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出版者:浙江人民美术出版社

作者:佟飚

出品人:

页数:463

译者:

出版时间:2011-1

价格:120.00元

装帧:

isbn号码:9787534029417

丛书系列:高等院校美术类学生专业参考大系

图书标签:

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版画的高度：刻画时代，凝固记忆 《版画的高度》并非一本关于画廊展陈、技巧解析的图册，它更像是一场穿越时空的对话，一次对人性深处情感的挖掘，一段关于历史的无声述说。书中收录的版画作品，以其独特的雕刻痕迹和黑白分明的张力，共同筑起了一座无形的“高度”，这高度，是艺术家对时代变迁的回响，是对个体命运的关照，更是对人类共同记忆的凝固。 这本书的魅力，在于它剥离了色彩的浮华，回归到线条与块面的纯粹。在这里，每一道刻痕都承载着艺术家的思考，每一次留白都暗示着无限的可能。那些粗犷的线条，如同大地深处的脉络，勾勒出生命的坚韧；那些细腻的纹理，则细腻地捕捉着光影的流动，捕捉着转瞬即逝的情绪。版画的媒介本身就带着一种“减法”的哲学，艺术家在木板、铜版或石板上精心雕琢，去除多余，只留下最精华的部分，正如我们在生活中，也需要剥离杂乱，寻觅本真。 《版画的高度》中的作品，涉及的主题之广泛，足以构建起一个立体的观看维度。你可以看到艺术家们如何用版画语言描绘宏大的历史叙事。那些曾经的烽火狼烟，那些为自由而战的呐喊，那些社会变迁的壮阔图景，都在艺术家的手中被转化为永恒的画面。它们并非简单的图解，而是充满力量的视觉文本，引导观者去感受那个时代的脉搏，去理解那些塑造了今天的事件。例如，一幅描绘工厂景象的版画，或许会让你感受到工业革命带来的繁荣与阵痛，看到劳动者坚实的背影，听到机械运转的轰鸣；另一幅关于城市景象的版画，则可能让你窥见昔日街头的喧嚣，市井的烟火，以及不同阶层人群的生活轨迹。 然而，书中的“高度”并非只止于宏观的历史。它同样深切地关注着每一个平凡的个体。在这些版画中，我们看到了农妇脸上的皱纹，如同饱经风霜的土地；看到了孩童眼中的纯真，如同清澈的溪流；看到了恋人相依的剪影，如同夜空中最亮的星。艺术家们用最朴素的笔触，描绘出最动人的情感。这些作品，如同一个个被定格的瞬间，让我们得以窥见人性的温暖、坚韧、脆弱与希望。它们提醒我们，无论时代如何变迁，那些关于爱、关于失去、关于梦想、关于坚持的体验，始终是我们生命中最珍贵的组成部分。 《版画的高度》还向我们展示了艺术家的探索精神。他们不拘泥于传统的技法，不断尝试新的材料和表现方式。从古老的木刻到精密的铜版腐蚀，从细腻的石版画到大胆的丝网印刷，每一种技法都为艺术家提供了独特的表达可能。这些作品，本身就是对艺术边界的一次次拓展，是对视觉语言的一次次丰富。艺术家们通过版画，不仅记录了时代，也创造了艺术史上的里程碑。 阅读《版画的高度》，是一种沉浸式的体验。你需要放慢脚步，仔细审视每一处细节，去体会线条的力度，去感受墨色的深邃，去解读那些隐藏在画面中的故事。这并非一场轻松的浏览，而是一次深刻的对话。你与艺术家对话，与历史对话，与自己对话。你会发现，版画的“高度”，并不仅仅是作品本身的尺度，更是它所承载的思想深度、情感厚度以及它在时间长河中留下的印记。 这本书，献给那些对艺术抱有好奇心，对历史充满敬畏，对人性有着深刻体察的读者。它将带领你，一同攀登版画的精神之巅，感受那份凝固在时光中的力量，领略那份刻画在纸上的永恒。它是一次精神的洗礼，一次视觉的盛宴，一次对生命、对时代、对艺术的致敬。

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那本关于老电影胶片修复工艺的书，真是让我大开眼界。我一直以为那些泛黄、有划痕的经典片段，只要用软件稍微处理一下就能恢复如初，没想到背后居然涉及到那么多精细入微的化学和物理过程。作者在描述那个用特殊溶液浸泡、清洗、再进行逐帧数字比对修复的环节时，那种对“还原历史真实感”的执着，简直让人肃然起敬。他详细拆解了不同时期胶片基质的特性，比如早期的硝酸纤维素胶片那种易燃易降解的特性，以及如何通过温度、湿度控制来减缓其劣化速度。我尤其喜欢他描述的那些老修复师们，他们不仅仅是技术人员，更像是时间旅行者，试图用现代的精确度去对话那些逝去的影像灵魂。读完后，我对每一次在银幕上看到的清晰老片，都会多一分敬畏，明白那背后隐藏着多少不为人知的艰辛和对艺术的纯粹热爱，这哪里是简单的技术手册，分明是一部献给光影记忆的挽歌。这本书的深度在于，它把一个看似枯燥的技术流程，描绘成了对抗时间侵蚀的史诗，每一帧画面的重生，都像是战胜了宿命的胜利。

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这本探讨北欧极简主义家具设计哲学的册子，简直是精神上的“断舍离”指南。我原本以为它只会罗列些漂亮的椅子和桌子，强调线条的简洁性，但深入阅读后发现，作者的核心论点远超美学范畴，它直指现代社会对“物”的过度占有欲。书中反复强调“Form Follows Function”的现代主义信条，但又加入了斯堪的纳维亚特有的那种对自然光线和社区生活的尊重。我印象最深的是关于“留白”的章节，作者认为家具不仅是用来使用的，更是为了构建人与空间之间的呼吸感。他用非常冷静、近乎冥想式的笔调，描述了如何通过去除一切不必要的装饰，让使用者自身的活动成为空间的主角。这使得阅读过程本身就成了一种反思：我们真的需要那么多东西吗？那些被设计成经久耐用、可以传承的物件，其意义远大于其功能本身。它不是一本卖家具的书，它是在推销一种对生活本质的清晰认知，非常适合那些在大城市里感到被物质压迫的人。

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我最近翻阅的这本关于热带雨林生态系统中昆虫间信息素交流的科普读物，实在是太迷人了，它展现了一个我完全不了解的微观世界。这本书的精彩之处在于，它把原本抽象的化学信号，用极其生动的比喻和详尽的实验记录呈现了出来。比如，作者描述了某种甲虫如何释放出一种极其微量但结构复杂的“求偶信号”，这种信号在湿热的空气中可以传播数公里远，而其他物种完全无法察觉。书中包含了大量手绘的分子结构图和现场观察记录，让人仿佛真的能“闻到”那些气味。更令人惊叹的是，作者将这些信息素的误用和竞争也描写得如同间谍小说一般惊险——当一种蚂蚁学会模仿另一种蚂蚁的“危险警告素”，从而偷取食物时，那种生态博弈的复杂性令人叹服。这本书的叙事节奏明快，充满了发现的惊喜，它让我们意识到，我们行走于其上的森林，实际上是一个由看不见的化学语言构筑的、永不停歇的巨大信息网络。

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关于古文字符号学的那本专业著作，简直是对我认知结构的一次猛烈冲击。我原以为“研究文字演变”就是看看甲骨文像个啥，篆书和隶书的区别在哪儿，但这本书直接把我拉入了早期人类如何构建抽象概念的深层结构分析。作者没有停留在对字形的描摹上，而是深入挖掘了符号背后的“意图”和“集体记忆”。例如，他用一个章节分析了古代先民如何将自然现象（如水流、山脉）转化为表达道德或社会秩序的概念符号，这种跨学科的论证方式，结合了人类学、心理学和语言学的交叉视角，逻辑严密到令人头皮发麻。阅读过程中，我好几次需要停下来，反复琢磨那些晦涩的术语，但每当茅塞顿开时，那种智力上的满足感是无与伦比的。这本书的文字风格偏向德式学术的严谨，充满了复杂的从句和精确的定义，对非专业读者来说门槛极高，但对于任何想探究文明基石的人来说，绝对是必读的拓荒之作。它让你明白，我们今天所依赖的交流方式，是多么脆弱而精妙的结构。

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那本关于二十世纪中叶意大利新现实主义电影导演的传记合集，给我的感受是沉重且充满诗意的。我本来只是想了解下费里尼的早期作品，结果被书中对战后意大利社会氛围的细致描摹所吸引。这些导演，他们没有豪华的布景和明星，用几乎纪录片的方式去捕捉普通人在贫困、重建与希望之间的挣扎。作者的笔触非常细腻，没有进行过度的英雄化处理，而是着重描写了他们如何在物资极度匮乏的情况下，用手持摄影机、用街头素人演员，去对抗当时官方主流的叙事。我特别喜欢其中关于灯光处理的分析，那种利用自然光线在破败墙壁上投下的斑驳阴影，本身就构成了强烈的戏剧张力。这本书的风格就像是这些电影本身——朴素、真实，却又充满了对人性深处善良与韧性的深刻洞察。读完后，我对“真实”在艺术中的定义有了一个全新的理解，它不是简单的复制，而是一种带着温度和道德立场的介入。

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梦想得到一套版画的门神图

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所以现代艺术实际上就是陌生化手法的极致运用史吗？似乎现代艺术是在令人“不适”、“恐惧”中追求深刻，或者说，将不适本身当做深刻的代名词。你只需抛出一些尖锐的碎片，或者引起人们空虚的感受，就会被奉为一种风格。然而果真如此吗？我总觉得很tricky????

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其实缺少很多经典作品，但是还是不错

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多雷，张漾兮，赵延年，赵宗藻，斋藤清，谢米尔诺夫，夏加尔 ，埃舍尔，里希特。

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其实缺少很多经典作品，但是还是不错