中西绘画“体异性通”论

中西绘画“体异性通”论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:清华大学出版社
作者:李镇
出品人:
页数:263
译者:
出版时间:2011-3
价格:56.00元
装帧:
isbn号码:9787302247173
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 艺术史
  • 画论
  • 学术史
  • =j=
  • *北京·清华大学出版社*
  • 中西绘画
  • 绘画比较
  • 艺术差异
  • 视觉表达
  • 造型语言
  • 文化差异
  • 艺术史
  • 绘画理论
  • 审美观念
  • 图像学
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具体描述

《中西绘画"体异性通"论:石涛与塞尚艺术比较研究》是两个相对独立的系统,二者体异而性通。《中西绘画“体异性通”论石涛与塞尚艺术比较研究》综合运用比较文学的研究方法,通过对石涛与塞尚两个生活在不同时间和空间中却同样分别是中西艺术史中承前启后的关键性人物及其艺术的差异性与相通性的比较,观察中西绘画的流变与永恒及其关系,审视生命的绘画与绘画的生命之间的交互关系,尝试在“艺术何为?”“绘画何为?”这两个命题的多元答案中作出个人化的选择。

《中西绘画“体异性通”论石涛与塞尚艺术比较研究》适用于艺术、美术、绘画领域的学生及研究者和美术爱好者。

《体异性通:中国与西方绘画的对话》 本书旨在深入探讨中国与西方绘画在“体”与“性”两个核心维度上的差异与互通之处,并在此基础上揭示两者相互借鉴、融合的可能性。作者通过对不同绘画传统中造型原理、笔墨技法、色彩运用、空间处理以及情感表达等方面的细致分析,力图打破长期以来将中西绘画割裂为两个独立体系的局限,展现其内在的辩证统一。 导言:破除二元,探寻融通之道 长期以来,关于中国画与西方画的比较研究,往往容易落入“此亦彼亦”的简单二元对立,侧重于其表象上的差异,如“有无骨法”、“写实与写意”等。然而,任何艺术形式的生命力都离不开其内在的逻辑与精神。本卷将视角转向更深层次的哲学与美学命题,“体”与“性”正是理解绘画本体与精神特质的关键。所谓“体”,指向绘画的物质载体、造型结构、笔墨线条、色彩物质等具象层面,是艺术家得以施展技艺、表达思想的“身躯”。而“性”,则关乎绘画所蕴含的精神气质、情感韵味、意境营造、文化内涵等抽象层面,是艺术的灵魂所在。中国画的“体”与“性”如何形成其独特风貌?西方画的“体”与“性”又经历了怎样的演变?两者之间是否存在共通的追求与内在的张力?本书将围绕这些核心问题展开论述。 第一章:线的律动与形体的塑造——“体”的异质性 本章聚焦于中西绘画在“体”的构建上的根本性差异。 中国画:“骨法用笔”与“以线造型” 中国画强调“骨法用笔”,笔墨线条不仅是勾勒形体的工具,更是承载情感、表现精神的媒介。线的粗细、刚柔、疾涩、枯润,本身就蕴含着丰富的审美信息。通过皴法、擦法、点法等丰富多样的笔墨技巧,艺术家在二维平面上创造出三维空间的视觉幻觉,但这种三维并非完全遵循西方透视学原理。物象的“体”往往是通过线的勾勒、墨色的渲染以及留白的处理来暗示和塑造,注重的是“神似”而非“形似”。例如,山水的“云烟生动”并非对真实云烟的精确描摹,而是通过笔墨的虚实变化来营造其飘渺空灵之感。人物画中,线条的流畅与遒劲直接关系到人物的性格与精神状态。 西方画:“解剖学”与“科学透视”下的形体构建 西方绘画则将对“体”的理解建立在对物质世界的精确观察与科学认知之上。文艺复兴时期以来,“解剖学”和“科学透视学”成为西方绘画造型的基石。艺术家通过对人体骨骼、肌肉结构的深入研究,以及对光影、体积的精准把握,力图在画布上重现物体的真实质感和空间关系。绘画中的形体具有明确的体积感和实体感,色彩的冷暖、明暗变化被用来强化物体的立体感,形成写实的视觉效果。即使是印象派以后,对光影和色彩的探索,依然围绕着如何更真实地捕捉和表现物体的“体”在不同光线下的形态变化。 “体”的差异对绘画语言的影响 “体”的不同理解,直接导致了两种绘画在构图、笔触、色彩乃至材料运用上的显著区别。中国画的“散点透视”与西方画的“焦点透视”,使得空间呈现方式截然不同。中国画的笔墨语言与西方画的油彩、水彩语言,在表现物质性上各有千秋。本章将通过经典作品的案例分析,深入剖析“体”的异质性如何塑造了两种绘画独特的视觉语汇。 第二章:气韵生动与精神写照——“性”的共鸣与张力 如果说“体”是绘画的血肉,那么“性”便是其灵魂。本章将探讨中西绘画在精神表达上的异同。 中国画:“气韵生动”的艺术追求 中国画的最高艺术境界是“气韵生动”。“气”指宇宙万物的生机活力,也指艺术家内在的情感与精神。“韵”则是一种含蓄、典雅、悠远的意境。艺术家并非简单地将自己的情感外露,而是通过对自然万物的观察与感悟,将其内在的精神气质提炼并赋予笔墨之中。山水画的“山高水长”蕴含着对宇宙宏大与生命渺小的思考;花鸟画的“疏影横斜”传达着傲岸不屈的精神;人物画的“传神阿堵”追求的是内在精神的真实流露。中国画的“性”是一种内敛的、含蓄的、意象化的精神气质。 西方画:“情感表达”与“个性张扬” 西方绘画在“性”的表达上,往往更加直接和外放。从巴洛克时期的戏剧性冲突,到浪漫主义时期对个人情感的强烈抒发,再到现代艺术中对主体意识的深度挖掘,西方艺术始终强调艺术家个性的张扬和情感的真实呈现。无论是梵高的炽烈情感,还是伦勃朗的光影下的深刻人性,西方绘画的“性”更倾向于一种个体化的、主观的、具有叙事性和戏剧性的表达。 “性”的共通性:对生命、情感与真理的追寻 尽管表达方式不同,但中西绘画在“性”的层面上,却有着共通的追求。两者都致力于捕捉和表达生命的活力,传递人类共通的情感,并对宇宙、人生、真理进行思考与探索。中国画的“寄情山水”与西方画的“风景中的人物情感”,都在试图将个体生命体验与外部世界建立联系。两种绘画所展现的“性”,虽然有“内敛”与“外放”之别,但其核心都是对人性与生命意义的深刻关照。本章将通过比较不同文化背景下艺术家对自然、情感、精神世界的描绘,来揭示“性”的共鸣与张力。 第三章:体性合一的可能性——对话与融合 在充分认识到中西绘画“体”的异质性与“性”的共通性之后,本章将探讨两者之间进一步对话与融合的可能性。 中国画对“体”的现代性重塑 面对现代社会的视觉冲击与传播媒介的变化,中国画也在积极探索“体”的现代性转型。例如,在保持笔墨精神的前提下,借鉴西方绘画的空间处理、色彩理论,尝试新的构图方式和表现题材,使得中国画更具时代感与国际化视野。同时,中国画也为现代西方艺术提供了新的灵感,如抽象表现主义对东方哲学和书法的借鉴。 西方画对“体”的东方化思考 同样,西方绘画也在反思其过度依赖写实“体”的局限。对东方哲学、禅宗意境的理解,使得一些西方艺术家开始关注“留白”、“意象”等东方艺术的特质,在构图和笔触上融入更具东方韵味的“体”的表达。对“空”的理解,对“气”的感知,也在一定程度上影响着西方绘画的“体”的呈现方式。 “性”的深度交融:跨越文化的美学旨趣 当“体”的界限变得模糊,两种绘画在“性”的层面上更容易实现深度交融。“情感的普适性”、“精神的共鸣”能够跨越文化障碍,触及人类心灵深处。通过对“体”的互相借鉴,可以更有效地传递和表达“性”的内涵。例如,以西方绘画的写实“体”来承载中国画的含蓄“性”,或者以中国画的笔墨“体”来表达西方艺术的强烈“性”,都将带来全新的艺术体验。 结论:迈向多元共生的绘画未来 《体异性通》并非要将中西绘画“合二为一”,而是倡导一种开放、包容、对话的艺术观。通过对“体”与“性”的深入剖析,我们看到,差异并非鸿沟,而是理解彼此、相互启发的契机。未来,绘画艺术的发展将是多元共生的,不同的绘画传统将在平等对话中相互学习,共同丰富人类的精神世界。本书希望能够为读者提供一个理解中国与西方绘画更深层次联系的视角,激发对艺术本体与精神的更多思考,从而促进中国画与西方画在新的时代背景下的健康发展与创新。

作者简介

李镇,祖籍北京,1976年生于青海。2008年毕业于清华大学美术学院绘画系,获艺术学博士学位。博士在读期间曾获得国家留学基金委公派奖学金,作为国家首批“联合培养博士生”在英国伦敦艺术大学跨国艺术研究中心(TrAIN Research Centre,University Of the Arts London,UK)留学。2009年至今任中华女子学院讲师。

目录信息

第一章 引言
第一节 中西与新旧
一、从“佛教输入”到“西学东渐”
二、从“中体西用”到“中西会通”
三、从“兼容并包”到“中西融合”
第二节 分合的争论”
一、徐悲鸿的“改良论”
二、林风眠的“调和论”
三、潘天寿的“距离论”
第三节 方法的选择..
一、三种方法的演变:影响研究、平行研究、文化研究
二、两条平行的脉络:石涛研究与塞尚研究
三、一篇文章 的启示:刘海粟的(石涛与后期印象派》
第二章 承前启后石涛与塞尚在艺术史中的贡献比较
第一节 从元四家到扬州八家
一、赵孟頫与元四家
二、扬州八家
第二节 从新古典主义、浪漫主义、现实主义到野兽派、立体派
一、新古典主义、浪漫主义、现实主义与马奈
二、野兽派与立体派
第三节 四僧中的石涛和后印象派、新印象派中的塞尚
一、石涛与八大山人、髡残、弘仁
二、塞尚与高更、凡·高、修拉
第四节 笔墨之争与形色之辩
一、中国绘画的笔墨之争
二、西方绘画的形色之辩
第三章 体异性通石涛与塞尚艺术生命综述
第一节 生命的体异性通
一、时代之子
二、故乡他乡
三、矛盾性格
第二节 艺术的体异性通
一、知行合一
二、面面俱到
三、孤独寂寞
第四章 一分为三石涛与塞尚艺术探索的三阶段比较
第一节 “我自用我法”与“浪漫、表现、幻想”
一、松江证道、旅居宣城、禅寄一枝
二、巴黎之梦、落选沙龙、隐居故乡
第二节 “不立一法,不舍一法”与“印象、技术、自然”
一、泊船广陵、二见康熙、北上京津
二、蓬图瓦兹、印象时代、普罗旺斯
第三节 “一画之法,乃自我立”与“古典、和谐、永恒”
一、皖南皖北、大涤堂主、故友新朋
二、诀别左拉、轰动巴黎、忘年之交
第五章 “山画”与“古典”石涛与塞尚艺术核心理论比较
第一节 “一画之法”与“以自然重画普桑”
一、心源与自我的主要、直接来源
二、心源与自我的次要、间接来源
三、心源与自我的核心地位与平衡功能
第二节 “尊受”与“艺术是一个与自然平行的和谐体”
一、“尊受”
二、“艺术是一个与自然平行的和谐体”
第三节 “具古以化”与“从印象派中发展出某种坚固、持久的、 像博物馆艺术一样的艺术”
一、“具古以化”
二、“从印象派中发展出某种坚固、持久的、像博物馆艺术—样的艺术”
第四节 小结
第六章 古人之心石涛古人观与塞尚传统观比较
第一节 南北宗与现代性
一、董其昌及其“南北宗”之说
二、波德莱尔及其“现代性”之论
第二节 石涛与王原祁
一、王原祁与“四王”的过犹不及
二、石涛的矫枉过正
第三节 塞尚与毕沙罗
一、毕沙罗与印象派的异化
二、塞尚的修正
第四节 小结
第七章 造化之象石涛造化观与塞尚自然观比较
第一节 “天人合一”与“主客二元”
一、“天人合一”与“人合于天”
二、“主客二元”与“主客对立”
第二节 自画像
一、《种松图》与《自画像)
二、《睡牛图)与(自画?)
三、小结
第三节 黄山与圣.维克多山
一、《黄山图》与《黄山八胜图册八开》
二、《从贝尔威看圣.维克多山》与《从劳伏看圣.维克多山》
三、小结
第四节 墨竹与苹果
一、《竹石梅兰图》
二、《苹果与橘子》
三、小结
第五节 诗意图与玩牌者
一、《唐人诗意图册八开》
二、五幅《玩牌者》
三、小结
第六节 长卷与巨制
一、《清湘书画稿》
二、三幅《大浴女》
三、小结
第八章 心源之悟石涛心源观与塞尚自我观比较
第一节 两种视角与三个层次
一、大我与无我
二、本我、自我与超我
第二节 出入与此彼
一、佛禅与“一画”
二、老庄与“一画”
三、《周易》与“蒙养”、“生活”
四、理学与“一画”
第三节 理智与情感
一、笛卡尔—普桑—塞尚
二、康德、黑格尔—安格尔—塞尚
三、叔本华、尼采—德拉克洛瓦—塞尚
四、柏格森—塞尚
第九章 结论
第一节 石涛与塞尚艺术的差异与相通
一、石涛与塞尚的差异与相通
二、生命的绘画与绘画的生命
第二节 中西绘画的体异性通
一、永恒与流变
二、体异与性通
第三节 结论的意义
附录
石涛与塞尚比较年表
参考文献
后记
· · · · · · (收起)

读后感

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李镇,祖籍北京,1976年生于青海。2008年毕业于清华大学美术学院绘画系,获艺术学博士学位。 20世纪西方绘画从以塞尚为代表的后期印象派起,与中国绘画殊途同归、高峰相会。此书是专题深入研究和个案剖析,运用比较分析方法。 总结了石涛与塞尚的艺术实践理论结晶:“一画”论...

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李镇,祖籍北京,1976年生于青海。2008年毕业于清华大学美术学院绘画系,获艺术学博士学位。 20世纪西方绘画从以塞尚为代表的后期印象派起,与中国绘画殊途同归、高峰相会。此书是专题深入研究和个案剖析,运用比较分析方法。 总结了石涛与塞尚的艺术实践理论结晶:“一画”论...

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李镇,祖籍北京,1976年生于青海。2008年毕业于清华大学美术学院绘画系,获艺术学博士学位。 20世纪西方绘画从以塞尚为代表的后期印象派起,与中国绘画殊途同归、高峰相会。此书是专题深入研究和个案剖析,运用比较分析方法。 总结了石涛与塞尚的艺术实践理论结晶:“一画”论...

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李镇,祖籍北京,1976年生于青海。2008年毕业于清华大学美术学院绘画系,获艺术学博士学位。 20世纪西方绘画从以塞尚为代表的后期印象派起,与中国绘画殊途同归、高峰相会。此书是专题深入研究和个案剖析,运用比较分析方法。 总结了石涛与塞尚的艺术实践理论结晶:“一画”论...

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李镇,祖籍北京,1976年生于青海。2008年毕业于清华大学美术学院绘画系,获艺术学博士学位。 20世纪西方绘画从以塞尚为代表的后期印象派起,与中国绘画殊途同归、高峰相会。此书是专题深入研究和个案剖析,运用比较分析方法。 总结了石涛与塞尚的艺术实践理论结晶:“一画”论...

用户评价

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这本书的装帧设计很有意思,封面采用了复古的米黄色纸张,触感粗糙而温暖,中央是水墨晕染的抽象图案,边缘还有手工裁切的痕迹,散发出一种旧书特有的沉静气息。我是在一家独立书店偶然发现它的,当时就被这种别致的质感吸引了。内页的排版也十分考究,字距和行距都拿捏得恰到好处,让人阅读起来非常舒服,没有那种现代印刷品常见的廉价感。尤其是那些用来做插图的画作复刻品,色彩还原度很高,细节清晰可见,看得出出版方在装帧上的用心。我个人很看重阅读体验,一本好书不仅内容重要,载体本身也应该是一种享受。这本书从拿在手里的那一刻起,就带给我一种被珍视的感觉,很适合放在书架上细细品味,而非快餐式阅读。这种对细节的打磨,让人感觉到作者和编辑对艺术本身的敬畏。

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这本书的视角非常独特,它似乎并不执着于传统意义上的“优劣”评判,而是努力去理解不同文化在面对同一类命题时,是如何通过其独特的媒介和表达方式进行“对话”的。我注意到作者很少使用“进步”或“落后”这样的词汇来描述艺术的发展,更多地是探讨“适应性”和“适应性丧失”。例如,它提及了某种东方书法中对“气韵生动”的追求,与西方油画中对“空间透视”的精确构建,两者目标看似南辕北辙,但在作者的笔下,却被置于一个平等的对话框架中,去考察各自在“捕捉时间”这一共同命题上的努力与局限。这种去中心化的解读方式,极大地拓宽了我对艺术边界的理解,让我意识到所谓的“标准”可能只是特定历史时期的产物,而非永恒的真理。

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我最近对文艺复兴时期佛罗伦萨画派的风格演变特别感兴趣,尤其是达芬奇对光影和解剖学的探索。这本书里似乎没有直接深入探讨这些具体流派或艺术家的技法细节,反而更像是在宏观层面搭建一个思考框架。比如,书中对不同文化背景下“神性”和“人性”在艺术表达中的权衡关系有独到的见解,这一点我个人深有感触。它没有给我提供一张清晰的艺术史时间线,而是提出了一系列开放性的问题,比如“当笔触试图捕捉转瞬即逝的瞬间时,它究竟是在记录现实,还是在建构一种新的真实?”这种哲学层面的探讨,让我对以往被简单定义的艺术概念产生了新的疑惑和思考。读完之后,我得重新审视我之前看过的那些画册,不再满足于单纯的“好看”或“技法高超”,而是去探究其背后更深层次的文化心理驱动力。

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说实话,这本书的叙事节奏对我来说有点慢热。开篇的几章似乎花了大量的篇幅来铺垫概念,语言风格偏向学术化,充满了大量的定义和引证,初读时确实有些吃力,需要反复咀嚼才能消化其中的深意。我本来期待能快点进入案例分析或者对比研究的部分,但作者似乎更愿意先确立一套属于自己的分析哲学基础。不过,一旦熬过了最初的理论门槛,后面的内容便逐渐展开,变得流畅起来。这种“先抑后扬”的结构,虽然考验读者的耐心,但也确保了后续讨论的深度和逻辑的严密性。如果有人追求那种立竿见影的知识灌输,可能会感到不耐烦,但对于愿意沉下心来打磨自己认知模型的读者来说,这种铺垫是必要的“铸基”过程。

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我平时主要关注当代艺术中的新媒体和装置艺术,对传统绘画的理论涉猎不深。拿到这本书后,我原本有些担心会因为背景知识的缺乏而产生阅读障碍。然而,作者在阐释复杂的理论时,总是非常巧妙地穿插一些非常具象、甚至有些日常化的视觉例子来辅助说明,这大大降低了理论的门槛。比如,在谈论“留白”的哲学含义时,他没有直接引用晦涩的古典文献,而是对比了快速变化的城市景观与静止的自然山水在信息密度上的差异,这种跨越时空的类比非常鲜活。这种将深奥理论“在地化”和“生活化”的处理手法,使得这本书即使是对非专业背景的读者也具有很强的亲和力,不再是高高在上的学院派说教,而更像是一场引人入胜的思维漫游。

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见识平平

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