具体描述
《音乐学研究丛书 •歌曲作法应用教程》主要讲解歌曲的创作方法和音乐作品的分析，包括歌词的选择，旋律的写作，各类乐段和曲体的写作，歌曲和弦的配置以及衬词和衬腔的运用等。对声乐作品的调式及转调的运用，各类高潮的写作，前奏、尾声以及其它附属部分的写作，都安排了专门的章节进行讲解。作者以平视的眼光与读者进行交流，全书循序渐进，易懂易学，多选用年轻读者熟悉和喜爱的歌曲作为谱例，并采用简谱记谱，绝大多数谱例的音像资料都可以在网上找到。
作者简介
陈朝汉，男，汉族，1982年毕业于武汉音乐学院作曲系，现为华中师范大学音乐学院教授、硕士生导师，国家一级作曲家，中国音乐家协会会员，武汉市音乐家协会副主席。迄今共获得各级创作奖近100项，其中包括国家级奖项“中国音乐金钟奖”、武汉市文学艺术基金奖、湖北省金编钟奖特别奖、湖北省屈原文芝奖特别奖、湖北省五个一工程奖等。曾担任武汉市第六届运动会开幕式、湖北省第五届少数民族运动会开幕式、全国第六届城市运动会开幕式、中国·武汉国际渡江江节、歌舞剧《汉水谣》等大型文艺项目的作曲、编曲和录制工作。2009年被授予武汉市“优秀文艺家”称号。
目录信息
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
从一个渴望提升技能的“局外人”的角度来看，这本书的实用价值几乎为零。我关注的重点是如何在实践中运用理论，如何将抽象的音乐概念转化为听感上的愉悦。然而，这本书的重点似乎完全偏离了“应用”二字。它花了大量篇幅去探讨一些听起来非常高深，但与流行、现代音乐创作几乎毫无关联的理论分支，仿佛在进行一场纯粹的知识考古。例如，书中用很大的篇幅去分析了某个特定历史时期某种非常小众的对位法技巧，这种知识对于我想要创作出具有时代感、能与听众产生共鸣的作品来说，帮助微乎其微。我更希望看到的是关于现代配器法、电子音乐制作中的声音设计或者如何用DAW软件实现复杂的编曲构思的章节。这本书提供的知识体系显得过于陈旧和偏颇，它试图构建一个完整的音乐世界观，但这个世界观的构建材料却大多是过时的、不适合当代音乐创作需求的。对于想学点真本事，立刻投入到实际创作中的人来说，这本书只会让人感到迷茫和无助，因为它提供的路径充满了弯路和死胡同。
这本书的语言风格简直是最大的障碍。作者似乎沉浸在自己构建的象牙塔中，用词极其**化，充满了陈旧的、不接地气的表达方式。阅读起来，我经常需要停下来查阅生僻词汇，这极大地打断了学习的流畅性。如果内容本身足够深刻且具有开创性，这种晦涩或许还能忍受，但问题是，书中阐述的许多观点，在现有的、更现代的音乐教材中，都有更简洁、更易懂的表达方式。作者似乎故意绕开所有通俗易懂的解释路径，执着于用一种仿佛是上个世纪的文风来包装自己的观点。这让人感觉作者对“如何有效传授知识”这件事毫无概念，或者说，根本就不在乎读者是否能真正学会。如果你希望得到一本能激发你创作灵感、同时又能提供明确操作指引的书籍，那么请远离这本“教程”。它更像是一份私人的、未加润色的手稿，散发着一种与时代脱节的孤芳自赏气息，对实际应用性的探讨少得可怜。
这本所谓的“教程”简直是一场灾难。我原本以为会学到一些关于如何“作法”的实用技巧，也许是一些关于歌曲编排、情感表达的深度解析，毕竟书名听起来就带着一种对音乐创作的严谨态度。然而，当我翻开第一页，迎接我的却是极其晦涩难懂的术语堆砌，仿佛作者在炫耀自己掌握了多少冷门的音乐学名词，却完全没有考虑过读者是否具备相关的专业背景。更令人抓狂的是，对于那些核心概念的讲解，总是蜻蜓点水，一笔带过，仿佛理解这些内容是读者自己的“悟性”问题，而不是作者的表述不清晰。比如，书中花了大量的篇幅去讨论某种理论体系的起源和发展，却对如何在实际创作中应用这些理论避而不谈，让人读完后感觉自己像是在听一场毫无重点的学术报告，而不是一本实用的操作指南。我需要的不是历史回顾，而是实操步骤，是那种能让我立刻上手尝试的清晰指引。这本书的结构也毫无逻辑可言，章节间的跳转生硬且突兀，读起来断断续续，完全无法形成一个连贯的学习路径。我实在不明白，作者是如何定义“教程”这个概念的，这更像是一本未经编辑的、充满个人偏见的笔记合集。
我不得不说，我对这本书的期望值直接跌到了谷底。我本以为这本书会像它的名字那样，深入探讨歌曲创作中那些“作法”的精髓，比如如何构建一个抓耳的旋律，或者如何用和声色彩来烘托特定的情绪氛围。结果呢？书中充斥着大量与主题看似相关，实则毫无用处的“哲学思考”。每一章节的引言都长得令人发指，像是在进行一场关于“何为艺术”、“何为声音”的无休止的辩论，但这些宏大的叙事却从未落实到具体的音乐案例分析上。举个例子，作者花费了近三十页的篇幅去描述一个非常抽象的“意象构建过程”，但当我们期待看到一个具体的音符或和弦进行是如何服务于这个意象时，作者却又突然转向了对某种不太主流的乐器历史的介绍。这种写作手法让人感觉像是在玩捉迷藏，永远抓不住重点。对于一个渴望学习如何把脑海中的旋律变成一首完整作品的人来说，这本书提供的帮助几乎为零。它更像是一部散文集，只是恰好披着一本“音乐教程”的外衣，内里却是空洞且自说自话的内容。我浪费了宝贵的时间试图从中挖掘出一点可用的知识点，但最终只收获了满腔的困惑。
老实讲，这本书的排版和设计让人感到一种强烈的疏离感。封面看起来倒是挺有格调，让人联想到某种古典主义的美学，但一旦翻开内页，那种感觉立刻烟消云散。字体的选择极其不友好，正文部分采用了偏细的衬线体，在长时间阅读下眼睛非常容易疲劳，尤其是在尝试理解那些复杂的乐理概念时，这种视觉上的不适感会被无限放大。更别提书中几乎没有使用任何图形、图表或五线谱示例来辅助说明。对于任何涉及音乐实践的教程来说，视觉辅助材料是构建理解的桥梁，缺失了这些，读者就只能依靠纯粹的文字想象力去重建作者脑海中的音乐结构。这简直是对学习过程的一种怠慢。我期待的教程是那种能清晰地展示“你看，这里用这个和弦，声音会变成这样”的直观体验，而不是让我自己拿着乐器，对着一堆文字去盲目摸索。这种做法完全不尊重读者的学习习惯和认知规律，让学习过程充满了不必要的摩擦和挫败感。
