名师零距离 马榕君 素描半身像

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出版者:
作者:马榕君
出品人:
页数:36
译者:
出版时间:1970-1
价格:25.00元
装帧:
isbn号码:9787535636966
丛书系列:
图书标签:
  • 素描
  • 绘画
  • 艺术
  • 教学
  • 马榕君
  • 零距离
  • 半身像
  • 名师
  • 技法
  • 入门
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具体描述

《名师零距离:马榕君素描半身像(最新版)》内容简介:掌握头像训练规律之后,开始进入半身像训练。比起头像训练,半身像相对复杂。半身像不但包含头像,还有上身躯干、腰部、臀部、大腿和左右两个手臂。当然半身像的训练主要是逐一训练,包含四大块:头部、颈部、手部和衣服。完整地表现好人物半身的形象,首先要掌握人物半身像的造型规律,挖掘人物内在最本质的东西:人体解剖与结构,与人物外在的形象特征和素描的造型有机地结合起来,再加上刻苦的训练和坚持不懈的探索,对人物半身像的表现会逐渐达到一定的高度。对于即将参加高考的考生来讲,充分发挥眼、脑、手的协调作用,勤于观察,勤于想象,勤于手画,高考中定会取得好成绩。

《名师零距离:马榕君素描半身像(最新版)》针对半身像考试的要求和特点,列举了大量的半身像习作,且基本都是在三小时之内完成的写生画,与考试的内容和形式非常接近,供考生在学习中参考。《名师零距离:马榕君素描半身像(最新版)》还针对应试的具体情况,将绘画的整体深入模式进行分解练习,同时与相应的考试方法相结合,希望广大考生能够通过对《名师零距离:马榕君素描半身像(最新版)》的理解,进行反复训练并灵活掌握,为迎接考试做好充分的准备。

根据现在多数考生学习美术的时间来看,从高中开始学画的考生最多,临考前是他们迅速提高绘画水平的黄金阶段。在半身人像训练难度较大的情况下,考生可以参考《名师零距离:马榕君素描半身像(最新版)》所推荐的训练方法,做好考试前的准备。将临摹和写生相结合,对名师作品认真揣摩,加强练习,一定能取得良好的效果。

探索人像的内在世界:当代肖像艺术的深度解读 本书集结了多位当代著名肖像艺术家的创作精髓与深刻思考,旨在为读者提供一个理解和实践人像艺术的全新视角。我们深入探讨了肖像画不仅仅是对外貌的简单记录,更是一种捕捉人物灵魂、传达情感张力、构建视觉叙事的复杂过程。 第一部分:肖像的哲学与精神肖像的构建 本部分将肖像艺术置于更广阔的文化和哲学背景下进行审视。我们追溯了从文艺复兴时期对个体尊严的肯定,到19世纪末印象派对瞬间光影的捕捉,再到20世纪现代主义对形式和心理深度的探索。重点剖析了“精神肖像”的含义——艺术家如何在画布或媒介上超越物理表象,揭示被描绘者的内心世界、社会身份以及历史语境。 观察的深度: 讨论如何通过长期的、有意识的观察,超越对五官的初步认知,进入到对人物性格、习惯性表情和内在矛盾的理解。章节将细致分析“眼神”的处理,如何通过眼睑的细微变化和瞳孔的聚散来暗示情绪状态和思考轨迹。 光影的语言: 深入研究光线在肖像构成中的决定性作用。我们不仅探讨经典的光影布局(如伦勃朗光、蝴蝶光)在二维空间中如何塑造体积感和戏剧性,更着重于现代肖像艺术家如何利用非传统光源(如屏幕光、环境光)来反映当代人的生存状态和疏离感。 形态与结构: 并非停留在解剖学的层面,而是探讨结构如何服务于表达。分析头部、颈部和肩部的比例关系,如何通过对骨骼结构的强调或弱化,来营造权威感、脆弱感或沉思感。重点介绍如何处理“轮廓线”,使其既能清晰界定形体,又能融入背景氛围,避免僵硬的切割感。 第二部分:材料的对话与媒介的实验 肖像的最终呈现离不开材料的选择与运用。本部分旨在引导读者思考不同媒介对最终作品精神传达的影响,鼓励超越传统油画和素描的固有范式。 油画媒介的厚度与时间性: 探讨油画颜料的层次堆叠(叠色法、罩染法)如何积累时间的痕迹,使画面产生历史的深度和物质的重量感。特别介绍湿画法与干画法在处理皮肤纹理和湿润感上的微妙差异。 水性媒介的透明与瞬间性: 聚焦水彩和墨法在肖像创作中的应用。分析这些媒介的不可逆转性如何迫使艺术家在下笔之初就具备高度的决断力,以及透明性如何在多层叠加中营造出人物的“轻盈感”或“虚化感”。 综合媒介与数字探索: 介绍如何将拼贴、拓印、甚至文本信息融入肖像创作,以丰富叙事层次。同时,讨论数字绘画工具如何模拟传统笔触,以及在数字化处理中如何保持肖像的“人味”和手工感。 第三部分:姿态、构图与环境叙事 一个成功的人像作品,其构图和环境设定是与人物自身同等重要的叙事元素。 身体语言的解码: 姿态是人物心理最直接的无声语言。本书通过案例分析,解读了不同坐姿、站姿、手势(如双手交叉、轻触面部)在心理学上可能传递的信号,并指导读者如何引导或捕捉那些最能体现人物内在矛盾的“不经意姿态”。 空间的限定与延展: 探讨如何利用背景空间来烘托主体。无论是封闭的室内空间,还是广阔的室外环境,背景的选择(或完全的虚化)都为肖像提供了社会和心理的参照系。重点分析“半身像”这一形式中,如何有效处理从头部到胸部区域的过渡,使之与背景形成张力而非简单的分离。 视角的转换: 讨论从仰视、俯视到平视角度对观者心理产生的影响。仰视常赋予人物权威和纪念碑性,而略微的俯视则可能带来一种亲密或审视的感觉。 第四部分:对“完美”的超越——缺陷与张力之美 本书坚信,人像艺术的魅力往往源自对“不完美”的接纳和强调。 皮肤纹理的处理: 反对过度磨皮或理想化处理。指导读者如何精确捕捉皮肤的自然纹理——斑点、皱纹、毛孔,并理解这些“瑕疵”是如何累积成一个人的生命故事的。如何通过笔触的粗粝感或平滑度来表达对时间流逝的态度。 情感的模糊性: 探讨如何描绘复杂、矛盾的情绪,而非单一的喜悦或悲伤。分析如何通过嘴角微小的上扬与眼角深沉的阴影同时存在,来塑造一个充满内心对话的人物形象。 创作过程的自我对话: 每一位艺术家在创作过程中都会与对象进行一场无声的拉锯战。本书鼓励读者记录和反思创作中的犹豫、修改和“意外发现”,这些过程的记录本身,也是肖像艺术不可分割的一部分。 通过对以上维度的深入解析,本书旨在提供一套系统的思考框架,帮助学习者和爱好者超越技术层面的模仿,最终实现用画笔捕捉并颂扬生命本质的创作目标。

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