Maya材质与灯光技术精粹 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:刘文菊

出品人:

页数:336

译者:

出版时间:2011-7

价格:79.00元

装帧:

isbn号码:9787302240921

丛书系列:

图书标签:

• 材质灯光
• 教学
• 三维
• maya
• Maya
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• 灯光
• 渲染
• CG
• 特效
• 技术
• 教程
• 3D
• 数字艺术

《数字雕塑的视觉语言：从基础建模到高级渲染的艺术之旅》 这是一本面向广大三维数字艺术爱好者、模型师、渲染艺术家以及寻求提升视觉表现力的设计师的进阶指南。本书不侧重于任何特定的软件操作技巧，而是深入剖析三维数字艺术的核心原理与艺术理念，旨在帮助读者建立扎实的理论基础，从而能够融会贯通，在任何主流三维软件中挥洒自如。 核心内容梗概： 本书共分为五个主要部分，层层递进，引导读者从理解数字媒介的语言出发，逐步构建出富有生命力的三维视觉作品。 第一部分：数字形态的构建——从概念到模型的哲学 理解三维空间的本质： 探讨欧几里得空间、坐标系统以及它们在数字环境中的映射。理解点、线、面、体之间的关系，以及如何用数学的语言来描述和操控三维对象。 形体与结构的解析： 学习分析现实世界与想象中的物体的结构组成。从基本的几何体组合到复杂的有机形态，理解骨骼、肌肉、表皮等不同层面的结构对形体塑造的影响。 建模的艺术语言： 深入研究多边形建模、NURBS建模、雕刻建模等不同方法的艺术表现力。讲解拓扑结构的重要性，如何通过合理的布线来保证模型的变形、动画和渲染效果。 比例、尺度与视觉平衡： 探讨在三维空间中如何准确把握比例和尺度，以及它们对整体视觉感受的影响。学习设计原理中的平衡、韵律、对比等概念在三维模型构建中的应用。 细节的力量： 认识到细节在提升模型真实感和艺术感染力中的关键作用。学习如何通过高模低模烘焙、细节雕刻等技术来丰富模型表面的信息。 第二部分：光影的叙事——照明设计的原理与实践 光的物理属性与感知： 深入了解光的波长、强度、色温、衍射、折射、反射等基本物理特性，以及人眼对光的感知机制。 经典照明理论的重塑： 回溯并解析摄影、电影、绘画等领域的光线运用经典理论，如三点布光、轮廓光、环境光、戏剧光等，并探讨其在三维环境中的转化与应用。 主观照明的情感表达： 学习如何利用光的方向、强度、颜色和质量来营造不同的氛围和情感。例如，暖色调的光线如何传达温馨，冷色调的光线如何表现疏离，硬光如何强调力量感，柔光如何渲染柔美。 全局照明的模拟与控制： 理解全局照明（Global Illumination, GI）的核心概念，包括一次反弹、多次反弹、间接照明、焦散等。学习如何通过GI技术模拟真实世界中的光照传播，以及如何调整参数以达到预期的视觉效果。 环境光与氛围营造： 探讨如何通过环境光、天空光、HDRI贴图等方式来模拟自然或人造环境的光照条件，从而为场景赋予统一的氛围和空间感。 第三部分：色彩的魔法——材质色彩的科学与艺术 色彩理论的基础： 重温色彩的视觉生理学，包括色相、饱和度、明度，以及色彩的对比、调和、联想等基本原理。 物质的反射特性： 深入理解不同物质表面的反射模型，如镜面反射、漫反射、次表面散射（Subsurface Scattering, SSS）、菲涅尔效应（Fresnel Effect）等，以及它们如何影响物体颜色的表现。 材质的纹理与细节： 学习如何利用纹理贴图（如颜色贴图、法线贴图、高光贴图、粗糙度贴图、金属度贴图等）来模拟表面的细节、质感和微观结构。 色彩在材质中的应用： 探讨如何根据物体的固有色、环境影响、光照条件来精确设定材质的颜色。学习色彩在材质上的自然衰减、污染、磨损等效果的表现。 材质的对比与协调： 如何在场景中通过材质的对比与协调来引导观众的视线，突出主体，增强画面的层次感和信息量。 第四部分：渲染的艺术化——从技术到表现的升华 渲染引擎的语言： 梳理主流渲染引擎（如Arnold, V-Ray, Cycles, Redshift, Octane等）的设计理念与工作流程。重点不在于具体操作，而是理解它们在模拟真实光照和材质表现上的差异与共通之处。 参数背后的哲学： 深入解析渲染器中关键参数（如采样、降噪、景深、运动模糊、焦散等）的含义及其对最终图像的影响。理解“少即是多”的道理，学会通过精简的参数设置达到高效且高质量的渲染效果。 渲染质量的衡量标准： 讨论如何从画面清晰度、噪点控制、色彩准确性、光影表现、细节丰富度等多个维度来评估渲染质量。 艺术化的渲染策略： 探讨如何根据艺术需求调整渲染策略，例如，通过控制渲染通道（AO, Normal, Diffuse, Specular等）来实现后期合成的灵活性；如何利用渲染器特有的功能（如AOVs）来达到特定的艺术效果。 性能与效率的平衡： 在追求艺术效果的同时，学习如何优化渲染流程，合理利用硬件资源，以在可接受的时间内获得高质量的渲染结果。 第五部分：融合与超越——三维视觉叙事的整体观 从单一元素到整体构建： 强调将模型、材质、灯光、色彩等各个元素有机地结合起来，形成一个和谐统一的视觉整体。 意境与氛围的营造： 学习如何通过对光影、色彩、构图的综合运用，来营造特定的意境，传达创作者的情感和故事。 视觉焦点与引导： 探讨如何利用视觉元素（如高对比度区域、色彩鲜艳的对象、强烈的灯光等）来自然地引导观众的视线，突出画面的重点。 对真实感的追求与艺术化的超越： 区分“照片级真实感”与“艺术真实感”。学习在遵循物理规律的基础上，如何通过艺术化的处理来达到更具感染力和表现力的视觉效果。 持续学习与探索： 鼓励读者在掌握基础原理后，保持开放的心态，持续探索新的技术和艺术表现手法，形成自己独特的视觉语言。 本书旨在提供一套坚实的理论框架，让读者能够独立思考，理解三维视觉艺术的内在逻辑，从而在创作中获得更大的自由度和创造力。通过对这些基础原理的深入理解，读者将能够更有效地掌握任何三维软件的强大功能，创造出令人印象深刻的数字艺术作品。

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这部作品简直是技术探索的圣经！它没有直接讨论任何关于 Maya 材质或灯光设置的具体步骤，但它成功地构建了一个宏大的、关于视觉艺术哲学和底层渲染原理的理论框架。我花了整整一周时间才消化完其中关于“光线追踪的数学模型”和“能量守恒在三维空间中的视觉表达”这几个章节。作者以一种近乎诗意的笔调，将复杂的物理学概念转化为可以被艺术家理解的语言。例如，书中对布林几何（Boolean Geometry）在非欧几里得空间中对光线折射影响的推导，虽然没有配上任何实操截图或场景文件，但其深度和广度足以让任何一个高级用户重新审视自己过去几年工作流程中的盲点。它更像是一本关于“如何思考光照”的指南，而不是“如何在软件中点击按钮”的速查手册。读完后，我感觉自己对渲染引擎的黑箱操作有了一种全新的、近乎蔑视的洞察力。对于那些满足于默认设置的初学者来说，这本书可能过于晦涩和抽象，但对于寻求突破瓶颈、希望在底层逻辑上进行创新的专业人士，这无疑是一剂猛药。它强迫你跳出软件的界面，去思考光是如何在自然界中被感知的，这才是真正的高级技能。

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我必须承认，这本书的阅读体验就像是攀登一座被浓雾笼罩的学术高峰。它完全没有收录任何业界流行的PBR（基于物理的渲染）工作流程的实战案例，也没有任何关于Substance Painter或Mari的导入导出流程的讨论。相反，作者将大量的篇幅用于探讨19世纪末期一些被遗忘的光谱分析实验，并将其与现代数字采样理论进行类比。比如，书中对“高频细节衰减对人眼感知一致性的影响”的分析，完全是基于一套复杂的傅里叶变换模型建立的，这部分内容几乎需要我参考一本大学级别的信号处理教材才能勉强跟上作者的思路。我期待看到一些关于V-Ray或Arnold渲染器最新版本特性的解析，但书中对此避而不谈，仿佛这些商业软件只是次要的工具。这本书的核心价值在于它提供了一种历史的、跨学科的视角，让你明白我们现在使用的所有“技术”都建立在哪些坚实的科学基石之上。这对于构建扎实的理论基础至关重要，但对于急需在明天提交工作成果的同行来说，可能会感到力不从心，因为它提供的不是捷径，而是对长远学问的深挖。

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令人惊讶的是，全书几乎没有出现任何关于场景搭建或建模技巧的章节。我翻遍了索引，找不到“多边形细分”、“UV展开”或“拓扑结构优化”等任何与三维模型制作相关的词条。这本书的关注点，从开篇的第一句，就坚定地锁定在了“信息熵在数字成像流程中的体现”上。它用非常严谨的学术语言，深入剖析了数据压缩和渲染效率之间的权衡问题，这部分内容涉及的数学工具远远超出了普通CG设计师的知识储备范围，更像是为图形编程专家准备的。书中虽然提到了“渲染”这个词，但其语境更接近于信息论中的“信息重构”而非动画制作。我本来希望这本书能帮我解决一些在复杂动态光照下的噪点问题，但它提供的解决方案是基于重新设计采样算法的理论推演，而不是一个具体的降噪插件的使用指南。可以说，这本书在技术层面上达到了极高的深度，但它巧妙地避开了所有实际操作层面的“如何做”，只专注于“为什么如此”。

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这本书的装帧设计倒是相当典雅，铜版纸印刷的内页触感极佳，但内容上，它彻底颠覆了我对技术书籍的期待。我原本以为会看到大量关于次表面散射（SSS）参数调整的图表和曲线分析，或者是关于HDRI贴图在不同光照场景下的最佳曝光值建议。然而，作者几乎没有提及任何软件界面上的具体参数名称。取而代之的是对“视觉感知中的不确定性原理”的长篇论述。书中有一章专门探讨了不同文化背景下，对“温暖”与“冰冷”色彩的直觉反应差异，并试图用认知心理学的实验结果来解释为什么某些光照方案在跨文化交流中会失败。这完全跳出了CG技术的范畴，进入了美学和心理学的交叉地带。如果有人想知道如何快速调整一个节点的Roughness值来让金属看起来更旧，这本书绝对不会给你答案。它更像是一本理论哲学的导论，让你思考“什么是真实的光”，而不是“如何模拟真实的光”。对于那些热衷于纯粹技术规格的人来说，这本书可能读起来会非常“虚无缥缈”。

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这本书的排版极具个性，章节之间的过渡非常跳跃，仿佛作者在不同研究领域之间进行着高速的思维跳跃。我发现其中一段关于“电影摄影机光圈对景深感知的非线性影响”的讨论，完全脱离了数字渲染的语境，而是引用了大量早期胶片时代的机械光学原理。它没有提及任何关于深度贴图（Z-Depth）或者焦散（Caustics）的数字实现细节。相反，作者花了大篇幅去分析早期电影制作人是如何通过镜头本身的物理限制来创造情感张力的。这本书的价值在于其广博的知识背景，它要求读者不仅要懂CG，还要懂物理学、光学史乃至一些基础的神经科学。对于那些只关注软件最新版本特性的用户来说，这本书可能读起来会感觉像是在听一场跨学科的讲座，信息密度极大，但缺乏直接应用于当前项目的工作流指导。它提供的是思想的启发，而非即时的生产力提升，这使得它成为了一本挑战性的、但极具启发性的理论读物。

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一般吧，点比较散，力不够深

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