中国音乐文化简史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中华书局

作者:戴微

出品人:

页数:154

译者:

出版时间:2010-3

价格:21.00元

装帧:

isbn号码:9787101070675

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 历史
• 音樂史
• 文史中國
• 文化
• 中国古代音乐史
• 中华文化
• 东方音乐通史
• 中国音乐·文化史·传统音乐·民族音乐·音乐史·文化传承·民间音乐·古典音乐·音乐发展·音乐遗产

好的，以下是一本名为《世界艺术史纲要》的图书的详细简介： --- 《世界艺术史纲要》图书简介 导论：凝视人类文明的视觉脉络 《世界艺术史纲要》并非一部简单的艺术家与作品的编年录，而是一部深入剖析人类文明演进过程中，视觉艺术所扮演的核心角色的学术巨著。本书旨在构建一个宏大而细致的框架，带领读者跨越地理、时间与文化边界，探寻艺术如何成为记录、反思与塑造人类经验的永恒载体。 全书立足于艺术史的核心命题：图像与语境的关系。我们不仅仅描述“什么被创造了”，更着重探讨“为什么被创造”以及“它如何改变了观看者”。本书的叙事逻辑遵循历史的演进，同时强调跨文化的比较分析，力求揭示不同文明在面对相似的哲学、宗教或社会挑战时，所发展出的独特美学语言。 第一部分：起源与神话的塑形——史前至古典时代 本部分追溯艺术的萌芽状态，探究人类最早的创造冲动。 第一章：洞穴深处的低语：史前艺术与原始信仰 我们将详细考察拉斯科和阿尔塔米拉洞窟壁画，分析它们与狩猎仪式、生育崇拜的紧密联系。重点讨论陶器和小型雕塑（如维纳斯形象）如何体现早期人类对生命力的抽象理解。艺术在此阶段是功能性的，是巫术和生存策略的延伸。 第二章：两河的曙光：苏美尔、阿卡德与巴比伦的权力象征 聚焦于美索不达米亚地区，探讨城市文明兴起后，艺术如何服务于神权与王权。从吉尔伽美什史诗的浮雕，到汉谟拉比法典石碑，分析程式化的人像和宏大的纪念碑如何确立社会秩序与法律权威。 第三章：尼罗河的永恒：古埃及的宇宙观与永生追求 深入解析古埃及艺术的保守性与象征性。通过对金字塔建筑、神庙壁画（如卡纳克神庙）以及法老石棺的分析，阐释“玛特”（Ma'at，宇宙秩序）的概念如何渗透到从几何比例到色彩选择的每一个艺术决策中。本章特别探讨了阿玛尔那时期（阿肯那顿改革）对传统艺术规范的短暂颠覆及其回归。 第四章：人体与民主的颂歌：古希腊的理想化 详细阐述古希腊艺术从几何时期到希腊化时期的演变。重点分析古典盛期的“黄金比例”与“理想人体”的追求（如波留克列特斯和菲狄亚斯的作品）。我们探讨了理想主义与现实主义之间的张力，以及民主制度对雕塑题材与公共艺术的影响。 第五章：帝国的心脏：古罗马的实用主义与全景再现 对比希腊的哲学思辨，罗马艺术更强调实用性、叙事性与帝国宣传。本章细致解读万神殿的建筑工程学奇迹、图拉真纪念柱的宏大叙事，以及写实肖像画如何成为维护皇室权威的工具。对罗马城邦化与多元文化融合如何体现在其艺术风格上的分析，是本章的重点。 第二部分：信仰的疆域与风格的扩张——中世纪与拜占庭 本部分关注宗教力量如何主导艺术的生产，以及艺术形式如何适应新的精神需求。 第六章：光影的超越：早期基督教与拜占庭的圣像崇拜 考察君士坦丁堡作为“新罗马”的艺术成就。分析拜占庭马赛克艺术如何通过平面化、扁平化的形象和璀璨的金色背景，来表达超越尘世的神圣性。重点讨论圣像（Icons）作为媒介在宗教生活中的功能与争议。 第七章：蛮族与秩序的重构：早期中世纪的融合 探讨罗马帝国崩溃后，日耳曼部落艺术（如凯尔特金饰、盎格鲁-撒克逊的金属工艺）与基督教元素融合的过程。分析《都灵裹尸布》等手抄本插图的精妙工艺，揭示“野性”与“规范”的张力。 第八章：信仰的堡垒：罗马式艺术的坚实与寓言 聚焦于十一至十二世纪的欧洲，探讨修道院对文化保存的贡献。分析罗马式教堂建筑的厚重墙体、半圆形拱券，以及如何通过“最后的审判”主题的壁画和雕塑，对不识字的信众进行直观的道德教育。 第九章：向上飞升的渴望：哥特式建筑与光线的革命 本书将哥特式艺术视为一次革命性的技术与美学飞跃。详细剖析飞扶壁、肋拱和彩色玻璃窗如何共同创造出内部空间被光线彻底渗透的体验，象征着人类对天堂的向往。圣女贞德时代的叙事性雕塑和手抄本的世俗化趋势也被纳入考量。 第三部分：回归人性与世界的重塑——文艺复兴至启蒙时代 本部分关注人文主义的觉醒，艺术视野如何从神转向人，以及科学方法对绘画技巧的深刻影响。 第十章：透视的发现与人体的复兴：意大利文艺复兴早期 详述佛罗伦萨如何成为艺术复兴的温床。重点分析布鲁内莱斯基的建筑透视法和马萨乔的绘画革新。探讨文艺复兴早期艺术家如何重新审视古典理想，并将其融入基督教叙事中。 第十一章：盛期的和谐与理性：达·芬奇、拉斐尔与米开朗基罗 分析“盛期”艺术达到形式完美与情感深度的巅峰。通过《最后的晚餐》的构图数学、《西斯廷天顶画》的人体力量，以及拉斐尔的“和谐”原则，揭示理性、自然主义与古典美学如何完美统一。 第十二章：北方之光与油画的革命：尼德兰与德国的现实主义 对比意大利对古典的借鉴，本书强调北方文艺复兴的独特路径——对自然细节的极致观察和油画媒介的精湛运用。详述凡·艾克的精确光影、杜勒的版画哲学，以及勃鲁塞尔对世俗生活的关注。 第十三章：戏剧性与情感的张力：巴洛克艺术的激情叙事 探讨天主教会反宗教改革背景下，巴洛克艺术如何利用运动感、强烈的明暗对比（卡拉瓦乔的光影法）和夸张的情感表达来吸引信徒。分析贝尼尼雕塑的“瞬间性”捕捉，以及鲁本斯作品中的生命力。 第十四章：光线的沉思与世俗的优雅：古典主义与洛可可的转折 分析十七世纪荷兰共和国的艺术赞助体系，如何催生了伦勃朗对心理深度的探索和维米尔对日常光线的描绘。随后，对比法国凡尔赛宫的宏大叙事与洛可可风格的精致、私密与感性，预示着启蒙运动的来临。 第四部分：观念的解放与全球的对话——现代艺术的开端 本部分追踪艺术如何应对工业革命、社会剧变和科学发现带来的新世界观。 第十五章：革命的画布与理性的回归：新古典主义与浪漫主义 考察法国大革命如何促使新古典主义（大卫）回归罗马的道德与清晰结构，以及浪漫主义（德拉克洛瓦、戈雅）如何以主观情感、异域情调和对自然的敬畏作为对启蒙理性过度扩张的反动。 第十六章：快照的冲击：摄影术的诞生与印象派的视觉革命 深入探讨摄影技术如何解放了绘画对“再现”的责任，使艺术家得以探索光线、色彩与瞬间感知本身。分析莫奈、雷诺阿如何将焦点从“描绘对象”转移到“描绘观看行为”。 第十七章：内在世界的探索：后印象派与象征主义的路径分化 解读塞尚对形式结构的几何化分解、梵高对情感色彩的极端运用、高更对原始精神的追寻，以及象征主义者如何转向梦境、神话与心理隐喻，为二十世纪的抽象艺术埋下伏笔。 第十八章：破碎的现实与多元的形体：二十世纪初的先锋运动 这是全书分析最密集的部分之一。系统梳理立体主义如何解构三维空间、野兽派对色彩的纯粹释放、表现主义对焦虑情绪的直白表达，以及未来主义对速度与机械时代的崇拜。 第十九章：非理性的胜利与日常的颠覆：达达、超现实主义与抽象表现主义 分析战争对艺术观念的冲击。阐释杜尚如何通过现成品挑战“艺术品”的定义；超现实主义如何借鉴弗洛伊德的理论探索潜意识；以及二战后，美国艺术如何通过抽象表现主义（波洛克、罗斯科）确立其全球主导地位。 第五部分：后现代的景观与当下的回响 第二十章：从屏幕到装置：波普艺术与观念艺术的转向 探讨安迪·沃霍尔如何吸收大众文化符号，模糊高雅艺术与低俗文化的界限。重点分析观念艺术（Conceptual Art）如何使“想法”本身超越了物质载体，标志着艺术逻辑的根本转变。 第二十一章：全球视野下的艺术：后殖民语境与身份政治 审视当代艺术如何应对全球化、身份认同和博物馆权力结构。分析装置艺术、行为艺术和新媒体艺术如何拓展了艺术的物质边界，并持续地对既有的西方艺术史叙事进行修正与挑战。 结论：未完成的对话 本书最后总结，艺术史并非线性进步的记录，而是人类集体意识不断自我提问和自我重塑的过程。它是一场持续的对话，我们作为观看者，既是历史的见证者，也是下一阶段艺术的共同创造者。 --- 本书特色： 跨学科整合： 紧密结合建筑学、哲学思潮、宗教史和技术发展，确保艺术分析植根于其文化土壤。 视觉分析的深度： 每一章节均配有精心挑选的案例分析，详细解读作品的构图、材质与象征意义。 全球视角： 在叙述西方主流艺术史的同时，穿插对伊斯兰艺术、前哥伦布艺术以及亚洲古典艺术的专题论述，以提供更平衡的世界图景。

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我是一个注重阅读体验的人，装帧设计、字体排版这些“外在”的东西对我来说也很有影响。这本书在设计上呈现出一种低调的、符合其主题气质的古典美学。内文的留白恰到好处，使得长篇阅读也不会感到疲惫。更值得称赞的是，如果书中有配图或乐谱示例（我指的是那种能够直观帮助理解的辅助材料），它们的选择和排布也极其考究，绝非随意的插图，而是经过精心挑选，能够立刻将读者的思维拉入作者所描绘的时代情境中。读完整本书，我感觉自己像是完成了一次对中国古典艺术精神的完整洗礼。它不是那种追求奇闻轶事来吸引眼球的作品，它厚重、内敛，但其散发出的文化魅力是持久且令人沉思的。它成功地让“简史”这个概念，具备了“大部头”的重量和深度，这在同类出版物中是十分难得的成就。

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我必须承认，我最初对这类“简史”题材是抱有怀疑态度的，总觉得“简”了，深度肯定就打了折扣，恐怕流于表面。但这本书彻底颠覆了我的看法。它的结构设计得极其巧妙，每一个章节都像是一个精心打磨的透镜，聚焦于某个关键的历史节点或音乐类型，然后将其背后的复杂脉络梳理得井井有条。尤其欣赏它在处理地域音乐差异性上的笔触——它没有将全国的音乐视为铁板一块，而是细致地勾勒出了南北方，乃至不同民族音乐风格的鲜明对比和相互渗透。比如，对于徽剧和昆曲的比较分析，不仅交代了它们各自的声腔特点和演出习俗，还巧妙地联系到了当时社会阶层的审美取向，这一点极具洞察力。这种深度的挖掘，让原本枯燥的音乐史变得鲜活立体起来，它让你明白，这些旋律不是凭空产生的，它们是特定时空下，特定人群情感与生活状态的结晶。读完后，再去听任何一段传统音乐片段，都会自动带上历史的滤镜，感受更加丰富。

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这本书简直是为我这种对音乐史一窍不通的“小白”量身定做的！我一直对咱们国家的传统音乐抱有浓厚的好奇心，但市面上的相关书籍要么术语太晦涩，要么内容过于碎片化，让人望而却步。然而，这本读起来完全没有压力。作者的叙事像是在拉着你一起走过历史的长廊，从那些古老的钟鼎编钟声中开始，到宫廷雅乐的庄严肃穆，再到民间小调的生动活泼，每一个阶段的更迭都讲得清晰明了，而且充满了画面感。比如，它在描述唐代燕乐兴盛的时候，我仿佛能听到那些丝竹管弦在华丽的殿堂中回荡，能感受到那种雍容华贵的时代气息。更让我惊喜的是，它并没有仅仅停留在对曲谱和乐器的简单介绍上，而是深入挖掘了音乐在不同历史时期的社会功能和文化意涵。它解释了“礼”和“乐”在中国古代哲学体系中是怎样紧密相连的，这点让我对中华文明的整体观有了更深层次的理解。阅读的过程，与其说是学习历史，不如说是一场沉浸式的文化体验，让人由衷地感叹，音乐真的是民族灵魂最直接的载体。

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作为一个对文化研究有兴趣的业余爱好者，我非常看重一部作品的史料扎实度以及它所能引发的进一步探索的欲望。这本书在这两方面都做得非常出色。它的引证和参考资料的选用显得非常审慎和权威，让人感觉作者是真正下了苦功的。但更绝妙的是，它在介绍完一个大的历史阶段后，总会适时地抛出一个开放性的问题或者指出某个音乐现象尚未完全明晰的研究方向。这就像是为读者打开了一扇扇通往更深层次学术领域的窗户。例如，它在探讨近代以来西方音乐对本土音乐的冲击与融合时，那种分析既客观又充满张力，让人忍不住想立刻去查阅更多关于二十世纪中国音乐家们在变革中的挣扎与创新。它不是知识的终点，更像是一张精心绘制的航海图，指引着读者去探索更广阔的文化海洋。

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这本书的文字功底着实令人佩服，它有一种独特的、近乎诗意的克制感。它避免了那种教科书式的干巴巴的陈述，而是用了一种非常优雅且富有韵律的语言来组织内容。在描述那些已经消逝的音乐形态时，作者没有沉溺于哀叹，而是用一种冷静而充满敬意的笔调，为我们重建了一个可供想象的声景。我特别喜欢它在谈论文人音乐，比如古琴艺术时所展现出的那种超然物外的气质。那种对“士大夫精神”与琴道相融的阐释，简直是文字中的“大音希声”。它不仅仅在描述“听到了什么”，更在引导读者思考“音乐如何影响了中国人的精神世界”。这种对音乐美学和哲学思辨的结合，使得整本书的层次感瞬间拔高。它让你意识到，我们谈论的不是一串串音符，而是中国人几千年来对“和谐”、“中庸”这些核心价值的艺术表达。

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