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《古希腊雕塑艺术史论》 作者： 艾莉森·霍尔姆斯 出版社： 牛津大学出版社 出版日期： 2022年春季 --- 内容简介 《古希腊雕塑艺术史论》是一部深入剖析古希腊文明鼎盛时期雕塑艺术演变、风格特征、社会功能及其深远影响的权威性学术专著。本书旨在超越对著名作品的简单罗列和风格分期，深入挖掘雕塑背后的哲学思想、宗教信仰、政治叙事以及工匠技艺的精湛革新，为读者提供一个多维度、立体化的理解框架。 本书共分七个主要部分，系统梳理了从早期的几何风格（Geometric Period）到希腊化时期（Hellenistic Period）的雕塑艺术脉络，重点聚焦于古典盛期（Classical Period）的“黄金时代”。 第一部分：起源与萌芽——造型的初始探索（公元前八世纪至前六世纪早期） 本部分追溯了古希腊雕塑艺术的源头，探讨了米诺斯（Minoan）和迈锡尼（Mycenaean）文明的遗存对早期艺术的影响，并细致分析了“东方化时期”（Orientalizing Period）对埃及和近东艺术元素的吸收与本土化过程。重点研究对象包括“库罗斯”（Kouros，青年男性立像）和“科瑞”（Kore，少女立像）的早期原型。 风格分析： 探讨了早期雕塑的僵硬、正面性、程式化的发型和标志性的“古风式微笑”（Archaic Smile）。 技术考量： 分析了早期使用木材和软石材的局限性，以及对青铜铸造技术的初步尝试。 社会背景： 讨论了这些早期雕塑在墓葬、神庙祭献中的宗教与社会功能，特别是它们作为供奉品和墓碑的作用。 第二部分：风格的突破——古风晚期的过渡（公元前六世纪中后期） 进入古风晚期，雕塑开始展现出向自然主义迈进的显著趋势。本章详细考察了雅典和伯罗奔尼撒半岛地区在艺术创新上的差异。 “湿衣褶”的出现： 重点解析了对衣褶处理的革新，如何开始展现人体结构而非仅仅是覆盖物。 表情的微妙变化： 分析了“古风式微笑”如何逐渐被更严肃或更具内省的表情取代，预示着古典精神的来临。 群体叙事尝试： 考察了如海神波塞冬或宙斯形象的早期大型青铜像（虽多已遗失，但可通过文献和仿制品分析），探讨了神祇形象如何从威严走向更具人性化的力量展示。 第三部分：黄金时代——古典盛期的完美与理想（公元前五世纪中后期） 这是本书篇幅最长、分析最为深入的核心章节，聚焦于菲狄亚斯（Phidias）、波留克列特斯（Polykleitos）和米隆（Myron）等大师的作品及其理论建树。本章将“人”的理想形象推向了顶峰。 “动态平衡”理论： 详尽阐释了波留克列特斯基于数学比例确立的“定则”（Kanon），以及“对立平衡”（Contrapposto）原理如何彻底解放了雕塑的姿态，赋予其内在的生命力。 神圣的人性化： 分析了帕特农神庙的楣板、三角楣饰和壁带雕塑，探讨了艺术家如何在表达神祇的超凡脱俗与展现人类的崇高美德之间取得精妙平衡。 材料的精湛运用： 详细对比了黄金-象牙雕像（Chryselephantine Sculpture）的技术复杂性与全大理石作品（如帕特农神庙的雕塑）的体积感和光影处理技巧，尤其关注菲狄亚斯如何利用光线在多维空间中引导观众的目光。 第四部分：古典的成熟与转折——古典晚期（公元前四世纪） 本部分着重探讨了伯罗奔尼撒战争后，城邦精神的衰落如何投射到雕塑艺术上，艺术重心开始从宏大叙事转向对个体情感和心理状态的细腻描摹。 普拉克西特列斯（Praxiteles）的影响： 深入分析了其作品中特有的“优雅”与“柔美”气质，以及对人体曲线的偏爱，特别是对男女裸体表现的突破。 思科帕斯（Scopas）的激情表达： 对比普拉克西特列斯的内敛，思科帕斯作品中的痛苦、狂喜等强烈情感如何通过眼窝的深度、面部肌肉的紧张得到体现。 利西波斯（Lysippos）的革新： 考察了利西波斯对波留克列特斯比例的修正，以及其作品如何更加注重观赏的“视角”（从多角度欣赏），标志着雕塑从单一平面观赏向空间艺术的转变。 第五部分：走向世界——希腊化时期的多元与戏剧性（公元前三世纪至前一世纪） 随着亚历山大大帝东征，希腊艺术冲破了城邦的界限，进入了一个充满地域多样性、情感张力和叙事复杂性的新阶段。 情感的放大： 探讨了希腊化雕塑对极端情绪（如垂死的战士、年迈的渔夫）的偏爱，如何服务于新的赞助人和更广泛的受众群体。 动态与叙事高峰： 专题分析了如《萨莫色雷斯的胜利女神》（Winged Victory of Samothrace）和《拉奥孔群像》（Laocoön Group）的艺术成就，揭示其在构图上的复杂性、对运动瞬间的捕捉以及对“惊悚美学”的追求。 地域性风格的兴起： 比较了罗德岛学派的宏大叙事风格与阿索斯学派的内省特质。 第六部分：工匠的技艺与实践 本章脱离纯粹的美学分析，转向对古希腊雕塑实践的“物质文化”研究。 石材的选择与加工： 详细比较了帕罗斯大理石、彭特利库斯大理石和各地石材的物理特性，以及不同时期工具（如凿子、砂纸、磨石）的演变如何影响了最终的表面处理。 色彩的回归： 颠覆了现代人对“纯白大理石”的固有印象，通过考古学证据（如残留的颜料痕迹）重构了古代雕塑的真实面貌——它们是彩色的。 作坊组织与学徒制度： 探讨了艺术家（如菲狄亚斯）如何管理大型工坊，以及从设计草图到成品交付的流程管理。 第七部分：遗产与影响 最后一部分总结了古希腊雕塑对后世西方艺术的持续影响。 罗马的继承与改造： 分析了罗马人对希腊原作的翻制（Marble Copies）行为背后的文化动机，以及罗马人对现实主义（如肖像雕塑）的侧重。 文艺复兴的复兴： 探讨了米开朗基罗等文艺复兴巨匠如何将对人体结构和理想形式的理解，直接追溯至古典盛期的雕塑作品。 本书配有数百幅高清的文物图片、详细的考古地图和艺术史学家的现场考察笔记，是艺术史学者、考古爱好者以及所有对西方古典文明有兴趣的读者不可或缺的参考工具书。它不仅仅是一本关于“看什么”的书，更是一部关于“如何思考”雕塑艺术的深度指南。
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