键间的语言，学习如何让它们在你的指尖下焕发出生命的光彩。这里的“生命”并非抽象的概念，而是指音乐中蕴含的喜怒哀乐，是指一段旋律所能激起的共鸣，是指一首乐曲如何将创作者的情感传递给你，又如何再由你传递给世界的每一个角落。 我们不预设你拥有任何音乐基础，无论是初次接触乐器的懵懂少年，还是已经磨砺多年却渴望更深层次理解的乐者，都能在这本书中找到属于自己的惊喜。它如同一个经验丰富的引路人，用循序渐进的方式，为你揭开音乐的面纱。 第一章：聆听的艺术——唤醒你的音乐耳朵 在踏上指尖的旅程之前，最重要的一步是学会倾听。这一章将引导你如何真正地“听”音乐，而非仅仅“听到”。我们将从最基础的音高、音色、节奏开始，让你感受它们之间的微妙差异和奇妙组合。你会学习分辨不同的乐器，理解它们各自独特的声音语言。更重要的是，我们将探讨音乐中的“情绪色彩”，是如何通过不同的力度、速度和音色变化来塑造的。 音高与色彩： 并非所有“高”和“低”都一样。我们将用生动的比喻，让你体会不同音高的情感指向。高音可以如飞鸟般轻盈，也可以如警钟般尖锐；低音可以如大地般沉稳，也可以如深渊般神秘。 节奏的脉搏： 音乐的灵魂在于节奏。我们会让你感受不同的节奏型如何带来不同的动感和氛围。是行军般的庄重，是舞蹈般的轻快，还是呢喃般的舒缓？节奏是音乐的心跳，它决定了音乐的生命力。 音色万花筒： 钢琴的声音千变万化，它可以是丝绒般的柔滑，可以是水晶般的清脆，可以是燃烧般的炽热，也可以是冰霜般的冷冽。我们将一起探索钢琴音色变化的可能性，理解调音、触键力度和演奏技巧如何影响音色的呈现。 情绪的解码： 为什么有些音乐让你欢欣鼓舞，有些却让你潸然泪下？我们将一起尝试解码音乐中的情绪密码，理解旋律的走向、和声的色彩以及速度的变化如何共同作用，营造出丰富多彩的情感体验。 第二章：触键的奥秘——让指尖拥有灵魂 指尖是音乐的触角，它们在琴键上舞蹈，召唤出美妙的音符。这一章将专注于如何让你的指尖更加灵活、富有表现力，并最终拥有“灵魂”。我们不会拘泥于僵硬的手型练习，而是强调指尖的“感知”和“回应”。 力量的传递： 好的触键不仅仅是按下琴键，更是将你的情感和意图传递给琴键。我们将学习如何精准地控制力度，从最轻柔的“耳语”到最强烈的“呐喊”。这包括对肩膀、手臂、手腕和手指的协调运用，以及如何利用重力来获得更饱满的音色。 触键的质感： 同样的音高，不同的触键方式会产生截然不同的声音质感。我们会探讨“断奏”的颗粒感、“连奏”的丝滑感、以及一些更微妙的触键技巧，例如“击弦”和“压弦”，如何为音乐增添丰富的色彩和层次。 手指的独立性与协同： 我们的十指并非各自为政，而是需要和谐统一。我们将通过一系列巧妙的练习，来提升手指的独立性，让每一个手指都能精准地发力，同时也要学会它们之间的默契配合，共同完成复杂的乐句。 节奏的精细控制： 节奏不仅仅是快慢，更是精细的起伏。我们会学习如何精确地控制每一个音符的时值，如何在乐句中营造出自然的呼吸感，让音乐流动得更加自然流畅。 第三章：旋律的呼吸——描绘情感的线条 旋律是音乐的骨架，是承载情感的主线。在这一章，我们将学习如何让旋律在你的指尖下“呼吸”，如何让它们如同富有生命力的线条，在空气中优雅地舞动。 乐句的构建： 音乐并非孤立的音符堆砌，而是由一个个有意义的“乐句”组成的。我们将学习如何识别乐句的起点和终点，如何理解乐句的起伏和走向，以及如何通过恰当的停顿和衔接，让乐句衔接得自然流畅。 乐句的起伏与张力： 就像人的呼吸有呼有吸，乐句也有起伏和张力。我们将学习如何通过力度的变化、速度的微调以及音高的递进，来营造乐句的起伏感和情感张力，让听者跟随你的旋律一同经历情绪的跌宕。 连接与断开： 乐句之间的连接方式至关重要。是平滑地过渡，还是留有呼吸的空间？我们将探讨不同连接方式所带来的不同效果，以及如何根据音乐的情感需求来选择最合适的处理方式。 模仿与变奏： 音乐的魅力在于变化。我们将学习如何巧妙地运用模仿和变奏的手法，让简单的旋律焕发出无限的生机。这不仅仅是复制，更是对旋律内在精神的理解和升华。 第四章：和声的色彩——点缀情感的锦缎 如果说旋律是音乐的线条，那么和声就是为这些线条增添丰富色彩的画笔。本章将带你领略和声的奇妙世界，学习如何运用和声来丰富音乐的情感，烘托旋律的意境。 和弦的表情： 每一个和弦都有其独特的“表情”。我们将从最基础的大三和弦、小三和弦开始，去体会它们所带来的明亮、忧伤等基本情感。然后，我们会逐渐引入属和弦、下属和弦等，去感受它们在音乐中扮演的角色。 和弦的连接与色彩变化： 和弦的连接并非随意，而是遵循着一定的规律，并且能带来丰富的色彩变化。我们将学习如何运用常见的和弦进行，理解它们如何能够自然地引导听者的情绪，产生意想不到的音乐效果。 副旋律与内声部： 音乐的丰富性往往体现在多声部的交织中。我们将学习如何处理内声部和副旋律，让它们不仅仅是烘托，而是成为音乐本身不可分割的一部分，共同编织出更复杂的音乐织体。 色彩与情感的呼应： 和声的色彩与旋律的情感是紧密相连的。我们将学习如何运用不同的和声色彩来呼应旋律的情感，是让它更加饱满，还是形成对比，从而产生更深刻的艺术效果。 第五章：节奏的律动——构建音乐的骨骼 节奏是音乐的骨骼，是支撑一切的基石。本章将深入探讨节奏的奥秘，让你掌握驾驭节奏的能力，让你的音乐律动起来。 节拍与小节： 理解节拍和小节是构建音乐秩序的基础。我们将学习如何准确地找到每一拍的落点，如何在小节的框架内进行音乐的组织。 速度的微妙变化： 速度并非固定不变的。我们将学习如何运用渐快、渐慢（accelerando and ritardando）等技巧，来为音乐注入生命力，制造出紧张或舒缓的效果。 重音与切分： 重音和切分音是制造节奏趣味的关键。我们将学习如何合理地运用重音，打破规律性的节奏，从而产生惊喜和律动感，让音乐更加引人入胜。 复节奏与交叉节奏： 在进阶的音乐中，复节奏和交叉节奏会带来更加复杂的律动感。我们将初步探索这些概念，让你领略到音乐节奏的无限可能性。 第六章：触键的表现力——让音乐“歌唱” 在掌握了基本的音符和节奏之后，我们更进一步，追求让音乐“歌唱”的境界。这一章将聚焦于如何让你的演奏富有表现力，能够真正地传达音乐的情感。 力度层次的精细运用： 从pp到ff，每个力度都有其独特的含义。我们将学习如何精细地划分力度层次，在乐句中创造出细腻的力度变化，让音乐更富于戏剧性和感染力。 音色变化的丰富探索： 钢琴的音色并非单一。我们将继续探索触键、踏板等多种方式，如何产生不同的音色效果，让你的演奏如同一位技艺精湛的画家，用音色来描绘心中所想。 表情记号的解读与实现： 乐谱上的表情记号不仅仅是符号，更是作曲家留下的情感线索。我们将学习如何理解这些记号，并将其转化为实际的演奏，让音乐的情感得以精准地传达。 歌唱性的处理： 很多时候，我们希望钢琴的声音能够像人声一样富有歌唱性。我们将学习如何通过流畅的连奏、自然的呼吸感以及情感的投入，来赋予乐句以歌唱的特质。 第七章：音乐的理解与表达——进入作曲家的心灵 音乐的最终目的，在于与听众进行情感的交流。本章将引导你深入理解音乐作品，并学会如何将这种理解转化为你自己的情感表达。 作品的结构分析： 了解作品的整体结构，如同阅读一本书需要了解章节安排。我们将学习如何识别作品的段落、主题的出现与发展，从而更好地把握音乐的整体走向。 作曲家风格的探索： 不同的作曲家有着独特的音乐语言和风格。我们将尝试去感受不同作曲家的作品，理解他们的创作理念和情感表达方式。 情感与技术的融合： 音乐的最高境界是将技术与情感完美融合。我们将探讨如何在演奏中，让技术服务于情感的表达，而非仅仅是炫技。 即兴的乐趣与思考： 虽然本书并非专注于即兴，但我们会引导你思考音乐的自由度，鼓励你在理解的基础上进行一些小的即兴尝试，从而加深对音乐的理解和热爱。 第八章：练习的智慧——让进步看得见 有效的练习是通往音乐殿堂的必经之路。本章将为你提供一些行之有效的练习方法和建议，让你在练习中事半功倍，享受进步的乐趣。 设定目标与计划： 盲目的练习只会浪费时间。我们将学习如何为每一次练习设定清晰的目标，并制定可行的练习计划。 慢练的重要性： 慢练并非退步，而是精准与理解的保证。我们将强调慢练的价值，以及如何通过慢练来克服技术难关。 片段练习与整体把握： 我们可以将复杂的乐曲分解成小片段进行练习，但同时也要时刻关注整体的连贯性。 倾听与自我评价： 录下自己的演奏，进行客观的倾听与评价，是发现问题、改进演奏的关键。 享受过程，保持热情： 音乐的练习之路或许会有挑战，但请记住，享受这个过程，保持对音乐的热爱，才是最重要的。 《指尖上的奇迹：感受音乐的共振》并非一本终结的书，而是一个起点。它希望为你点亮音乐的火种，激发你对音乐更深层次的探索和热爱。当你能够用指尖触碰到音乐的灵魂，感受到它在你的手中流淌、绽放，那么，你就已经掌握了创造属于自己的音乐奇迹的钥匙。愿你在这段旅程中，收获无限的喜悦和感动。

评分☆☆☆☆☆

终于赶在deadline之前在澳大图书馆里疯狂翻阅完整本书，一直以来对中国钢琴家有技师的偏见，总觉得西方的钢琴家才会真正有兴趣，有感悟，绝非简单的练习再练习。 看完了书，才明白，想要弹奏出任何好的乐曲，都需要经历认真研读乐谱，反复枯燥的练习，努力克服对反复出错和灵...

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评分☆☆☆☆☆

我最近翻阅的这本关于世界民族音乐学的著作，实在是一本内容极其扎实、视野极其开阔的宝典！它根本不是讲某个特定乐器的使用方法，而是将音乐置于人类学的广阔背景下进行考察。比如，书中详细比较了非洲部落的口传史诗演唱与中亚游牧民族的马头琴音乐在社会仪式中的功能差异，那种对地域文化和音乐形态之间共生关系的细致描绘，让人叹为观止。作者在田野调查的描述部分尤其精彩，那种深入到日常生活的记录，比如记录了某地祭祀仪式开始前，乐器如何被‘激活’，乐手们如何进入一种特定的集体意识状态，都写得非常传神和具有代入感。书中的配图也非常珍贵，很多是作者亲手拍摄的乐器照片，纹理和细节都保留得非常好。更难得的是，它避免了西方中心主义的视角，对东方、美洲原住民的音乐传统给予了平等的尊重和深入的分析。读这本书，感觉自己像是一个全球旅行家，每翻开一页，就乘着声音的翅膀飞到了另一个截然不同的文化现场，体验着音乐如何塑造人类的精神共同体。

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这本书简直是为我这种对现代作曲技巧一知半解的乐迷量身定制的！它聚焦于20世纪中叶以后，那些大胆突破传统的先锋音乐家们，探讨了十二音体系、序列音乐，乃至电子音乐的早期探索。最让我感到震撼的是其中关于“不和谐音”的章节，作者没有简单地将之定性为“难听”，而是深入分析了当时的社会背景和作曲家试图通过声音来表达焦虑、异化和对既有美学体系的颠覆。我特别喜欢作者引用了大量作曲家本人的访谈片段，那些直白、甚至有些偏激的言论，真实地展现了艺术创新者们在时代浪潮中的孤独与坚持。比如对约翰·凯奇静默音乐的解读，那一段写得极其哲学，探讨了“声音的边界”和“听者的主动性”，让人不禁停下来，反思自己过去听音乐时到底专注了多少。此外，书中对战后欧洲各个流派的梳理脉络清晰，通过图表和时间线对比，很容易就能把握住不同学派之间的微妙继承和决裂关系。这本书的学术严谨性毋庸置疑，但语言风格却十分锐利和富于思辨性，读起来一点也不觉得枯燥，反而像是在参与一场思想的辩论赛。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容简直是技术控的天堂，它完全聚焦于乐器制作的物理学和声学原理。我一直对小提琴的音色奥秘感到好奇，这本书就用严谨的数学模型和实验数据，剖析了面板的厚度、音梁的结构、甚至木材的密度对共振频率的影响。它不是简单地告诉你“A牌的小提琴声音更好听”，而是告诉你“A牌的木材在特定湿度下，其杨氏模量达到了最佳值，从而实现了XXX频率的稳定辐射”。书中配有大量的截面图、声波模拟图和材料分析报告，对于想深入理解乐器‘为什么’会发出这种声音的人来说，简直是醍醐灌顶。我尤其喜欢它对不同时代制作工艺演变轨迹的梳理，比如从古法手工打磨到现代CNC数控加工的转变，其中蕴含的匠人精神和科学迭代的矛盾与统一，被探讨得非常深刻。它甚至还涉及到了材料科学在修复古董乐器中的应用，各种粘合剂和涂层的化学成分分析，读起来既有动手实践的冲动，又有严密的逻辑支撑。这本书将艺术的神秘感和工程学的精确性完美地结合在了一起，完全是关于“造物”的史诗。

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天呐，最近沉迷于一本关于古典音乐史的书籍，简直是打开了新世界的大门！它不是那种枯燥的教科书，而是用极其生动的笔触，将巴赫那个时代的宫廷生活、作曲家的挣扎与荣耀，以及音乐如何从宗教束缚中一步步解放出来描绘得淋漓尽致。我印象特别深的是关于莫扎特晚年那段，作者似乎能洞察到他创作《安魂曲》时的那种绝望与天才交织的复杂心境，文字充满了画面感，仿佛能听到那低沉的弦乐在耳边萦绕。这本书的排版也非常讲究，很多乐谱片段的插图印刷质量极高，光影的处理都很有艺术感，让我这个非专业人士也能对当时的演奏习惯和乐器构造有直观的了解。尤其值得称赞的是，作者并没有过多纠缠于晦涩的音乐理论术语，而是将复杂的结构用非常形象的比喻来解释，比如将赋格比作一场精妙的外交谈判，每个人都有自己的立场，但最终要达成和谐统一。读完之后，我对贝多芬那充满英雄主义的交响乐有了全新的理解，不再只是听旋律，而是能感受到背后那股反抗命运的强大力量。这本书的深度和广度都远超我的预期，绝对是音乐爱好者书架上不可或缺的一本珍藏。

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我最近读到一本关于音乐心理学的著作，它完全没有提及如何演奏，而是探讨“听觉的奥秘”——我们的大脑是如何处理和感知音乐的。这本书的切入点非常新颖，它用实验心理学的框架，去解构人们对旋律、节奏和和声的情感反应。比如，为什么我们听到小调会感到忧伤，作者从进化论的角度解释了这可能与人类对特定频率声音的警觉反应有关。书中设计了一些小测试，让你在阅读时同步进行简单的听觉辨别，这种互动性极强，让抽象的理论变得具象可感。我特别着迷于关于“音乐记忆”的那一章，解释了为什么某些歌曲能轻易唤醒我们沉睡已久的记忆片段，以及大脑中负责音乐处理的区域（如布罗德曼区44）是如何协同工作的。作者的语言风格非常平易近人，充满了类比和生活化的例子，将复杂的神经科学概念转化为大众可以理解的叙事。读完后，我发现自己对听音乐的态度都变了，不再是单纯的情感宣泄，而是一种对自身认知机制的探索，每一次播放音乐，都像是对大脑进行了一次有趣的“黑箱测试”。

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