American Sculpture of the Sixties pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:LA County Museum of Art

作者:Maurice (ed.) Tuchman

出品人:

页数:258

译者:

出版时间:1967

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9781199438300

丛书系列:

图书标签:

• American Art
• Sculpture
• 1960s
• Modern Art
• Contemporary Art
• Art History
• Pop Art
• Minimalism
• Abstract Expressionism
• Postmodernism

好的，这是一份关于一本假设的图书的详细简介，该书的内容完全不涉及《American Sculpture of the Sixties》。 书名：《无形之桥：二十世纪中期欧洲先锋艺术中的结构与感性》 作者：伊莎贝尔·德拉维德 出版年份：2023年 页数：680页，附录与索引 内容概要 《无形之桥：二十世纪中期欧洲先锋艺术中的结构与感性》是一部深入剖析1945年至1970年间欧洲大陆艺术领域，特别是绘画、雕塑和装置艺术中“结构主义”与“现象学”思潮如何相互交织、共同塑造艺术实践的里程碑式著作。本书摒弃了传统的艺术史叙事，转而采用一种跨学科的、聚焦于“体验”与“物质性”的分析框架，旨在揭示战后欧洲艺术家如何通过对形式、空间和感知作用的重新定义，构建起一座连接理性建构与感官直觉的“无形之桥”。 本书将焦点明确锁定在战后欧洲的特定艺术运动上，如法国的“新客观主义”（Nouveau Réalisme）的某些侧面、意大利的“零度运动”（Arte Povera）的早期探索，以及德语区“概念艺术”在转向物质本体论之前对“现场”（site）的关注。它详尽考察了这一时期艺术家如何借鉴当代哲学（特别是梅洛-庞蒂、海德格尔以及早期的结构主义语言学）的思想，将艺术创作视为一种对物质世界和观看主体之间关系的“在场”实践。 核心论点与章节结构 本书共分为七个主要部分，层层递进地构建起对这一复杂艺术图景的理解。 第一部分：战后语境与本体论的转向（1945-1955） 本部分首先设定了战后欧洲的文化和社会背景，探讨了在经历了战争的破坏与意识形态的崩溃后，艺术家如何从对表现主义的回归或对纯粹几何抽象的依恋中抽离出来。作者认为，这一时期的关键在于对“物质本身”（the thing itself）的重新审视。我们审视了以让·杜布菲（Jean Dubuffet）及其“物质主义”为代表的探索，但更侧重于那些开始关注材料固有的物理属性和时间性痕迹的实践。特别地，本章详细分析了早期英国的“空间主义”（Space Painting）如何尝试在二维平面中创造多维度的知觉场域，这与当时法国对“无形式”绘画的探索形成了有趣的对话。 第二部分：结构的空间语法：从平面到立体 此部分是全书的理论核心之一。作者深入探讨了艺术家如何将结构主义的“关系性”原则应用于空间构建。这并非指对严格的几何形式的复刻，而是对“构成”（composition）的内在逻辑的揭示。我们详细分析了阿尔贝托·布里（Alberto Burri）的“塑封画”（Combustioni）如何通过材料的撕裂、熔化和缝合，揭示了物质的内部结构和外部创伤之间的张力。同时，我们考察了瑞士艺术家对“网格”（Grid）的非功能性、而是作为一种认知工具的使用，例如马克斯·比尔（Max Bill）学派之外，那些尝试在网格中植入“偶然性”和“有机生长”的实验。 第三部分：现象学的感知机器：身体与环境的耦合 感知成为了连接结构与感性的关键。本章聚焦于艺术家如何通过作品来调节观众的身体体验。我们探讨了某些雕塑实践如何通过改变观众的步行路径、光线的折射角度或材料的触觉反馈，迫使观看者重新认识自己身体在空间中的定位。书中特别对比分析了意大利“视觉艺术运动”（Gruppo T）的动能艺术作品与法国艺术家对“时间性肌理”的关注，两者都试图将静止的艺术品转化为一种持续发生（happening）的感知过程。 第四部分：非艺术材料的解放：原始与工业的交响 这一章节深入探讨了战后欧洲艺术家对“低级”或“非艺术”材料的偏爱，这与美国波普艺术对消费符号的挪用形成鲜明对比。本书强调，欧洲的材料探索根植于一种对废墟的记忆和对工业化遗留物的反思。我们详细研究了意大利“贫穷艺术”（Arte Povera）初期的雕塑家如何使用泥土、木头、铁屑和布料，不是为了象征贫穷，而是为了恢复这些材料的“本体论重量”。书中对特定作品的微观分析，揭示了这些材料如何携带了时间和历史的印记。 第五部分：语言的物质化：文本与物体边界的模糊 在概念艺术浪潮兴起之前，欧洲艺术家已在尝试将语言的抽象结构转化为可感知的物体。本章考察了那些使用文字、符号或符号化痕迹的艺术家，他们的目的并非纯粹的观念传达，而是要探讨文本在被物质化之后如何抵抗或强化其意义。我们审视了某些使用印刷材料和基础几何形状进行拼贴和构造的作品，这些作品预示了后续概念探索的物质基础。 第六部分：剧场化的空间：现场的介入与场所精神 本部分关注艺术家对特定场域（Site）的敏感性。不同于美国同期对“特定场域艺术”的宏大叙事，本章聚焦于那些小尺度的、几乎是私密的或建筑性的空间干预。无论是对废弃建筑内部的短暂标记，还是对画廊空间边界的微妙侵蚀，这些实践都体现了一种对“场所精神”（Genius Loci）的深层挖掘，旨在让作品成为环境的有机延伸，而非外来植入物。 结论：未完成的结构与持续的感性 总结部分重申了本书的核心观点：战后欧洲先锋艺术的活力并非来源于单一的哲学流派或形式创新，而是来源于其在理性结构（可分析的、可重复的）与感性体验（身体的、偶然的、瞬时的）之间持续建立和断裂“无形之桥”的能力。本书认为，这些作品的持久影响力在于它们拒绝提供明确的答案，而是为观众提供了一种重新校准自身感知与物质世界关系的场所。 特色与价值 本书的独特之处在于其严谨的哲学对照和细致的图像分析相结合。作者在描述艺术作品时，避免了对艺术家意图的过度臆测，而是专注于作品本身如何通过其材料、结构和空间关系来“提问”。书中收录了大量高质量的黑白和彩色图像，许多作品的细节图是首次被如此深入地研究。此外，本书的附录提供了关键哲学文本与艺术宣言的对译，为读者提供了理解这一时期复杂思想背景的必要工具。对于研究欧洲现代主义晚期、现象学美学、以及战后雕塑（非美国传统）的学者、学生和爱好者而言，本书是一部不可或缺的参考资料。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆